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在google搜索关键词 bokee 里面竟然排在第一页！

http://www.google.cn/search?complete=1&hl=zh-CN&q=bokee&meta=

没有做过什么优化，简直是奇迹，伟大的google！

◆原　　名：Tears Of The Sun
◆译　　名：太阳之泪/战鹰一号/烈日风暴
◆导　　演：安东尼·福库（Antoine Fuqua）
◆演　　员：布鲁斯·威利斯Bruce Willis..... Lt. A.K. Waters
　　　　　　莫妮卡·贝鲁奇Monica Bellucci..... Dr. Lena Fiore Kendricks
　　　　　　科尔·豪瑟Cole Hauser..... James 'Red' Atkins
　　　　　　Eamonn Walker..... Ellis 'Zee' Pettigrew
　　　　　　Johnny Messner..... Kelly Lake
　　　　　　尼克·齐兰德Nick Chinlund..... Michael 'Slo' Slowenski
　　　　　　Charles Ingram..... Demetrius 'Silk' Owens
　　　　　　Paul Francis..... Danny 'Doc' Kelley
　　　　　　Chad Smith..... Jason 'Flea' Mabry
　　　　　　Tom Skerritt..... Capt. Bill Rhodes
◆类　　型：惊悚/动作/剧情
◆片　　长：121分钟
◆上　　映：2003年
◆国　　家：美国
◆语　　言：英语
◆字　　幕：中文
◆文　　件：3CD
◆链　　接：http://www.imdb.com/title/tt0314353
◆评　　分：6.3/10 (14,214 votes)

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◆视频尺寸：800 x 336
◆压缩格式：RMVB
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简　　介：

　　布鲁斯·威利斯领导的美国海军陆战队奉命潜入非洲丛林营救一名美丽的女医生(由意大利女星莫妮卡·贝鲁奇扮演)，不料她坚持除非其他70名人质都得到释放，否则绝不离开，于是这场营救行动变得愈加艰难起来……影片由《训练日》的导演安东尼·福奎阿执导，索尼旗下的革命电影公司负责发行。

　　这次，刚刚在《哈特的战争》中塑造了一名二战军官的布鲁斯·威利斯再次披挂上阵，饰演一位忠诚英勇的美国海军下属“海豹”特种突击队的队长沃特斯。由于出色的军人素质和对命令的绝对服从，沃特斯被海军秘密授予了一项使命——率一支精干的“海豹”分队前往尼日利亚的丛林，营救一位支援当地医护工作的美国医生莱娜·康德里克斯(莫妮卡·贝鲁奇)。

　　在沃特斯的带领下，海豹小分队顺利地在非洲丛林腹地搜寻到了正在为当地难民们提供紧急医疗服务的莱娜医生，就在突击队员们按照命令营救她回国时，计划突然生变，莱娜坚持要把正在她照看下的70位难民一起带出边境，否则她誓死也不会离开这里。

　　看着坚定地选择了和自己的病人生死与共的女医生，沃特斯不得不面对他军人生涯中第一次命令和良心的冲突，是奉命强行带走莱娜医生一个人去复命？还是让自己的部队带着这几十个老老少少身染疾病的难民、走入叛军盘踞、且充满着种种未知危险的原始丛林？当军人的天职和道德发生矛盾时，哪一个更重要？

[幕后制作]

　　《太阳之泪》的导演是曾经执导过《训练日》的安东尼·福奎阿，凭借在《训》片中一个亦正亦邪的警察角色，丹泽尔·华盛顿领走了当年的奥斯卡影帝小金人，而福奎阿则为自己赢得了声望和信任，可能是看中了他在塑造人物性格方面的角度和力度，索尼公司放心地把这部预算达7千万美元的影片交给福奎阿。

　　对于布鲁斯·威利斯来讲，在《第六感》里尝试了一把转型的他又重新回到他熟悉的类型动作英雄上，如果本片在全球票房超过1亿，那么这部《太阳之泪》将成为他从影以来主演的第14部票房过亿影片。

　　在视觉特效方面，索尼公司则把大权交给了赫赫有名的工业光魔公司，负责该片电脑特技的是斯柯特·法瑞尔，他在不久前刚刚完成了斯皮尔伯格和汤姆·克鲁斯联袂合作的科幻动作片《少数派报告》。

　　影片拍摄完成后，两位主角的绯闻也开始漫天飞。美丽的意大利尤物贝鲁奇前不久刚和她的法国影星丈夫文森特·卡索分手，随后，就有数位好莱坞炙手可热的单身汉和她的名字扯上了关系，在本片赴风景如画的夏威夷取景过程中，有人目击贝鲁奇和威利斯在镜头后依然形影不离，举止亲密，伊人更是曾经挂在威利斯的臂弯上陪同他出席另外一部新片《哈特的战争》的首映礼，看来，一向对美女来者不拒的老威已经成了又一个在贝鲁奇裙下称臣的“黄金王老五”。

　　在本片的拍摄过程中，一位名叫迈克尔·巴比的特技替身在一次跳伞时不幸罹难。为了拍摄一个空降镜头，巴比和其他七名特技替身从高空跳下，但是由于一股意外的气流，他被吹到距离原定落地点至少300码远的海上，尽管他的同事们和剧组成员全力组织搜索，但是再也没有人找到巴比。这场意外也让整部影片的拍摄蒙上了一层悲剧色彩。

[和片名有关的花絮]

　　和好莱坞很多影片一样，本片在上映前的一段时间内曾经几易其名，最开始，这部影片被命名为《战争中的男人》(Man of War)，并且一直以这个片名作为影片的前期宣传，但片子拍得差不多了，问题也来了，制片方考虑到在本片上映时，正好会赶上美国对阿富汗发动反恐战争的敏感时期，任何和战争有关的字眼都会让神经兮兮的美国公民们觉得异常刺眼，为了顾及公众的感受，索尼公司把片名换成了《敌对行动》(Hostile Act)，后来可能又觉得这个名字不够紧张，而且没有美国电影片名里通常会使用的双关语，于是讨论后再次更换成《敌对营救》(Hostile Rescue)，但是还没完，在影片正式上映前的八个月，索尼公司最终还是用《太阳之泪》作为片名，而让影迷们大跌眼镜的是，这个片名本来是准备用在让老威利斯名扬天下的系列惊险动作片《虎胆龙威》(Die Hard)第四部头上的。

太阳的眼泪

　　又译：《猎日风暴》

　　在这部安托万-富卡(Antoine Fuqua，曾执导《训练日》“Training Day”)最新执导的冒险动作片中，布鲁斯-威利斯(Bruce Willis)饰演美国海军特种兵海狮部队上尉A.K.沃特斯(A.K. Waters)。

　　沃特斯率领一支特种兵小队被派至非洲腹地的丛林地带，一向顽强不屈的他发现不得不做出选择，要么执行上司的命令，要么顺从自己的良知。

　　故事讲述了沃特斯上尉前往饱受战火蹂躏的非洲中部，去援救在哪个国家执行援助任务的美国公民----莉娜-肯德里克斯医生(Dr. Lena Kendricks，莫妮卡-贝鲁奇饰，Monica Bellucci)而面对人性冲突的严酷现实。当沃特斯上尉率人到达时，肯德里克斯医生拒绝抛弃正在救治的难民。她恳求沃特斯护送他们穿越茂密的热带丛林到最近的边界。一路上，海军特种兵海狮部队官兵们发现他们毫不知情地保护了一位被叛军到处追杀的人。这更增加了他们已经相当危险的任务难度，但这也坚定了沃特斯上尉保护莉娜-肯德里克斯和难民们，将他们护送到边界安全地带的决心。

一句话评论：

影片的紧张悬念和动作场面会吸引所有年龄层面的男性观众。

——《好莱坞报道》

一部具有80年代经典风格的动作惊悚片。

——《首映》

除了结尾有些弱智的高潮场面外，《太阳之泪》确实是一段让人印象深刻的梦魇。

——《洛杉矶太阳时报》

片名应该改为“太阳的鳄鱼泪”。

——《华盛顿邮报》

富奎阿可以完成出色的动作场面，却挽救不了平凡保守的剧本。

——《滚石》

有剽窃《黑鹰坠落》的嫌疑。

——《乡村之声》

花絮：

·影片剧本曾被考虑用于《虎胆龙威》系列。

·2002年10月29日，一位名叫迈克尔·巴比的特技替身在一次跳伞时不幸罹难。为了拍摄一个空降镜头，巴比和其他7名特技替身从高空跳下，由于一股意外气流，他被吹到距离原定落地点至少300码远的海上，尽管他的同事们和剧组成员全力组织搜救，但是再也没能找到巴比。

·本片片名实际应该是《虎胆龙威》第四集的片名，布鲁斯·威利斯称如果可以借用片名"Tears of the Sun"，他才会答应出演《虎胆龙威》第四集。

·爱默生刀具在片中曾经出现，这种手工制造的刀具在司法和军事领域极受欢迎。

·片中出现的SH-60B海鹰直升机隶属于美海军陆战队在夏威夷的军事基地。

·本片是第一部在尼米兹级核动力航母上拍摄的电影。

·影片拍摄期间，扮演海豹突击队员的演员除要接受2周的集训外，还要在戏里戏外互相称呼各自扮演的角色姓名，以培养团队意识。

·凯文·史密斯曾有望加盟本片，但由于在其他影片中的特技事故而最终放弃。

《太阳的眼泪》原声:战火纷飞中的良知

来源：千龙新闻网    作者：ACTION

　　在每一场战争当中，真正能体验个中滋味的，除了手握真枪实弹的士兵，就是那些饱受涂炭的无辜百姓。无论是出于什么目的，那些挑起战争的人无疑都是最可耻的，冠冕堂皇的理由无法掩埋良心的力量。

　　影片《Tears of The Sun》（太阳的眼泪），讲的就是一个原本顽固的军人，在惨烈的战斗中唤醒内心良知的故事。在看到这部影片之前，我有幸先听到了它的原声，曾经以《The Lion King》（狮子王）一片夺得“学院奖”的Hans Zimmer，用非洲音乐元素作为基调，恢弘壮阔的旋律中再次触发悲天悯人的人性良知。

　　在这部影片的原声碟正式推出前，有关方面就曾经声称它将是Hans Zimmer近年来最有野心的作品之一，制作班底就是当年让Hans成功摘取小金人的《The Lion King》中的老搭档Lebo M.。

　　 和《The Lion King》一样，《Tears of  The Sun》中的配乐，人声所占的比重非常大，尤其是专门为影片创作的《The Journey/Kopano Part III》(旅程/科帕诺第三乐章)这段结尾组曲，堪称完整流畅的灵魂诗篇。充满生命脉动的节奏中，雄浑的大合唱勾勒出一览无余的非洲原野，Lebo M.愤懑中蕴涵着伤感的呐喊，充满了撕扯的力量，从中可以听到主人公的良知在哭泣。电影中，音乐原本是为视觉服务的，但是这段曲子即便是单独抽离出来，也是一段完整的人性悲歌，让人禁不住感叹，原来活在没有战火的世界竟然是如此幸运。

　　但是战争的挑起者，恐怕并不这么看，在他们的世界里，可以充满了金钱的奢华和情色的诱惑，而根本不去理会那是在一堆堆战争的白骨中构筑起来。影片《Tears of The Sun》并不是纯粹的艺术片，所以，大量的战争动作场面必不可少。而Hans Zimmer创立的“视觉音乐”也在这部影片再度被派上了用场，最典型的要数《The Jablonsky Variations On A Theme By HZ/Cameroon Border Post》(汉斯季默创作的主题杀戮变奏/喀麦隆边境哨)这段组曲，当凌厉的电子合成器与壮阔的管弦乐融合成一片听觉霹雳的时候，你已经身在子弹横飞，生死一线的战场，奇怪的如此激烈的听觉轰炸，也无法Lebo M.嘹亮的歌声，预示着人性的良知是任何武器无法摧毁的。

　　 Hans Zimmer在为这部影片创作音乐的时候，在展现人性良知的同时，也不忘直面那些人性中丑恶的阴暗面。从主题旋律到每段旋律，调子始终在阴郁的区域徘徊。在《Small Piece For Doumbek And Strings/Kopano Part 1》(小段针线/科帕诺第一乐章)这段同样以主题旋律也中轴衍生的段落中，Hans加大了管乐的比重，低沉浑厚的音色，犹如在心头压上了一块大石，几乎到了让人窒息的地步。这种心灵上的煎熬，恐怕要比任何一种肉体上的伤痛更让人难以忍受，基于这个原因，我认为这段音乐并适宜经常聆听。

　　 关于Hans Zimmer已经谈得太多了。不可否认，他的创作为这部影片起到了推波助澜的作用，但是在我个人看来，真正画龙点睛的神来之笔，大都是来Lebo M.的和声。正是他编写的这些人声段落，为原本充满杀气和阴郁色彩的音乐增加了人性的亮色。这一点在专集开篇的《Yekeleni Part 1/Mia‘s Lullabye》(耶克里尼第一乐章/米亚的催眠曲)，就得到了印证。非洲土著的打击乐器在贝斯的配合下，轻盈而不失稳重，Lebo M.的歌声也要温柔了许多，就象晨曦中洒下的第一缕阳光，清凉中渗透出丝丝的暖意。

　　为什么这种希望之音永远都有？可以说都是人们的良知在发挥着它的力量。也许有一天，真的能没有战争，而在这一天到达之前，相信还会有更多的人，用他们手头的音乐去唤醒沉睡在心灵深处的声音，“我要安宁……”

《太阳之泪》：无病呻吟骗眼泪

作者：文彬

　　看《太阳之泪》时，我想起了另外一个救援故事。2001年的时候，美国慈善援助人员希瑟·莫瑟(Heather Mercer)和戴纳·柯里(Dayna Curry)被阿富汗的塔利班政府关进了监狱。在监狱里度过100多天后，他们被美国的救援人员救出，当时他们喜极而泣。但在这部影片里，我们看到女主角莉娜医生的兴奋之情，这也让我和其他观众一样对救援和战争等诸多问题产生了疑问。

吃力不讨好

　　和我上面想到的故事相似，本片的女主角莉娜去战火燃烧的非洲国家尼日利亚的目的也是进行慈善援助。不过虽然她没有被关进监狱，但她和自己救治的一大批黑人却被叛军围困了。海军上尉军官沃特斯率领美国海军海豹特战小组深入尼日利亚丛林的目的，就是执行搜救莉娜的任务。

　　现在战争电影已经不再满足于战争的表面，这原本是一个进步。仅仅是靠大场面、以及惊险程度来制造娱乐效果当然会显得有些老土。但创新却不是一件很容易的事，弄不好会连原本应有的一些战争电影的娱乐性都一并消失，本片就显然有些吃力不讨好。

导演一思考演员就发笑

　　弗兰克·卡普拉(Frank Capra)的二战电影里，总是在重复我们为什么打仗这样一个主题，虽然有时候也弄得非常沉闷但总算是常常都被人当做经典。如果能够这样沉闷一回，似乎也值得。本片显然也想重复卡普拉一不留神成为经典的模式，不过没有重复为什么打仗这样一个主题，而是想借沃特斯上尉的思想转变对别的问题做点深入思考。现在的电影圈里，似乎存在这样一个笑话，导演一思考演员就发笑。就像张艺谋想在《英雄》里来点深刻的东西，结果观众中总是有人以为这是喜剧桥段。本片的导演这样一思考果然又应验了这一笑话，让人在笑过之后又想知道另外一个问题的答案，我们是在和谁打仗？一大群像变戏法一样突然出现的敌人，令故事的惊险程度有了很大的提高，但这些人是干什么的编导却不想让观众知道。从影片的基调来看，编导像个思想家一样，充满了对战争的反思，但结果连我们在和谁打仗都没搞清楚，这样的思考……，不敢想下去了，这好像是个很SB的问题。

　　不知道美国海军士兵看到片中布鲁斯·威利斯的形象会作何感想。这个连仅存的几根头发也已经几近花白的动作明星，如果是真正的海军海豹特战小组的成员，恐怕早就被请回老家退休了，偌大的美国不可能没有年轻人来替代这样的老人出征。当然这是电影，谁让人家是卖座明星呢。最为令人不满的可能在于老布还是和大多数时候一样保持着他那严肃得像结了冰一样的面部表情。而为了配合编导的思考，他的严肃和思考像是被谁拿枪顶住后背时做出来的一样，这样的表演显然就连他的忠实影迷也有些不满。

　　不过这部影片还是有些东西做得比较出色的，我的一位参加过越南战争的朋友就不断地说这部影片的很多场面做得很逼真，虽然是在夏威夷拍摄，但气氛和场面都很出色。这也难怪，很多装备都是借海军部队的，如果再不够逼真那么导演应该被封杀再也不要准许他拍戏浪费资源。在美国对伊拉克发出最后通牒的时候，索尼公司可能以为自己推出这部影片刚好应时，但应时的东西不一定都会流行。更何况无病呻吟、乱发感慨，遭受冷遇也是情理之中的事。

太阳之泪：毫无新意的偶像战争片

作者：七月雨　来源：网易娱乐

　　在伊拉克冲突正值焦灼状态的时候，《太阳之泪》无疑充当了美国政治宣传片的角色。本片所具备的优势不仅仅是在其情节上与在伊战场上成功营救19岁的美军女兵杰西卡·林奇这一时事幸运地大体相同，更为重要的是，整部影片所渲染的气氛和表达的主旨皆与美国时下所使用的口吻相当切合——解救贫穷的无辜人民。

　　但是，仅从评价电影的角度看，《太阳之泪》是一部十足空洞而无聊的战争片。首先，它情节的简单已经到了言之无物，又苦苦支撑的境地——为救出在战火纷飞的尼日利亚行使人道主义救护的女医生莉娜(莫尔卡·贝鲁奇饰)，一美国突击队在老军官沃特斯(布鲁斯·威利斯饰)的带领下，深入到非洲丛林，在本可以顺利完成任务的情况下，沃特斯最终决定要把那里受战争威胁的人们一并带离危险，当然，结果是成功的。如此枯燥的内容在一步步地被迫往下推进，其间不仅没有提神的战斗的场面，更没有给观众一种时间压迫的紧张感(上司给沃特斯的废话式的命令和敌人令人不担心的逐渐跟进，这两方面皆如此)，这会令人感觉电影有一种很适合睡觉的漫长。

　　电影的摄影有些杂乱，只有在少数对小动物描写的画面和写景的镜头出现时，多少让人找到些《细细的红线》的感觉，至于对命令的违抗和突进小村庄对敌人近距离射杀的场面，远远不如《细细的红线》经典——本片部分场面有抄袭《细细的红线》的嫌疑。战争片终究还是要打一打的，盼到结局将至，终于看到了大场面，可是遗憾仍然继续沿袭。千篇一律的爆炸和漫无目的的射击取代了激烈惊险的对攻，更可笑的是当你看到两架美国飞机赶来“放火”的时候，你会感到所有之前对战争精彩场面的期盼都没有了意义，壮观的爆炸和熊熊的大火充斥着整个屏幕，灼伤你娱乐的欲望，却烧不尽你对影片的失望。电影惟一的亮点是那只漫步于草丛的战地野猪，而沃特斯挨个征求战友意愿的俗套也略有感人。

　　对于喜欢两位主演的影迷，也许你们会感到不满意或生气。威利斯和贝鲁奇在感情成分乏味至极的情节中，始终像没睡醒一样，而且两个的人行为几乎没有任何背景(贝鲁奇自讲台词的交待，说服力略牵强，威利斯的背景则实在模糊，这使得他的行为看上去更像是一种为了感人的冲动)。威利斯的角色注定了他将保持以往的表演风格，你不要希望他对演技有所超越，本片中的他只是比以前更老了，这对像我一样喜欢他的影迷们，多多少少是个必须接受的无奈的现状。可怜的贝鲁奇，她是整个电影的引子，没有人关心她的生死，因为这本身太无悬念。她给威利斯的拥抱很生硬，对病人们的感情很表面，除此之外就是尖叫和受伤。也许本片不应该选择这样一个无论怎样化妆成脏乱都美丽性感的女人。

　　一句话：毫无新意的偶像战争片。

观太阳泪有感——出埃及记之现代版

作者：夜鹰

　　耶和华说，我的百姓在埃及所受的困苦，我实在看见了，他们因受督工的辖制所发的哀声，我也听见了。我原知道他们的痛苦， 。。。我下来是要救他们脱离埃及人的手，领 他们出了那地，。。。《旧约，出埃及记》

　　记得最初听到这部影片片名就把它误认为是一部文艺片，但封面布鲁斯·威利斯（Bruce Willis）的一身戎装和那张故作沧桑的老脸却又清晰的说明了其性质必是一部涉及军事题材的作品，而看到封底上的“继黑鹰坠落后最佳军事惊竦片”倒是引起了极大的兴趣，拿黑鹰坠落做噱头可以说是调足了我等观众的胃口！

　　其剧情其实并不复杂，大概意思是故事背景发生在尼日利亚，叛军发动政变杀死了总统并对异教徒进行种族清洗，美军按照惯例要实施撤侨行动，一小队SEAL（海豹突击队）由布鲁斯·威利斯（Bruce Willis）率领进入西非丛林解救一名美籍意大利女医生莫妮卡·贝鲁奇（Monica Bellucci），但是撤退时目睹了叛军种族清洗的的屠杀行动后，布鲁斯·威利斯决定冒着违抗命令和违反交战法则的风险拯救难民，于是他们要穿过丛林到达喀麦隆边境才能获得拯救行动的成功，而后面又有一队全副武装的叛军为了追杀前总统的儿子而穷追猛打，步步紧逼。最后在SEAL（海豹突击队）的浴血奋战下，女医生，总统之子以及大部分难民终于在喀麦隆的边境线上得救。

　　作为类型片其实这又是HOLLYWOOD炒的一锅冷饭，其实其主要叙事框架又是一脉相承于西部片的经典架构，我们仔细想一下，几个各怀绝技的牛仔护送关键人物或财宝通过盗匪出没或印第安野蛮人横行的西部荒漠，历经磨难最后是剿灭匪徒获得财宝当然还可能还有爱情，这种套路的影片简直可以说多如牛毛甚至让人感到厌烦，而本片只不过将战马换作了海鹰直升机，左轮手枪换作了M4，西部荒漠也换作的西非丛林，人物由孤胆英雄或正义警探换作了SEAL（海豹突击队），又是纯粹是换汤不换药的作法。但值得注意的是似乎又不完全是西部片里的所谓的开拓精神作祟，因为没有一部西部片所宣扬的美国精神能上升为此片要表达的以救世主形象而出现的美国的国家精神，而且是通过结尾出近三分多种的异乎寻常的煽情段落赤裸裸的表达出来。所以说此片是套着军事片外衣的西部片并不准确，而我倒是觉得是用出埃及记之现代版来形容更贴切些。让我们来看一下，由莫妮卡·贝鲁奇扮演的女医生在影片中数次提到“my people”，让我想起了摩西对法老说的话：“Let my people go”，而布鲁斯·威利斯也说“GOD ALREADY LEFT AFRICA”，这些充满了宗教背景的话不仅仅因为剧情里ＳＥＡＬ正是要帮助同样信仰天主教的非洲人躲避灾祸，逃离种族清洗的厄运那么简单，恐怕还还有更深的含义，这些信仰天主教的非洲人现今正在遭受前所未有苦难，而拯救他们的却又恰恰是有同样宗教信仰背景的训练有素的美国军人，这些难道不是刻意的安排吗？而叛军对教堂的焚烧和杀戮似乎又让我们回到了中世纪的黑暗时代，这在有宗教背景的西方是极其恶劣的罪行，于是美军的拯救行动又再一次套上了合法和正义的外衣，而其后看到叛军的“种族清洗”后的毅然“该出手时就出手”更是又一次谱写了米军不可战胜和英勇无敌的新篇章外又增加了美国人悲天闵人的世界警察的正义形象！“敬同一个神而救人民于苦”，这一切不是正好符合旧约里摩西分红海而出埃及的典故吗？所区别的除了把手杖换作了现代化的军用卫星电话，把分红海换作了Ｆ１８超级大黄蜂的炸弹，一旦模糊了时空的界限，我甚至看不出此片和旧约有何区别？而在仔细琢磨琢磨之后发现此片隐含着更加的赤裸一些的另一层意思，美国军人救了这些非洲人而成为了现代意义上的“摩西”，但是不要忘记摩西可后来成为希伯来人的“王”哦！？那么所谓的“十戒”会不会是美国式的“民主”呢？其实说美国是救世主并不准确，因为救世主是要被钉到十字架上面去的！？所以成为有同样宗教信仰的国家领袖才是米国的真正意图和本意吧！

　　最近一些日子网友对此片恶评如潮，其实其焦点就在于说此片“假大空”，为什么有此结论呢？大概是结尾处的煽情段落太过非美国化吧！再说的通俗些有些象中国电影。。。从充满感激泪水的非洲小男孩由远及近的脸部特写，和一个非洲妇女不断重复的“THANK YOU”，这些都似乎不是HOLLYWOOD常见的手法，其实仔细想来一点也不奇怪，本片其实就是美国军方的一部宣传片，列宁说过：“电影对于我们苏维埃是最重要的”，我也可以设想拉姆斯菲尔德如是说：“电影对于我们美利坚是最重要的”。我们眼中的美国优秀的战争片一提就是80年代以来以野战排和现代启示录为标志的带有明显反战意义的战争片，对战争中人性的反思，战斗的残酷，生命的价值的探讨可以说几近顶峰，但是请不要忘记越战已经离美国人已经快30年了，美国再是一个善于反思的民族也不会继续的悲天闵人下去，更何况他们不是如此。。。于是我们看到新一代越战片的出炉，首当其冲的是MEL GIBBSON的《我们是士兵》，值得注意的是其主旨不再放于对战争对错的反思和判断，而明显把焦点放到了士兵的责任方面，我们是士兵，无论美越双方的士兵都是为国而战而捐躯，作战是士兵的任务，胜利是士兵的目标。。。我们是士兵。。。多么简单的一个名字，估计现在的小学生都认识这几个英文单词，但其意义和力量远远超乎了人们的想象，值得注意的是我国也有一首军歌叫“我是一个兵”，和《我们是士兵》有着异曲同工之妙！而《太阳泪》正是在这种国际大环境和美国自身的小环境下的产物，我们看到当今的国际大气候是美国的扩张，试想现在处于颠峰时期的大美利坚帝国的人民谁还有兴趣看整天反思啊沉痛啊的电影呢？所以我们看问题也要本着“与时俱进”的态度，我们自己还不是在为李鸿章翻案吗？所以我认为《太阳泪》是一部思想性娱乐性都不错的美国当今主流影片！史学家克罗齐说过：“所有的历史都是当代史。”所以历史必将为现实服务，而不符合当今历史潮流的，“必将被历史的车轮碾得粉碎”——文革语！！！

与美国精神无关――《太阳泪》韩兮

关于美氏人道主义精神的影片我们看得已经太多了，所以对此片中过多的那种人性渲染已经见怪不怪了，唯一可以说的是，美国人的人道精神比中国式的人道精神显得更加可信，这也是我一直以来观影的经验。那些细节总是似曾相识，但每一次还是能给观众点热血沸腾的东西，这不能不说美国人玩起这个来的确厉害。

其实，这种东西是相辅相成的，影片的故事摆在那里，几个美国大兵也不用特意地唱高调，煽情的点自然而然就会流露出来的。这让我想起几年前曾接触过的一部影片，就是轲受良的最后遗作《生死速递》。讲得是送骨髓的事情，片中用七十分钟铺垫煽情，用二十分钟送骨髓，这是一个多么严重的剧本错误啊。如果用二十分钟做铺垫，用七十分钟送骨髓的话，即便不特意煽情，那份情也会自然而然地影响到观众的。所以，不用说人家美国人煽情，人家的煽情是与剧情细节紧密结合在一起的，为煽情而特写一场戏，这也就中国编剧中国导演总是这么干，很不成熟的表现。

说了这么多，回到《太阳泪》。不可否认，俺是冲着世界最性感女人莫尼卡贝鲁奇去的，当然这部片中的剧情不允许她有展示肉体的机会，虽然有些失望，但也感谢导演没有因为这个性感女神而破坏了影片整体的紧张感。

紧张是最自然的煽情手段之一，大凡是紧张的影片，主人公一个表情一句台词都能起到煽情的效果，美国的灾难片对此有充分的演绎。到了此片中，一帮美国大兵要护送一群难民逃离，后面的追兵越来越近，这种紧张感是显而易见的。

造成紧张最好手段是让观众知道这紧张从何而来。希区柯克将炸弹放在正在吃早餐的男女主人公餐桌下面，观众看得见，剧中人不知道，于是这种悬念就造成了紧张。即危险随时可能发生。

放到本剧中，危险得到了充分地体显，叛军的残忍是无以伦比的，导演在这方面下足了功夫。片头是军变，先给大家一个血的印象。

然后是那个医院，看着那些伤员，所有人都知道残酷了。

第三个是教堂的杀戮，对牧师一刀挥了下去，本以为就此省过了，结果一个主观的俯拍的镜头将这场残杀的静态展现在观众的面前，死尸遍地，村庄毁于一旦。

第四个则是那个途遇的小村庄，一帮叛军大肆地实施着自己的暴行，看在几个美国大兵的眼中，也看在了观众的眼中。尤其割去一位母亲的双乳，这种暴行达到了极致。

这时候，我们可以领悟到导演的手段。

这四场戏可以说是慢慢升级的，一步一步，十分地扎实，不断地刺激着观众的神经还有同情心，最后达到了高潮。正因如此，观众对叛军如果追上逃亡者将意味着什么心中自然十分地清楚，于是这种猜想或断定造就了观影者的紧张感。前面说了，紧张感一出来，煽情的事是很容易完成的，美国氏的人道主义也就体显出来了。

不过同时也提到一个问题就是这些美国大兵的选择，莫尼卡的善良是作为一名医生的天性，并没有太大的说服力，布鲁斯的善良是一时的，处于一种挣扎状态，所以当他要抛弃这群难民的时候是极为正常的反应。

但随着导演对叛军暴行的升级演绎，这些美国大兵的善良开始迸发，甚至都愿以死拼取这些难民的活命。

所以说，本片中最大的亮点就是那些对暴行的升级演绎，不但令观众十分地入境而且也为美国大兵们演绎他们的人道主义精神提供了理论上的基础，毕竟这种血腥的刺激对任何一个善良的人都会起到生理以及心理上的反应的。

最后说一句，种族之间的仇杀的确令人惨不忍睹，生在非洲勿宁不生的好，个人观点！

《太阳泪》米国大兵的样板戏

来自: vcbear (深圳)

“God Left Africa”布鲁斯.威利说，但他没说下一句“但我们米国大兵来了”.

这个片子基调就是这样的，米国小分队所有队员都是一颗红心，两手武器，三生有幸的参与到这次扮演上帝，拯救非洲人民的伟大任务里，甚至不屑于像其他米国片一样，在革命队伍里安插个别的反骨分子来衬托主角，连米国大兵个性的怨言都不多几句，布鲁斯威利说：“为了非洲人民”，直升机可以掉头，交火条例可以违反，士兵们可以亡命，他就素那红太阳，掉下的泪，都像耶稣怜悯世人的神迹...

与此对应的是，反派分子几乎没有台词，从头到尾板着阴森的脸一步一步走向必然的灭亡，这也是样板戏的需要。

看这个片子，一开始我就打赌，布鲁斯威利要跟女主角搞上，布鲁斯威利或者其队员要死掉，以衬托整个片子的悲壮色彩--虽然我不太愿意布鲁斯威利死掉--最后布鲁斯威利果然跟花瓶女主角搞上了，半死而已...其实布鲁斯在这个片子里表现得还可以，不像演警察系列的时候那么颓废，也不像《哈特的战争》那么阴森刚愎，中规中矩，把一个经验丰富，威严又温和的军官表演的挺好。

战斗场面比较大的只有两场，一场是突袭村庄，这场拍得干净利索，几个拿着小刀和消音枪的大兵训练有素，刷刷的扫荡了整个村庄；第二场是最后的遭遇战，几个人正面对抗上百人的部队，场面比较惨烈，但看起来有点假了，米国大兵基本上站着防，走着攻，但子弹嗖嗖,炮弹轰轰的就是打不中他们，镜头晃到敌军那边，怎么这帮人都是３０度角向天开枪的，怪了....

打完之后，有长达几乎５分钟的煽情镜头，那帮伤兵一瘸一拐的走向边境，血都要流光了，而前来救援的人还在那里凝重的瞻仰之...非洲人民夹道欢送米国大兵，跟新闻上欢送抗洪子弟兵的镜头差不多...忽略所谓米国精神YY之外，见识一下非洲派系种族斗争里，给人民带来的悲惨命运，还是让人心情沉重的。但愿神像太阳一样普照众人，而不要动不动流下泪来。

这个片子还是值得一看的，哪怕只冲着老戏骨布利斯威利。

◎译　　名　无悔今生/我的左脚
◎片　　名　My Left Foot
◎年　　代　1989
◎国　　家　英国/爱尔兰
◎类　　别　传记/剧情
◎语　　言　英语
◎字　　幕　中文
◎IMDB评分 7.6/10 (6,725 votes)
◎IMDB链接 http://www.imdb.com/title/tt0097937
◎文件格式　RMVB
◎视频尺寸　800 x 432
◎文件大小　2CD
◎片　　长　01:43:14
◎导　　演　吉姆·谢里登 Jim Sheridan
◎主　　演　丹尼尔·戴-刘易斯 Daniel Day-Lewis .... Christy Brown
　　　　　　阿德里安邓巴Adrian Dunbar .... Peter
　　　　　　布兰达·弗里克 Brenda Fricker .... Mrs. Brown
　　　　　　Eileen Colgan .... Nan
　　　　　　Marie Conmee .... Sadie
　　　　　　Declan Croghan .... Tom
　　　　　　Sarah Cronin .... Girlfriend
　　　　　　西里尔·库萨克 Cyril Cusack .... Lord Castlewelland

◎简　　介　

获   奖：
1990年度奥斯卡最佳男主角 丹尼尔·戴-刘易斯
1990年度奥斯卡最佳女配角 布兰达·弗里克

剧　情：

　　影片是根据已故爱尔兰天才作家兼画家克里斯蒂·布朗的自传体小说改编拍摄而成，克里斯蒂出生于1932年6月5日，然而这个新生命的到来并没能给家人带来欢乐，先天大脑瘫痪导致的痉挛使他无法和正常人一样用肢体或语言来表达自己的情感，然而上帝虽然没有给克里斯蒂一个健全的身躯，却赋予了他智慧和灵巧的左脚。在与病魔抗争中的同时，他成为了举世瞩目的艺术家、作家，最终他不仅在事业上取得了成功，还和常人一样，同自己的爱人共同步入了婚姻的殿堂。

　　任何成功的取得都不会是一帆风顺的，对正常人况且如此，更不用说对于像克里斯蒂这样大脑有残疾的人了，然而克里斯蒂却是一个敢于与命运抗衡的人，所以他成功了。

　　克里斯蒂出生于1932年6月5日，然而这个新生命的到来并没能给家人带来欢乐，先天大脑瘫痪导致的痉挛使他无法和正常人一样用肢体或语言来表达自己的情感，他只能靠唯一一只能动的左脚来完成所有想做的事情。然而上帝虽然没有给克里斯蒂一个健全的身躯，却赋予了他智慧和灵巧的左脚，从小就喜爱画画的他作品屡屡获奖，出色的表现不仅得到了众人的认可，同时也改变了他的人生，在多年的不懈努力之下，克里斯蒂成了一位颇有名气的画家。

　　19岁那年，妈妈请来专门治脑瘫的医生艾琳帮助克里斯蒂矫正发音、按摩大脑，在艾琳耐心的照料下，克里斯蒂的病情有了很大改观，他已经可以用语言和别人交流了，与此同时，克里斯蒂也渐渐爱上了善良的艾琳。然而当他知道艾琳要结婚的消息后，深受打击，很长一段时间，克里斯蒂都无心拿起画笔。

　　家人的支持和帮助使他再次从消沉中走了出来。在与病魔抗争中的同时，他成为了举世瞩目的艺术家、作家，最终他不仅在事业上取得了成功，还和常人一样，同自己的爱人共同步入了婚姻的殿堂。

　　本片是根据爱尔兰作家克里斯蒂·布朗的自传拍摄而成。影片演员阵容强大，包括丹尼尔·戴-刘易斯、布伦达·弗里克、雷·麦克纳利等，首次执导影片便一鸣惊人的爱尔兰导演吉姆·谢里登，以平实中带感情的手法来描述克里斯蒂·布朗的成长过程，他刻意避免把男主角变成英雄，反而花了不少篇幅来描写他生活中轻松的一面，使这部主题严肃的影片流露出不少趣味。丹尼尔·戴-刘易斯在影片中高难度的逼真表演让所有演员汗颜，也让所有观众为之感动，当之无愧的拿下了90年的奥斯卡最佳男主角。同时本片中伟大的“母亲”也拿下了当年的奥斯卡最佳女配角。

　　从DVD特别版本中的“制作我的左脚”这一部分中可以知道，丹尼尔·戴－刘易斯在电影拍摄的几周内，当他坐在轮椅上越过障碍物时，摔坏了两根肋骨。他还拒绝从角色人物里出来。在吃饭的戏里，必须要有别人帮助他进食。有一次他的英国经纪人过来看他，刘易斯固执地认为自己就是克里斯蒂·布朗，把他那忍无可忍的经纪人气走了。

　　什么人最难演？残疾人？还是面部扭曲的中风病患者？而该片中，刘易斯扮演的却是一位严重脑中风的用左脚画画的病人，刘易斯表演之投入令人震惊。在片中，暂不提刘易斯细微真实的表演，单是他那扭曲的面部中所显现出的真挚与渴望，便不愧他坐上影帝的宝座。同时获奖的有扮演母亲的弗里克，该角色在所有人都把她的儿子看成白痴时坚持对他的信念。影片回避了常见的励志片煽情场景，对人物的刻画既细腻又不乏幽默感，比如对主角勾引女性的描写风趣而又加强了人物的深度。

　　丹尼尔-戴-刘易斯在影片中高难度的逼真表演让所有演员汗颜、也让所有观众为之感动，当之无愧的拿下了90年的奥斯卡最佳男主角。同时本片中伟大的“母亲”也拿下了当年的奥斯卡最佳女配角。说到这类影片，我们总是能想到一串名字：我的左脚、我是山姆、亲爱的弗兰基、深海长眠、马拉松、阿甘正传……每部电影中的主角都只有残缺的能力，但却都被最真挚的爱所拥抱。在这片为亲情所温暖的世界里，每个残缺的主角都能找到自己完整的生命意义，我们应该为这些勇敢的生命，为这些用残缺解释完整的生命鼓掌；我们也更应该为他们背后的那些坚持不懈的亲情和爱鼓掌。我会记得每一位坚强的主角，感受他们带来的鼓励和感动，可我也绝对忘不了他们每个人背后的那些亲情，忘不了那些付出了最伟大的爱的人。

一句话评论：

A film about life, laughter, and the occasional miracle.

幕后制作：

　　刘易斯表演之投入令人震惊，因此荣获奥斯卡影帝。同时获奖的有扮演母亲的弗里克，该角色在所有人都把她的儿子看成白痴时坚持对他的信念。影片回避了常见的励志片煽情场景，对人物的刻画既细腻又不乏幽默感，比如对主角勾引女性的描写风趣而又加强了人物的深度。

·根据克里斯蒂·布朗的真实生活改编。

·从DVD特别版本中的“制作我的左脚”这一部分中可以知道，丹尼尔·戴－刘易斯在电影拍摄的几周内，当他坐在轮椅上越过障碍物时，摔坏了两根肋骨。他还拒绝从角色人物里出来。在吃饭的戏里，必须要有别人帮助他进食。有一次他的英国经纪人过来看他，刘易斯固执地认为自己就是克里斯蒂·布朗，把他那忍无可忍的经纪人气走了。

精彩对白：

[Christy's father builds him a house next to his parents]

Mrs. Brown: Well, Christy, that's the nearest he'll ever come to saying I love you.

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[Christy's nurse won't light his cigarette because it's bad for his health]

Christy Brown: I didn't ask for a fucking psychological lecture. I only asked for a fucking light.

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[writing a suicide note]

Christy Brown: All is nothing, therefore nothing must end.

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[sarcastically offering congratulations to Eileen, his beloved therapist ]

Christy Brown: Con-gra-tu-la-tions to you and Peter. I'm glad you taught me to speak so I could say that.

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Dr. Eileen Cole: If you work with me, I'll help you say "fuck off" more clearly.

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Mr. Brown: [entering a bar holding nine-year-old Christy] This is Christy Brown, my son. Genius.

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Christy Brown: Fuck all love that is not 100 percent commitment!

看电影《我的左脚》谈英雄话题

　　根据爱尔兰作家克里斯蒂·布朗的自传拍摄而成，观来不仅为克里斯蒂艰难、拼搏、成功的一生扼腕叹息，同时也对当前影坛大演英雄现象深有感悟。

　　英雄不仅有功成名就的辉煌时日，更多的是克服艰难困苦的默默拼搏。英雄不仅有深明大义、忠诚国家的凛然风度，而且也有血浓于水的亲情、爱情和友情，惟有这样的英雄，才是挺立于世间、令人信服的英雄。

演出积蓄和养成的英雄

　　银幕英雄我们见过很多，但有的英雄形象来时仪表堂堂、去时风凛凛，似乎天生就有救国救民、赴汤蹈火的心胸。英雄失去细节真实，成为了“可望不可及”的偶像，无疑会给受众带来思维盲从和行为误导。

　　英雄克里斯蒂的道路是用左脚“步步”走出的。大脑瘫痪导致的痉挛，使他无法与正常人一样用肢体和语言表达自己的情感。别人已经宣称“你永远摆脱不了地狱”。他不仅引来同伴的嘲笑和作弄，而且也惹来了哥兄弟甚至父亲的歧视和不睬。他曾倾诉他的苦衷，即使在人群中，我也感到失望。然而克里斯蒂终于没有屈服上帝的安排。他用灵巧的左脚步出了他的新生———用左脚写字，用左脚画画，用左脚开门，用左脚干活，甚至他还能用左脚为队友临门劲射，赢得足球胜利的喝彩！他到底使肉体服从了意志：多幅画获得了大奖，人们还为他办了画展，使他成为了很有名气的画家。

演出悲哀和无奈的英雄

　　英雄必须有完整的心路历程，这才是使英雄能被人信服的证据。当前影坛中不少英雄形象缺乏完整的刻画，“只见行为，不见心理”，这是塑造英雄形象可怕的缺失。

　　克里斯蒂从小就有一颗善良之心。他用左脚写出第一个单词就是“妈妈”。爸爸要打姐姐，他浑身颤抖地怒喊，止住了家庭争端；画画得来的80英镑，他交给母亲，先让母亲买一条裙子和一双鞋子。多么让人感动的天伦之爱！

　　像克里斯蒂这样的残疾人能奢谈爱情吗？能，却异常艰难。他爱上医生艾琳时，却得知艾琳已与彼得相爱。原来艾琳的爱只是敬爱与关爱！绝望的克里斯蒂几乎想用剃须刀割脉自杀！社会的自然淘汰对主人公是何等残酷！这就是英雄的历程，艰辛而坎坷，然而却真实可信！

　　有些影片为了“塑造英雄形象”，为了所谓的“无损英雄形象”，避实就虚，写来写去，还是隔靴搔痒，无怪乎英雄难以感人了。写平常人物，细节尚须真实；写英雄，更应该发掘英雄内心的真实思想、感情，以此才能得到观众在思想、感情上的共鸣。如果花巨资拍电影，刻画不出英雄的真情实感，则应了一句俗话：“半斤换不来八两”，岂不是得不偿失？

演出真情实意的英雄

　　当前不少写英雄的电影，或许是时间的缘故，或许是一时的疏忽，不太注意写英雄的真情实意，造成英雄行为与真情实意的脱节。写英雄，就要遵循英雄的成长道路。每个英雄不是天生伟大，他和正常人一样，有一个生长、发展、壮大、成熟的进程。如果一味用“假、大、空”手段去写英雄的进程，我们还会返回历史的蒙昧阶段。

《我的左脚》成功地演绎了英雄成长过程。

　　艾琳和彼得相爱，深深刺痛了克里斯蒂。先前还能说出理智的话语：“祝贺彼得和艾琳，太棒了！”后来再也忍受不住心中的悲愤，喊出“我一辈子只有柏拉图式的爱，让精神恋爱见鬼去吧！”不仅如此，当彼得要把克里斯蒂推出门外时，主人公竟咬住桌布，把酒桌掀翻！然而，观众知道，这才是英雄的真情实感，英雄正是坚实地生活在普通人群之中！

　　布朗兄弟到酒店喝酒，当人们议论布朗家族时，有人说了一句：“他爸爸只会胡侃”。这可能是爱尔兰的风俗。兄弟们没有反应，却惹怒了克里斯蒂。坐着轮椅的他，竟向兄弟们呼喊：“为了爸爸的尊严”，他与人厮打。一种捍卫家族尊严、保护父亲声誉的感情，在此生发出人性耀眼的光辉！

　　电影是生活的艺术，生活艺术决定了英雄不能总是“好人好事”，英雄的内心充满矛盾冲突，英雄对外界也构成矛盾冲突。艺术创作要贴近实际、贴近群众、贴近生活”，就要真实描写英雄在人世的真实行为。这种行为一定要符合英雄性格发展的规律和当时时代的发展规律。我们既反对把英雄塑造成“不食人间烟火”的神仙形象，同时也扬弃只带偶然性、没有规律性的英雄烘托手法。只有这样，英雄才能在真实的社会成为人们长久景仰、永远心折的道德力量。

励志故事与伟大母爱 《我的左脚》

MOVIE

　　本片是根据已故爱尔兰天才作家兼画家克里斯蒂?布朗的自传体小说改编拍摄而成，爱尔兰作家克里斯蒂?布朗小时候得了大脑瘫痪症，五岁时仍然四肢不能动，可命运如此安排，他却创造了奇迹，让自己本来暗淡的人生变得更光辉，成为举世闻名的大文学家，凭着他的左脚写出了一部部精品小说。本片从1932年6月5日克里斯蒂出生开始讲起，这个先天大脑瘫痪的新生命到来后没有能给家人带来欢乐，然而上帝虽然没有给克里斯蒂一个健全的身躯，却赋予了他智慧和灵巧的左脚，与病魔抗争的他，成为了举世瞩目的艺术家、作家，在影片的最后，他不仅在事业上取得了令人瞩目的成功，还和常人一样找到了可以相伴一生的爱人。

主菜单

　　导演吉姆?谢里登1949年生于爱尔兰，毕业于纽约电影学校，之后继承父业组织话剧团和排演新剧，不久就在德国柏林的艺术中心和纽约爱尔兰艺术中心担任导演。同时他也是一位编剧能手，八部他自己编剧的戏剧都在他自编自导下搬上舞台，1983年还赢得了爱丁堡首奖。他的电影作品大多带有一定的纪实性质，除了这部《我的左脚》以外，还有《拳击手》和《以父亲的名义》等影片。其中尤以他导演并参与编剧的这部一鸣惊人的处女作《我的左脚》成就最高，该片荣获了1990年奥斯卡最佳男主角和最佳女配角奖，1990年英国影艺学院最佳男主角和男配角奖，1989年蒙特利尔国际电影节最佳男主角奖和评审团荣誉奖、评审团特别奖，以及纽约影评人协会、洛杉矶影评人协会、全美影评家协会颁发的最佳男演员奖，对于一部非好莱坞影片来说，这一成绩来的实在不容易。

　　男主演丹尼尔?戴-刘易斯是英国诗人兼小说家塞西尔?戴-刘易斯的儿子，母亲是一名演员，他早年只是在《甘地》等影片中扮演一些小角色，后来凭借在英国电影《我美丽的洗衣店》以及《看得见风景的房间》中的出色表现一举成名，随即好莱坞给了他银幕生涯中最强有力的表演机会。1989年，丹尼尔?戴-刘易斯就凭借在《我的左脚》中的表演获得奥斯卡最佳男主角奖，此外他还曾主演了尼古拉斯?海特纳导演的《激情年代》和马丁?斯科塞斯导演的《纽约黑帮》，令他两度获得奥斯卡影帝的提名，同时还以《激情年代》、《因父之名》、《拳师》和《纽约黑帮》几度获得柏林电影节最佳男演员的提名。在这部《我的左脚》中，刘易斯扮演了一位从小就患严重脑中风的病人，他不但把角色在平常生活中的细微之处表演的非常真实可信，最难的是在没有多少台词的情况下，仅仅依靠扭曲的面部表情和肢体语言，极好地表达出角色内心对美好生活的真挚与渴望，也难怪奥斯卡评委们把影帝的宝座送给他了。

“我的左脚”

　　REVIEW

　　看了上面的相关介绍，未曾看过本片的朋友一定以为这是一部节奏迟缓、内容沉闷的纯文艺传记片，然而在看惯了那么多打打杀杀的商业巨制之后，喜欢跟风热门大片的观众实在是有必要换一换口味了。许多朋友恐怕不知道克里斯蒂?布朗这个人，但是许多看过这部《我的左脚》的朋友都记住了这位爱尔兰的作家，可见在平实中带给观众的那种冲击力是完全不同于讲求视觉效果的商业片。其实不用说影片背后真实的原形人物，就是想想一个因大脑麻痹症导致无法与正常人一样用肢体和语言表达自己情感的人，用左脚做着和常人一样事情的人，居然成为一个知名文学家的这一奇迹就足以令人瓜木相看了，影片也的确把这位具有励志效应的人物刻画的丝丝入扣。故事几乎没有多少夸大之处，而是以平实舒缓的方式来描写克里斯蒂生活中点点滴滴的阳光与爱，从而使影片毫不做作，也引起观众们在思想上和情感上的共鸣。

　　除了克里斯蒂依靠唯一可以活动的左脚来改变人生的励志故事以外，影片另一个动人之处就是克里斯蒂母亲伟大的母爱，甚至有人说导演吉姆?谢里登拍这部电影的初衷不一定是为了表现一个天才的非凡故事和不俗业绩，更深的意义其实是以抚养和给予一个残疾儿子无限动力后，使他成为一个优秀画家的母爱和亲情来打动观众。因此，如果说成这是一部表现残疾人如何为实现自己人生理想而拼搏奋斗的影片，这样的说法似乎有点过于简单了，正所谓母爱大过天，一个残疾人成为一名作家和画家很难，但是一直对自己的残疾儿子细心照顾又满怀希望，做一个这样站在儿子身边的坚强母亲则更难。因此可以这样说，这也是一部在励志的故事中，体现伟大母爱的亲情电影。

用残缺解释完整——《我的左脚》

他的身体是残缺的

他的信念却很完整

他用残缺的行动能力

解释着完整的生命意义……

影片是根据已故爱尔兰天才作家兼画家克里斯蒂?布朗的自传体小说改编拍摄而成，克里斯蒂-布朗生于1932年6月5日，这个先天大脑瘫痪的新生命到来后没有能给家人带来欢乐，然而上帝虽然没有给克里斯蒂一个健全的身躯，却赋予了他智慧和一只能动左脚。梦想在仅有的条件下却战胜了一切，依靠自己仅有的智慧和左脚，他成为了举世瞩目的艺术家、作家……

丹尼尔-戴-刘易斯在影片中高难度的逼真表演让所有演员汗颜、也让所有观众为之感动，当之无愧的拿下了90年的奥斯卡最佳男主角。同时本片中伟大的“母亲”也拿下了当年的奥斯卡最佳女配角。说到这类影片，我们总是能想到一串名字：我的左脚、我是山姆、亲爱的弗兰基、深海长眠、马拉松、阿甘正传……每部电影中的主角都只有残缺的能力，但却都被最真挚的爱所拥抱。在这片为亲情所温暖的世界里，每个残缺的主角都能找到自己完整的生命意义，我们应该为这些勇敢的生命，为这些用残缺解释完整的生命鼓掌；我们也更应该为他们背后的那些坚持不懈的亲情和爱鼓掌。我会记得每一位坚强的主角，感受他们带来的鼓励和感动，可我也绝对忘不了他们每个人背后的那些亲情，忘不了那些付出了最伟大的爱的人。

家庭关爱下的克里斯蒂——《我的左脚》

pazinho

其实片子早就想看了，后来淘到碟，竟过了快一个月才看。果然是部好片！下面就抒发下对该片的感受。

克里斯蒂

克里斯蒂天生大脑麻痹导致痉挛，脸部扭曲，任何时候都歪着嘴，皱着眉，晃着脑袋，不能说话使他必须瞪大眼睛传达他的内心，不管愤怒，难过，委屈，甚至开心都是一样地表情。这看上去甚至很狰狞。

克里斯蒂被认为是负担，爸爸认为他是废人。但是妈妈对他寄予希望，妈妈鼓励他写出第一个字母，妈妈说“我们不懂你的意思，但是神明懂得”，妈妈教他即使我们很穷也不能偷东西。在他满身大汗的用左脚写出“MOTHER”的时候，妈妈流泪了，爸爸自豪的背起他迈进酒馆，向别人宣告“克里斯蒂是个天才！”

于是克里斯蒂和任何一个正常人一样，会恋爱，会失恋，会自杀，很聪明，很幽默，有原则，会通过画画，写作表达自己的情感，也勇敢地追求到了意中人。

家庭关爱

克里斯蒂一出生就患有先天的大脑麻痹症，只有左脚可以活动，这对于在贫困线上挣扎的全家来说，是个多么大的打击！但母亲没有放弃，她始终相信儿子可以站起来，可以拥有和正常人一样的生活。她细心照顾儿子，克里斯蒂就像她的影子，一刻不离身边，又有了身孕，她也背着他在家里爬上爬下。丈夫失去耐心，借酒消愁，她则对儿子每一次艰难地用左脚抓起粉笔都满怀希望。她偷偷地为儿子攒钱买轮椅，哪怕丈夫失业，全家人每天的饭食只能以稀粥为继，她也不动一个便士。七岁的克里斯蒂使尽整个身心的力量，用他的左脚在地板上生平第一次写下了字迹，那是“mother”。全家人不能相信，静静地看着奇迹的发生，母亲嗫嚅着，眼里噙满泪花，我相信这是这位坚强的母亲一生最幸福的时刻。

克里斯蒂向女医生求爱被拒绝后，把自己关在小屋里整天酗酒。心痛的母亲没有流泪，她来到儿子的床边，告诉他：如果你放弃了，我还没有。然后这个让人起敬的胖女人搬来砖头水泥，独自在小小的天井为儿子盖一间画室。克里斯蒂又开始作画了，还把自己的故事写成了书。如果没有这伟大的母爱，我们肯定只会看到一个终日坐在轮椅上自艾自怨的酒鬼。

母爱最感人的地方表现在母亲那心细如发的洞察力，那奇妙的心灵相通。当克里斯蒂爱上为他作治疗的女医生时，楼下的母亲敏感地捕捉到他言谈中的热情，可并不是我想象的那样，她不为儿子高兴，反而对迟钝的丈夫说，那声音中有些东西困扰她，里面有太多的希望。她不希望儿子恋爱，因为那必然使他受到“身体残障和心灵的双重伤害”；可她又希望儿子拥有常人的幸福，所以她只能沉默，在沉默中忐忑不安地注视着儿子，为他祈祷。

兄弟之间、姐弟之间的爱和支持，在电影里也都那么朴素感人。还有父亲，这个粗鲁的工人也许没有足够的耐心，但并不缺少爱，他有自己的方式。他辛勤劳作撑起这个大家，克里斯蒂会写字了，他扛起儿子去酒吧里向人们自豪地宣告，这是“我们布朗家的人”。父亲死了，电影里有一个全家人砸酒吧的片段，那是痛苦的发泄，是为了父亲的尊严，为了布朗家的人为之骄傲的荣誉。我以为，正是这样的力量支撑着克里斯蒂一步步成为了一个在常人看来了不起的天才。

家庭关爱下的克里斯蒂就这样成为了爱尔兰天才作家兼画家克里斯蒂?布朗

影片的最后是克里斯蒂与后来的妻子玛丽在都柏林附近的山上。这里景色让我感受到了爱尔兰，真美！同时为克里斯蒂找到真爱高兴。

丹尼尔?戴?刘易斯在影片中高难度的逼真表演，当之无愧的拿下了90年的奥斯卡最佳男主角。同时本片中伟大的“母亲”也拿下了当年的奥斯卡最佳女配角。还有克里斯蒂的少年时的扮演者Hugh O'Conor也非常出色。

象丹刘易斯一样演戏

暗涌(上海)

吃烧烤的时候，我们开玩笑说，吃鸡腿好残忍啊，只有一只腿，鸡只能跳啊跳啊的活一辈子。而只有左脚能用的人又是怎么样的呢？

他天生大脑麻痹导致痉挛，脸部扭曲，任何时候都歪着嘴，皱着眉，晃着脑袋，不能说话使他必须瞪大眼睛传达他的内心，不管愤怒，难过，委屈，甚至开心都是一样地表情。这看上去甚至很狰狞。

他被认为是负担，爸爸认为他是废人。但是妈妈对他寄予希望，妈妈鼓励他写出第一个字母，妈妈说“我们不懂你的意思，但是神明懂得”，妈妈教他即使我们很穷也不能偷东西。在他满身大汗的用左脚写出“MOTHER”的时候，妈妈流泪了，爸爸自豪的背起他迈进酒馆，向别人宣告“他是个天才！”

于是他和任何一个正常人一样，会恋爱，会失恋，会自杀，很聪明，很幽默，有原则，会通过画画，写作表达自己的情感，也勇敢地追求到了意中人。

传奇的经历，非正常地角色，这是奥斯卡最受欢迎的桥段。

用左脚生活，一样精彩。

并非想像中出色

寻找何宝荣(成都)

影片的主题立意都是很好的，关注弱势群体，讲述一个身残志坚的故事，理应很赚眼泪的，依稀记得当初看《雨人》时的感动，那真是难忘的观影经历。但这个片子实在有些令我失望了。

我手里的DVD介绍上写着残疾小孩布朗“天生残障，饱受世情折磨，生活在绝望的边缘。幸好伟大的母爱挽救了他……”，但电影中明明大部分人都很好阿，他排行第十，上面众多兄弟姐妹都爱护他帮助他，连高医生让他进院治疗都是免费的，母爱固然伟大，但父爱也没见多差阿，虽然他父亲爱喝酒也没有多大的事业，但是在布朗第一次用左脚写出“MOTHER”时父亲自豪地把他抗在肩膀上去酒吧炫耀，实在是很感人的一幕，于是乎，我就更不明白为啥布朗长大后表现出对父亲的严重反叛情绪。这种迷惑一直贯穿我的整个观影经历，电影对于人性的挖掘，对于主角内心的微妙变化的描绘显然太含糊了。

于是，我就不去追究电影对布朗学画经历的轻描淡写，和取得成绩的轻而易举了。按理说，一个残疾人的成功障碍来自于两个方面，一是身体的不便，二是内心的缺失，但布朗明显都很容易地克服的很好，至少，从电影画面中看来，是这样的。于是，我就实在想不通了，电影除了充分而成功地表现出布朗是个残疾人，还表现出了什么？？也许，一部表现残疾人的电影是可以超出常人的常规思维，但我真的没有发现这电影有高于同类影片之处。

还有，表现的布朗的几次追女生的经历让我觉得有点不舒服，除了对高医生的感情是真正让我理解的之外，其他两次，尤其是最后成就了婚姻的那次，完全可以看做是性压抑状态下的过度渴望，十分不美好。

影片最大的亮点是丹尼尔·戴·刘易斯的表演，也许正是他的表演让这部在我看来比较平庸的影片昂首迈入经典的行列吧，要不是看过《看得见风景的窗子》和《因父之名》等电影，我都几乎认为他就是小脑麻痹症患者了。

传记片的两种拍法

来自: 谷之雨

My Left Foot的评论

又是一个发生在爱尔兰的故事。

因为尼尔·乔丹的电影和艾伦·帕克的《安吉拉的骨灰》，爱尔兰在我的印象里就是无尽的淫雨，阴湿的街道，和忧郁的脸孔。何况我预先知道这部传记影片的主人公克里斯蒂·布朗是个残障的画家，何况他成长在战后那个沉重的年代，何况他生在一个社会底层的贫困家庭，父亲是个建筑工人，加上他，全家有六个嗷嗷待哺的孩子。所以，在看《我的左脚》之前我已作好了准备，迎接又一个灰暗阴郁的夜晚。

电影证明我错了，当最后的镜头定格在克里斯蒂和玛丽畅笑的面孔以及那片阳光明媚、一碧如洗的蔚蓝天空上时，我的心也和这天空一样舒畅喜悦，久久感动于人性中那些美好善良的品质。

最打动我心的有两点。

一是布朗一家人之间的亲情关爱和相互支持，它让我明白克里斯蒂成为一个优秀的画家和作家的原因。

克里斯蒂一出生就患有先天的大脑麻痹症，只有左脚可以活动，这对于在贫困线上挣扎的全家来说，是个多么大的打击！但母亲没有放弃，她始终相信儿子可以站起来，可以拥有和正常人一样的生活。她细心照顾儿子，克里斯蒂就像她的影子，一刻不离身边，又有了身孕，她也背着他在家里爬上爬下。丈夫失去耐心，借酒消愁，她则对儿子每一次艰难地用左脚抓起粉笔都满怀希望。她偷偷地为儿子攒钱买轮椅，哪怕丈夫失业，全家人每天的饭食只能以稀粥为继，她也不动一个便士。七岁的克里斯蒂使尽整个身心的力量，用他的左脚在地板上生平第一次写下了字迹，那是“mother”。全家人不能相信，静静地看着奇迹的发生，母亲嗫嚅着，眼里噙满泪花，我相信这是这位坚强的母亲一生最幸福的时刻。

克里斯蒂向女医生求爱被拒绝后，把自己关在小屋里整天酗酒。心痛的母亲没有流泪，她来到儿子的床边，告诉他：如果你放弃了，我还没有。然后这个让人起敬的胖女人搬来砖头水泥，独自在小小的天井为儿子盖一间画室。克里斯蒂又开始作画了，还把自己的故事写成了书。如果没有这伟大的母爱，我们肯定只会看到一个终日坐在轮椅上自艾自怨的酒鬼。

母爱最感人的地方表现在母亲那心细如发的洞察力，那奇妙的心灵相通。当克里斯蒂爱上为他作治疗的女医生时，楼下的母亲敏感地捕捉到他言谈中的热情，可并不是我想象的那样，她不为儿子高兴，反而对迟钝的丈夫说，那声音中有些东西困扰她，里面有太多的希望。她不希望儿子恋爱，因为那必然使他受到“身体残障和心灵的双重伤害”；可她又希望儿子拥有常人的幸福，所以她只能沉默，在沉默中忐忑不安地注视着儿子，为他祈祷。

兄弟之间、姐弟之间的爱和支持，在电影里也都那么朴素感人。还有父亲，这个粗鲁的工人也许没有足够的耐心，但并不缺少爱，他有自己的方式。他辛勤劳作撑起这个大家，克里斯蒂会写字了，他扛起儿子去酒吧里向人们自豪地宣告，这是“我们布朗家的人”。父亲死了，电影里有一个全家人砸酒吧的片段，那是痛苦的发泄，是为了父亲的尊严，为了布朗家的人为之骄傲的荣誉。我以为，正是这样的力量支撑着克里斯蒂一步步成为了一个在常看来了不起的天才。

另外打动我的一点就是克里斯蒂的爱情，它让我看见了一个普普通通的灵魂为爱所受的煎熬，而不是所谓天才的爱情历险。

那个小孩子过家家般的游戏，那个青春气息涌动的夜晚，克里斯蒂一动不动地看着姐姐和恋人在路灯下长吻，黑暗中，他的脸被剧烈的渴望和压抑扭曲、变形，眼里深沉的忧伤直刺我心，那会让每一个人动容、不忍。刘易斯有怎样一双眼睛啊，连无边的夜色都在为他啜泣。当沉浸在爱情中的克里斯蒂向女医生求婚时，他的爱被严酷的现实撞得粉身碎骨，他再也无力控制自己：“我一生中有的只是柏拉图式的恋爱，去他妈的柏拉图！那不是百分之百承诺的爱！”爱和知识对一个身体失去爱的能力的人，究竟是幸还是不幸？以前我从没有怀疑过，可现在我感到了它们的残酷。

好在影片结尾克里斯蒂找到了归宿，一个能和她终身厮守的女人。他让妈妈给他一朵红玫瑰，他用左脚举着，对着他的爱人，脸上是狡猾而得意的笑，他知道，放弃了和别人的约会，从门外进来的这个女人的心已经属于他了。

导演吉姆·谢里登我了解不多，所看过的他的两三部作品虽然都是纪实性的，有意图明确的政治和社会背景，但其中任何宏大的叙事都不掩盖人物的情感。我感觉得出他拍这部电影的初衷肯定不是为了表现一个天才的非凡故事和不俗业绩，而是和我一样，被推动克里斯蒂成为一个优秀画家的母爱和亲情所打动了，对他向往拥有正常人的爱情生活的渴望和挣扎打动了。而这种爱可能同样就存在于你我的生活和心灵中。

这让我想起另外一部传记片，前不久刚刚获得本届奥斯卡最佳影片奖的《美丽心灵》。我并不认为《美丽心灵》拍得不好，它是一部非常成功的电影，数学家纳什大半生和自己的幻觉孤军奋战，他的巨大勇气同样让人尊敬和感动，那不仅是美国人正需要的，也是所有的人在任何时候都必不可少的。但很奇怪，这部同样讲感情和勇气的电影我总觉得离我很遥远，并不像克里斯蒂这样能深深地进入我心里。后来我想，这可能是导演或者剧作的问题。

《美丽心灵》的导演朗·霍华德的其他影片我以前没看过，我知道他是一位好莱坞的主流导演，从这部电影也可以看得出来，摄影中规中矩，色彩饱满，非常懂得用镜头来营造气氛——无论是浪漫的爱情还是紧张的心理幻像，在他的控制下，影片具备了好莱坞影片最成功的商业元素，感人的精神力量，温暖的亲情，浪漫爱情的气息，最突出的是不俗的结构造成了悬疑惊悚片的节奏和刺激。电影的重心明显地在前半部分、在纳什的幻觉世界，谜底揭晓后，他的勇气只是在此映衬下才显出巨大的力量，而为什么会如此，这又对一个正常人的生活造成了多大的影响，电影的表现则过于戏剧化了。用悬疑片的方式来表现纳什的幻觉世界，倒是很抓观众的心，但也造成了间离的效果，娱乐要素和怪异的枝节在观众与主人公之间垒起了一道墙，我们被感官刺激和紧张的剧情吸引着，当节奏终趋平缓，刺激消失时，纳什一个人的战争也已接近尾声，我们似乎在看一个非凡的天才的独幕剧，戏中没有我们的份，我们怀着敬意和欣慰站起来，鼓掌，然后走出影院，和平凡的生活混为一体。

在技术和商业上，朗·霍华德无疑是成功的，我却认为，这样的方式并不适于传记片。看一场电影，是为了看见另一种生活，或者，仅仅是场娱乐。但对传记片，人们显然期待更多，想从中看到一个人的成功或者失败，欢乐或者痛苦，奋斗或者荣耀，其目的是想和自己的人生有所参照，对自己有所助益，那么真实感就是非常重要的。《美丽心灵》没有把重点放在纳什与普通人的结合点上，而是着力渲染他的幻觉世界来突显他非凡的人格力量，在我看来，的确如乔纳森所说，那是个神话，甚至是一个有明显的娱乐片元素的神话，观众的注意力被分散了，纳什对我们的影响并不大。其实，拍片的动机可能就是为了造这样一个神，所以据说纳什本人生活中诸多真实的缺点和细节原本就没有写进剧本。可是，正因为生活的枯燥、人性的复杂，我们才会感到可信，才会从电影人物哪怕一丁点儿的闪光中看见有价值的东西，更深地走入我们的生活和内心。这种闪光，我在为不能爱而痛苦、为拥有爱而得意，在挣扎于软弱、放弃和羞愧、振作之间的克里蒂身上看到了。

一个导演从什么角度，或者说选择什么样的立场拍摄传记片，是仰视地造神，给其头上添加光环，把天才置于高不可攀、遥不可及的神龛，还是平视地接近和深入，尝试让人们理解他的生活，贴近他的内心，从而让我们的心灵也获得一种巨大的支持，思想也经历一场伟大的探险，这固然是导演的自由，观看者也有选择的自由，但对我来说，这两种传记影片的境界是高下立现的。

用左脚撑起天空

来自: happier (台北)

My Left Foot的评论

《我的左脚》叙述一个出生即罹患了先天性脑性麻痹、全身几近瘫痪只剩下一只左脚能活动自如的男孩克里斯帝，他从天生残疾的自怜悲愤，经过幼年、青春时期以至于成年后，如何转而接受缺憾事实、活出自我的半生经历，改编自真人真事，是一部自传性质的励志电影。

在以身心障碍为主题的电影中，最先被剧情关注、揭露的是身心障碍者的原生家庭，家中成员面对家人的残疾是采取何种态度，将会是影响身心障碍者往后的心理状态健全与否的重要因素，因为生命的起点来自家庭，在接受社会历练之前，由血缘构成的家拥有保护、形塑人的性格的功能。本片主角克里斯帝的原生家庭属于地位低下的劳动阶级，多子多孙的社会观念让克里斯帝的父母一共拥有十三个小孩，而克里斯帝的父亲在工地作苦力只能赚取微薄薪水，要养活接二连三出生的幼子实属不易，因此家庭经济一直处于十分拮据的状况。克里斯帝的父亲脾气暴躁、经常烂醉如泥，认为克里斯帝的出生是不详、羞耻的，但克里斯帝的母亲把他视为一般孩子对待，有慈爱有严厉，也养成兄弟姊妹对他的态度是关爱而非歧视，这影响着克里斯帝往后的性格。我们可以说，母亲是最了解克里斯帝的人，成为他成长过程最大的扶持力量。

除了家庭对身心障碍者有深远影响之外，周遭旁人的看法在电影中大多扮演负面的角色，造成误解、欺负、歧视身心障碍者的状况。以本片为例，全身瘫痪的克里斯帝从小被邻居投以异样的眼光，无法使用言语表达更让旁人主观认定，他除了身体障碍外智力肯定有问题，甚至把不健全的肢体视是邪恶的象征，当克里斯帝的母亲从楼梯上摔落昏迷时，虽然是克里斯帝用左脚击门引来邻居救了母亲，但他却被指指点点为意外的肇事者。事实上，克里斯帝是聪颖的，面对旁人对他是白痴的辱骂非常不服气，当他试图以左脚夹粉笔回答数学题目，克里斯帝找到一个与外界沟通的方法，证明他禁固于残缺躯体里的灵魂是流动的，也因此改变父亲的看法，真正将他视为布朗家族的一员。

身心障碍者的教育一直是个很重要的议题，能越早接受特教服务对其帮助越大。克里斯帝不良于行使他无法正常就学，家庭经济因素也无法负担昂贵的轮椅，他幼年时期仰赖一台破旧的木推车才能活动，在这样的环境下成长，克里斯帝在早期没有接受特殊教育和肢体复健，言语沟通的能力被忽略，影片中的他直到青春期才开始含糊地说话。至于真正接受完善治疗是在克里斯帝十九岁的时候，母亲终于凑足钱替他购买轮椅，也间接让都柏林的医生爱琳发现这个从没有接受过医学协助、却能运用仅有的左脚绘画的大男孩。爱琳一开始建议克里斯帝到城中的大医院接受复健，但周遭所有的残疾人士竟然都是小孩子，他感到难堪并无法忍受，于是爱琳转而与克里斯帝在家中进行复健、语言的沟通练习。接受特教服务能使身心障碍者学习适应社会环境的技巧，发展未受限制的其余能力，跨越障碍与他人‘沟通’。

片中另一个值得关注的议题是，身心障碍者的感情世界该如何开拓，是否有残疾的人总是得遭受拒绝、无法发展感情生活？当他们爱上一个人，该保护自己避免受伤，还是该勇敢追求不畏失败？克里斯帝的爱情从青春期开始萌芽，他曾画图送给心仪的女子表白，却被当面婉拒，这让他在爱情上感到自卑退缩，而当他发现自己喜欢上温柔的爱琳医生时，克里斯帝把自己关在房间不见任何人，他害怕有所期待就会有更大的失望，而剧情发展到最后，爱琳即将结婚，代表克里斯帝又在爱情的路上狠狠跌了一跤，极度挫折与受伤让他勇气尽失，甚至产生自杀的念头。但是，身心障碍者在爱情面前和一般人并无两样，都要有放手追求的勇气，勇于跨越自己在生理、心理的障碍，勇于给自己和对方机会，遑论残疾者，这种勇气就算在你我之间都是难得的。克里斯帝历经两次失败之后，在慈善宴会上遇见玛丽，他终于明白勇敢与否决定一切，在他坚决的邀请下，玛丽答应和克里斯帝的约会，日后成为他的妻子。

《我的左脚》让我最深刻感受到‘沟通’的重要，对男主角而言，躯体就像禁固灵魂的监牢，要找到与外界沟通的方式(左脚、言语)，才能打开封闭的内心，挣脱无人知晓的孤独。

灵动隽永的生命之歌 我的左脚

作　　者 黄裳

承认自己没有看过我的左脚，是一件需要勇气的事。但是在看到无限出品的我的左脚之前。我确实没有看过这部电影。丹尼尔 戴-刘易斯我倒是有些熟悉。因父之名中的爱尔兰愤青，因爱之名中的自强拳手怎么也不能把他和我的左脚中的克里斯蒂联系起来。

其实这个片子我很小的时候就知道。只不过因为那时候我以为主演是个残疾人，而电影是个记录片所以没有兴趣.长大了知道这个片子得过四项奥斯卡奖，（最佳男演员 最佳女配角 最佳导演 最佳编剧 ） 却认为自己的神经系统不适合看悲剧所以又没有看，再后来，这个片子就绝版了。

下决心找这部片子来看，因为有人说丹尼尔 戴-刘易斯在这部片子里的表演是演技派演员所能达到的不可逾越的颠峰。甚至有人因为此片称其为演技之神。如此高的评价我总觉得可能会有很多夸大的地方。

无限出的这个片子是日二新发行的版本，听说画质很好，又是三区字幕。那就收一个来看看吧。

一气看完后才发现我错了，而且错的离谱。首先这根本不是一个悲剧，而是一出喜剧。其次，丹尼尔 戴-刘易斯的表演称其为演技之神太空洞，太泛泛，完全不能形容丹尼尔 戴-刘易斯表演之神髓于万一。这看起来就不能叫表演，这就是生活本身。

克里斯蒂是个患有重度脑瘫的小孩，出生时医生跟他的父亲说，他可能终生只是个植物人。随着年龄的增加，克里斯蒂只是身体长大了，既不会说话又不能行动。每天由妈妈背来背去。因为太累，妈妈还犯过心脏病。不过全家人还是把他当做是家里的一份子，妈妈还每天教他认字，不过克里斯蒂从来不发一言，更别提认字了。

一天，姐姐不小心把粉笔掉在了地上，克里斯蒂用唯一能动的左脚，拾起了粉笔。经过艰难的努力，终于写下了一行歪歪扭扭的字母：MOTHER 兴奋莫名的父亲把他扛在肩膀上，去了酒吧，一进酒吧们就自豪而大声的宣布：这是我的儿子克里斯蒂！

这样开头的故事，要是在其它人手上，肯定是一顿煽情。动不动就给你来一个贝多芬的命运呀英雄什么的。要不然就弄个泪水大战，来一帮哭主，一个比一个流的欢。可是放在人家导演吉姆谢里登手上，泪水倒是没见几滴，口水倒是见了不少。克里斯蒂是个脑瘫患者，说话时常常流着口水。可是，他从来不拿自己当个残疾人。就象克里斯蒂第一次开画展时画廊老板说的克里斯蒂认为把他自己称做残疾人是对他自己的侮辱。凭着自己唯一能动的左脚，他生活着，快乐着，努力着，调侃着。

看看他都干了些什么吧，他给邻居女孩画了一幅画，作为单相思的情书。他和几个兄弟一起在街上踢球，他负责守门，偶尔还罚罚点球。因为射的准，经常得到喝彩。他在寒冷的冬天，家里缺钱买煤的时候，策划偷煤。并大获成功。当他的姐姐因为怀孕受到他父亲责骂时，挺身而出，保护姐姐。他甚至在全家的帮助下，给自己盖了一间房子。父亲去世时，他们全家在酒吧哀悼。有人出言不逊，他带头砸了酒吧。他凭自己的幽默泡妞，并成功结婚。

全剧，气氛轻松，节奏明快。看下来，大大小小笑了很多次。大笑，微笑，偷笑，苦笑。也有感动的时候，但是决没有悲哀。有的只是对生命本身的赞叹，生命就是奇迹，无论这个生命是多么渺小。生命你只要去认真对待，就永远是一出欢乐的喜剧。

作为配角的演员，母亲，父亲，兄弟都极其出彩。那种家庭中的温暖，那种互相的尊重和平等的关怀，让人动心不已,恨不得投身其中。

按照香港人的习惯，要不是因为有我的左脚的英文名字管着，这个片子应该叫做因生命之名吧？

这就是那只著名的脚

小克里斯蒂是不会说话的

未来的克里斯蒂夫人

克里斯蒂的第一句话不是说出来的而是写出来的

骄傲的父亲

克里斯蒂的射门很有威力

第一封情书/情画

策划抢煤

保护姐姐

一生中最重要的人

看见那眼神么？生命的美丽尽在于此

肥皂泡训练

和情敌唇枪舌箭

带头打架

看那狡黠的眼神

还是那双眼睛，用眼睛说话，这就是证据。

谁都不服

快乐的克里斯蒂夫妇。

这个D9没有OST，不过此片音乐极少，就算是有OST也没什么东西可听。画质不错，音色也很饱满。

你纵是一粒灰，也能绚烂天际——观《我的左脚》
作者:yizhou

我已经远久不曾为电影掉过眼泪了。这不是说我心如铁石，而是我知道自己容易被剧情打动，所以总是刻意挑选美女、壮汉加怪物之类快餐电影松弛神经。然而今天下午我看了摄于1989年的爱尔兰老片《我的左脚》，并且着实深深沉浸了一回。

男主角克里斯蒂?布朗出生在一个贫穷的、兄弟姐妹多如牛毛的大家庭里。父亲脾气暴躁、酗酒如命，幸有勤劳能干的母亲操持着全家。虽然这样的情况在布朗家左近极为普遍，但是克里斯蒂与那些同龄人不同——他患有先天性大脑麻痹症，全身瘫痪，甚至不能讲话，唯一能活动的部位是他的左脚。

小克里斯蒂的命运从一开始就与歧视、偏见紧紧结合在了一起，他被安排在客厅楼梯拐角处起居，父亲不认他是布朗家的孩子，兄弟姐妹也对他另眼相看——他们时不时把他放在一辆手推车中，在街角飞驰取乐。在这样的岁月里，唯有他的母亲始终关爱着他，鼓励着他正视自己，不要放弃。终于在某一天，小克里斯蒂当着全家的面，挣扎着，用他的左脚夹着粉笔在地板上写下了一个歪歪扭扭的单词“Mother”！写完之后，他自己都忍不住哭了，他要向全家证明，他绝非一个废物。

克里斯蒂开始用他的左脚撑开命运的大门——翻书、习字、自理生活。由于行动不便，他不得不蜗居在家中，于是他又开始学习绘画来排遣生活的寂寞——他认真的画着，在兄弟姐妹们上学的时候，在兄弟姐妹们上班的时候，在兄弟姐妹们恋爱的时候……

倘若影片把克里斯蒂刻画成张海迪那样高大全的人物，那就失去了让人感动的意义了——谁会相信一个内心孤苦的人会不挪用时间用来郁闷和暴躁呢？克里斯蒂对周遭的不满完全写在了他那几近狰狞的面目上——尽管谁也不知道他想表达什么。他肯定非常忌妒健康的兄弟姐妹，难道他不期望生气勃勃的进行体育活动？难道他不幻想花前月下的谈情说爱？自卑也在克里斯蒂的身上造成了一种强烈的自我意识，他需要别人的关心，但拒绝过度的照顾，他的口头禅是“你不是我妈！”但幸运的是，克里斯蒂并没有把自己淹没在自卑之中，他并不拒绝兄弟们把他抬到体育场担任足球守门员，他甚至敢于作画赠给附近最漂亮的女孩表达爱意，尽管很当然的被拒绝了，但是他弯曲脊柱中蕴涵的孤傲和不屈却极为明显的表露了出来。

在克里斯蒂19岁的时候，一位漂亮的女医生艾琳走近了他的生活——她是专门为患有先天性大脑麻痹症的病人提供免费康复保健的。在艾琳的治疗下，克里斯蒂的语言能力得到了很大提高。克里斯蒂控制不住的爱上了她，他绘制了她的画像，大声朗诵她送来的书本，而当最终得知艾琳即将和别人结婚的时候，他甚至用左脚拿起剃须刀试图自杀。

倔犟的克里斯蒂告诉人们，他用左脚也能谱写人生。当他的绘画小有名气的时候，艾琳帮助他成功举办了一个画展，这为贫困的家庭带来一大笔收入。当我看到他的母亲紧紧攥着一度被指为废物的儿子挣来的钞票时，我的眼泪和她一起流了下来——这并不为了钱，而是为了一种发自心底的激动。我记得去年我把自己代课挣来的钱交给父母时，他们虽然没有哭，但是眼里也包含了这样的激动，普天下的父母，都是一样的。

克里斯蒂开始学习用左脚打字，撰写他的自传。成书之时，艾琳又安排他参加一个为残障人士举办的音乐会。就在会堂之外的休息室里，他与一位当天负责照料他的年轻护士玛丽谈论了很多。从玛丽清纯善良的眼神里，克里斯蒂又一次读到了爱情的光芒。在音乐会上，他脱下皮鞋，用他的左脚夹上一枝玫瑰花，摇着轮椅送到了玛丽身边……这一举动加上之前从克里斯蒂自传中感受到的坚强、不屈终于打动了年轻护士，使后者下定决心一辈子照料这位特殊的病人。片子最后，两人在郊外幸福的徜徉。影片定格的一刻，打出了这样的字幕“克里斯蒂?布朗和玛丽?卡尔于1972年10月5日结婚”。

本片根据爱尔兰作家、画家、诗人克里斯蒂?布朗的自传拍摄而成，所以并非童话般的想象。在这个世界上有许多人先天带有某种缺陷，或者后天成为弱势群体。他们应该选择的，显然不是就此躺倒在地，听凭命运摆布。而是要研究如何克服自身的缺点，更好的提升自己的能力，永不放弃对爱和生活的追求。在这一点上，克里斯蒂?布朗做到了，他用行动证明，你纵是一粒灰，也能绚烂天际！

《我的左脚》和《罗丹的情人》--两部以表演见长的讲述艺术家的电影

作者:地球仪

第一次看《我的左脚》，记不清是哪家电视台放的，效果不佳，黑乎乎的画面，透着种陈旧，但这部电影还是感动了我。后来有机会，再看第二遍、第三遍……，几乎不能相信，每看一次，都会非常感动。

一个天生残疾的艺术家，来自一个贫困的普通家庭。他有一个任劳任怨的母亲，一个固执的父亲，几个性格各异的兄弟姐妹，多年来，他们过着普通人的生活。

残疾的孩子对于经济紧张的家庭而言，他一出生就是个打击，可固执的父亲坚持把他养大，坚持让每个人知道，他是这个家的一员，是他的儿子。他的母亲，细心地呵护着家庭的每一个成员，用仅有的微薄收入，调济着一家人的生活。他的兄弟姐妹，待他如一个正常人，他们一起玩耍，一起长大，一起经历生活、情感的变故。而这个孩子不能自如地说话，他只有一只左脚可以灵活地运动，所以，他用他的左脚画画，来表达他的思想和感情。

片子不长，但实在是细腻动人，每一个演员的表演都真挚自然，无论戏多戏少，个个性格鲜明。有太多的时候，你会忘记你在看的是一部电影，你只觉得你在目睹一段现实的生活。

主角由英国演员丹尼尔·戴·刘易斯扮演。你也许看过他的《最后一个莫希干人》，那里头的他是那么英俊威武，也许你看过他的《纯真年代》，那里头的他是那么绅士味儿十足。但在这部片子里，他从头到尾都蜷成一团，面部肌肉扭曲，头不停地晃动，肩歪背斜，口齿不清，情绪激动，动不动就挥动他的那只左脚表达他的情绪。但他演的是那么好，把那种渴望正常人的生活却带着些胆怯，对现实认识清醒却带一些偏执，人物性格那一点虚幻、一点执著、一点狂放、一点自卑、一点孩子气淋漓尽致地表现出来。导演马丁·斯科塞斯看了《我的左脚》后，说：“他演得太好了，我完全忘了他是个演员！”

同样的，另一部电影《罗丹的情人》，主演伊莎贝拉·阿佳尼实在表演出色。她把卡密尔·克劳黛尔的一生完整并完美地表现出来。从年少时的纯情活泼，到历经生活和情感的折磨后的憔悴疯狂，性格的巨大转变，在不知不觉中已被充分演绎出来。片尾那个被送进疯人院时，抓着车窗栏杆凝视着这个残酷世界的美丽女人，她的眼神是多么打动人，那眼睛里充满了孤独、失望、漠然，也隐隐含着随时能爆发的激情、对生活的渴望、对艺术的挚爱，那眼神是那么美，美得如同细雨天飘落的花瓣，在微风中消逝而去的那一瞬间。

这两部电影讲述了一男一女两位艺术家的故事，是我最爱的关于艺术家的电影，在我心里是绝配。巧的是，两位主演：丹尼尔·戴·刘易斯和伊莎贝拉·阿佳尼，亦曾是一对情侣。如今虽然时过境迁，但有时想想他俩和这两部电影，依然十足的感动。

◎译　　名　致命魔术/魔道争锋/魔高一丈/顶尖对决/死亡魔法
◎片　　名　The Prestige
◎年　　代　2006
◎国　　家　美国/英国
◎类　　别　神秘/科幻/动作/奇幻/剧情/惊悚
◎语　　言　英语
◎字　　幕　中文
◎IMDB评分 8.1/10 (25,116 votes)  top 250: #192
◎IMDB链接 http://www.imdb.com/title/tt0482571
◎文件格式　RMVB
◎视频尺寸　720 x 304
◎文件大小　2CD
◎片　　长　128 min
◎导　　演　克里斯托弗·诺兰 Christopher Nolan
◎主　　演　克里斯蒂安·贝尔 Christian Bale .... Alfred Borden
　　　　　　大卫·博韦 David Bowie .... Nikola Tesla
　　　　　　迈克尔·凯恩 Michael Caine .... Cutter
　　　　　　休·杰克曼 Hugh Jackman .... Rupert Angier
　　　　　　Rob Arbogast .... Leonard
　　　　　　Ezra Buzzington .... Ticket Hawker
　　　　　　Chris Cleveland .... Will
　　　　　　John B. Crye .... Heckler
　　　　　　Daniel Davis ....  
　　　　　　Rebecca Hall ....  
　　　　　　Jamie Harris .... Sullen
　　　　　　Edward Hibbert ....  
　　　　　　雷基·杰伊 Ricky Jay .... Milton
　　　　　　斯嘉丽·约翰森 Scarlett Johansson .... Olivia
　　　　　　Samantha Mahurin .... Jess Borden

◎分　　级　PG-13
◎制作公司　新市场(Newmarket Productions)
　　　　　　Syncopy
　　　　　　试金石影业(Touchstone Pictures)
　　　　　　华纳兄弟影业(Warner Bros. Pictures)
◎发行公司　博伟影业公司(Buena Vista Pictures)
◎官方网站　http://www.prestige-movie.com/
◎预 告 片　http://images.apple.com/movies/t ... _prestige_h720p.mov

◎简　　介　

　　◇ 剧情：天才魔术师生死对决

　　宏大华丽的舞台上，一个美丽的女人被捆缚着悬空吊起，绳索霎时断开，女人被丢入旁边的水箱，大锁从外瞬间扣上，鲜红的大幕遮挡开来，当大幕重新打开，女人已然脱险，观众的欢呼掌声响彻一片。这是19世纪末的伦敦，魔术师鲁伯特·安吉尔（休·杰克曼）是个让人惊叹的魔术天才，一个天生为舞台而生的表演家。

　　既生瑜，何生亮。鲁伯特的好朋友阿尔弗雷德·伯顿（克里斯蒂安·贝尔）也有着让人生畏的幻影天赋，他们几乎同时初出茅庐，也曾一同看遍魔术表演，然而逐渐，随着两人地位的提高，却都开始对对方的技巧产生了不同寻常的嫉妒。起初，这还只是良性竞争，到后来，针锋相对的两人逐渐升级成了怀恨在心的敌对。

　　“真正的魔术师会创造全新的戏法，让其他魔术师百思不得其解！”阿尔弗雷德终于创造出神秘莫测的幻影术“运送人”，看起来没有任何逻辑解释、前所未有的惊叹戏法几乎让所有人色变。为了找出不可思议的戏法，鲁伯特决意揭开对手最深的秘密......

　　◇ 看点：黑暗魔术奇幻世界

　　在《蝙蝠侠：侠影之谜》和2008年才能出世的续集《蝙蝠侠：黑骑士》之间，个性导演克里斯托弗·诺兰依然停不下忙碌的脚步。带着蝙蝠侠幕后创意团队，与共同撰写《记忆碎片》的弟弟乔纳森重组，根据克里斯托弗·普瑞斯特畅销小说改编，看似凌乱实则条理分明的诺兰又进入了魔术的奇幻世界。

　　这是一个再适合他不过的幻想世界--所有事物真假难辨，物理世界的规则不再通行，风格奇特且略显黑暗的19世纪末伦敦，丝丝入扣的诡异氛围，完全能让以神秘颠覆为己任的诺兰随心所欲！神奇莫测的魔术戏法，被嫉妒煎熬的灵魂，深埋未知的秘密将一步步掀开面纱。

　　得见眩目魔术加上日益精进的CGI幻彩，华美神秘的布景解密，休·杰克曼和克里斯蒂安·贝尔两大帅哥飚戏，刚当选最性感美女的斯佳丽·约翰逊当花瓶，两度奥斯卡老戏骨迈克尔·凯恩出演配角，摇滚名人堂传奇大卫·鲍伊饰演神秘魔术师，影片的璀璨度可谓步步攀升。

　　◇ 点评：蝙蝠侠金刚狼魔术恶斗

　　每一个出色的魔术，都有三个步骤组成：第一步叫做“验证”，魔术师会展示一些很平常的物什，第二步叫做“转变”，魔术师会让看似平常的东西变得不平常，充满好奇的你却在寻求谜底之路上迷惑不解，于是有了第三步“隐遁”，当局势异常紧张，生命悬于一线之时，你将会见到从未见过惊心动魄的把戏，真正的魔法！那是用生命铸成的不可复制的悬疑。

　　为了赢得魔术界的最高荣誉、永驻史册，你愿意做些什么？对新任蝙蝠侠克里斯蒂安·贝尔和金刚狼休·杰克曼来说，答案是不计一切！虽然期待金刚狼、蝙蝠侠面对面火拼的漫画迷们不能看到他们的动作格斗，但有两大帅哥在神秘莫测的魔术世界里连番恶斗、火花四起也不失为养眼风景。秘密就是他们的人生，在《致命魔术》里，请不要简单相信自己的眼睛！

剧情简介
　　十九世纪中后期的伦敦，人们还尚未对现代文明有着更加深刻而科学的认识。因此魔术师这一职业在这座堪称国际化的大都市里有着颇高的地位。尤其是贵族出身的魔术师罗伯特·安吉尔(休·杰克曼)更是这一行业的代表人之一。他的同行阿尔弗莱德·伯登(克里斯蒂安·贝尔)虽身家并没有前者的高贵，却也凭借一身的好本事在行内也占得一席之地。事实上，安吉尔与伯登很小的时候就是好朋友，由于两人皆天资聪慧，双双醉心于魔术表演并各自有着不同的特长和本领。但让长大成人后现实中的一切包括名和利种种，渐渐将一对好友推向了敌对的两面。成了同行里的红眼冤家。为了能够成为伦敦城内著名的维多利亚音乐大厅里最受欢迎的魔术师，安吉尔同伯登之间展开了长久而艰苦的争斗。他们一边加强自己的技艺，一边不惜互派卧底，打探彼此的底细，然后加以揭穿或破坏。生性有些偏执的伯登擅长一种能够令观众们难以置信的分身术，他能够在两个封闭的容器内自由穿越，此招数一度将安吉尔的铁杆观众几乎都吸引了过来。安吉尔自然也不甘示弱，他为了能够打败伯登，开始求助于科学家尼姑拉·特斯拉(大卫·鲍伊)，请他发明一些奇特的表演道具，其中就包括一个短距离穿越时空的机器，这样在舞台上，他就能以一种不可思议的方式战胜伯登。然而，争强好胜的伯登心头渐渐起了邪念，他想到了更加狠毒的办法来对抗安吉尔。两人的魔之争也因此逐渐升级、愈演愈烈，直到他们的争斗酿出了一桩惨不忍睹的血案……

原作介绍
　　影片改编自克里斯托弗·普瑞斯特的同名小说。作为西方较为著名的科幻小说家，克里斯托弗·普瑞斯特的大多数作品都广为受读者们的喜爱。如今已是63岁高龄的英国人普瑞斯特依然活跃在文坛之上。他最为著名的作品有《倒转的世界》(Inverted World)、《致命魔术》(The Prestige)、以及《分离》(The Separation)等等。除了在广大读者中的颇为受欢迎之外，普瑞斯特的小说作品还曾多次获得“英国小说科幻奖(BSFA)”、“雨果文学奖”等多项享有盛誉的文学奖项，克里斯托弗·普瑞斯特堪称是英国科幻文坛的巨将。当时，在“新市场电影公司”(Newmarket Films)最终获得了小说的电影改编权时，作家克里斯托弗·普瑞斯特还从未听说过导演克里斯托弗·诺兰的名字，当制片方将经过改编后的电影剧本寄到普瑞斯特手中时，普瑞斯特才知道即将把自己的作品带上大银幕的是一位名叫克里斯托弗·诺兰的英国同乡。事实上，和很多知名的作家一样，在自己心爱的作品被那些“疯狂”的导演看中之后都颇为担心自己的作品将会被弄成什么样子与观众见面。尤其是在对即将参与制作的导演颇为不了解的情况下，更是如此。还好，诺兰的照片、之前一些作品的片花，最重要的是由他亲自改编的剧本深深打动了这位很是挑剔的老作家。普瑞斯特最终也非常坚定了电影这种形式将会比文字更具立体感和综合的表现力，尤其是在他看过了这部影片的精彩的预告片之后。

幕后花絮
　　相对来说，平淡的剧情片不是导演克里斯托弗·诺兰的喜好，无论是之前的《失忆》还是《蝙蝠侠前传》都说明了诺兰是位喜欢接受挑战的导演。本片更是如此，一部以魔术师为主角的电影，不可回避的是片中将有大师级的魔术表演，这种精彩的场面不是随便什么导演都能拍的，作为观众，我们在感谢电影工业的日趋成熟之外，还应该感谢的就是像克里斯托弗·诺兰这类强人所做的事，尤其是他的严谨和求真的品格。为了拍摄这部电影诺兰特意为克里斯蒂安·贝尔和休·杰克曼请来了专业的魔术师，他自己更是查阅了很多魔术大师的相关资料，可以说观众们在银幕上看到电影中每一个关于魔术表演的场景都跟诺兰的精心准备和不懈努力有着莫大的关系。而在片中，魔术是除了两个男主角之外最大的亮点。
　　另外，值得一提的是，该片是克里斯蒂安·贝尔同诺兰导演继《蝙蝠侠前传》之后的二度合作了，所以他们之间合作起来也更加的有默契之感。并且为了顺利地拍摄好影片，克里斯蒂安·贝尔私下里也做了充分的准备。而且神奇的魔术世界对于这个门外汉也充满了莫大的吸引力。事实上，很久以前贝尔就对魔术产生了浓厚的兴趣，因为魔术师们时常就在人们的眼皮底下，表演出各种令人意想不到的花招和技巧，实在令人惊奇。其实在影片中，不光克里斯蒂安·贝尔要练习魔术，作为最强大对手的魔术师休·杰克曼也要掌握同样的技巧，所以学习同样的课程成为必须。据说在片中，将会有非常精彩的魔术表演供观众们欣赏。而让我们更加感兴趣的是，除了魔术表演之外，我们还能看到很多魔术背后的秘密。在影片最初的预告片中，我们小窥了电影的潜在魅力：休·杰克曼、克里斯蒂安·贝尔以及斯佳丽·约翰逊等人为我们带来了精彩的表演，在片中，休和斯佳丽关系暧昧，显然他们间存在剪不断的情丝；另外，片中还有大量的令人叹为观止的魔术表演，尤其是那个休·杰克曼和他的女助手表演“时空穿梭”时的场面令人瞠目结舌、过目难忘。影片画质清澈，风格古朴，19世纪的伦敦的古典和神秘尽在诺兰的聚光灯下完美展现。

一句话评论：

如果说《致命魔术》是一场表演，那么它取得了只有在维多利亚时代才能取得的成功。

——《首映》

能看出来导演克里斯托弗·诺兰（Christopher Nolan）是想在影片中深入探讨有关人性的东西，不过似乎不太成功，但两位主演休·杰克曼和克里斯蒂安·贝尔的表演，却值得称道。

——《综艺》

虽然这并非一部主流的电影，却仍然带给观众很多乐趣，不知道克里斯托弗·诺兰是怎么做到这一点的。

——《娱乐周刊》

独特环境下的独特传奇，如果你喜欢维多利亚时期专有的政治和文化氛围，这部影片无疑是你最佳的选择。

——《亚特兰大日报》

幕后制作：

　　【穿着“魔术”外衣的惊悚故事】

　　影片改编自克里斯多弗·皮瑞斯特(Christopher Priest)的同名小说，一开始，迈克尔·凯恩饰演的卡特(魔术师背后帮助其完善表演的导师)就缓缓地道出了完成魔术需要的三个步骤：“验证”、“转移”和“蒙蔽”……而导演克里斯托弗·诺兰在制作《致命魔术》时，也引用了相同的三个原则，以此来维系故事中两位主角罗伯特·安吉尔和阿尔弗雷德·波登之间复杂且矛盾、充满想象力的奇妙联系。首先，这是一部内容错综复杂的惊悚片，不过，却是建立在充满神秘与未知基础上，这里“魔术”无所不在，几乎渗入到每一个镜头之中。魔术表演的奇妙之处就在于表相与事实的强烈反差，除了必要的情感驱使，影片大部分时候讲述的都是两个控制欲极强的男人，因为地位上的对立所引发的激烈争执。

　　不用说，克里斯托弗·诺兰早就已经证明了他在电影方面创造力极强的天赋，他的作品以制造神秘感和茫然感见长，是那种独立电影业和好莱坞主流通吃的全能导演。不过，如果你梳理一下电影历史，就会发生大多数电影人都在竭力避免在自己的作品中提到与魔术有关的一切，因为他们认为，观众会有一种先入为主的观念：在电影做假简直太容易了，就算里面真的是魔术，别人也不会这么认为……然而原著小说没了这层“魔术”的外衣，吸引力自然也会随之消失。如此高难度的改编素材，反而引起了诺兰“征服”的的欲望，因为他在魔术师与电影人之间找到了一个共同点：他们都必须想尽办法“糊弄”观众，用转移注意力的方式，去“愚弄”别人，虽然明知道自己被“骗”，对于一场精彩的表演，恐怕你是不会吝啬自己的喝彩声吧？《致命魔术》将电影与魔术完美地结合在一起，当它们共同出现在观众的面前时，会不会得到双倍的效果呢？

　　【魔术与电影的双向选择】

　　电影与魔术不分家？即使是今时今日，这也是一种标新立异的观念。克里斯托弗·诺兰将自己对于原著小说的想法告诉给弟弟乔纳森·诺兰，希望他可以根据原著小说写出剧本的初稿……这并不是一个简单的工作，除去故事本身的复杂性，小说里面还有一部分是由带有忏悔情绪的日记组成的--将这一部分有效地融入到剧本中，就成了乔纳森·诺兰所面对的最大难题，他必须要让魔术为影片服务的同时，还要让影片看起来更像是一场盛大的魔术表演。

　　乔纳森·诺兰花了整整18个月的时间，才下定决心对小说的内容进行了取舍，然后将素材整合，着手剧本。最终，他采用了魔术的“验证”、“转移”和“蒙蔽”作为影片的三个组成部分，这三点正好道出了人们对于魔术如此着迷的关键：谁愿意单纯地生活在这一个烦闷的世界里？我们喜欢时常为生活找点想象、来点刺激，而“魔术”能达成你的一切愿望，即使你事先知道这一切都不是真的，却也心甘情愿地被骗。

　　在深入调查魔术师的历史的过程中，诺兰兄弟挖掘出这个伟大的文化遗产召如今为什么会沦为拉斯维加斯赌徒的小把戏……他们以为，现代生活中有许多不叫“魔术”的魔术，例如电视、电脑游戏和电影，你可以突然从画面中消失--就像维多利亚时期的魔术表演一样。而诺兰兄弟也通过影片探索了许多无法想象的领域，包括选择的两位主角克里斯蒂安·贝尔和休·杰克曼，让他们不断从正派变成反派，最终又变回到正派，就像是一枚硬币的正反面，一对不可分割的连体娃娃。

精彩对白：

Alfred Borden: We were two young men at the start of a great career. Two young men devoted to an illusion. Two young men who never intended to hurt anyone.

阿尔弗雷德·波登：我们两都是年轻人，要将自己献身于伟大事业的开创，我们是天生的魔术师，但我们不会用自己的天赋去伤害任何人。

Cutter: Every great magic trick consists of three acts. The first act is called The Pledge: the magician shows you something ordinary, but of course, it probably isn't. The second act is called The Turn. The magician makes his ordinary something do something extraordinary. Now, if you're looking for the secret…you won't find it. That's why there's a third act, called The Prestige. This is the part with the twists and turns, where lives hang in the balance, and you see something shocking you've never seen before.

卡特：每一项伟大魔术的完成，都与三个过程密不可分：一为“验证”，魔术师展示了看似平常、实则已经动过手脚的表演道具；二为“转移”，魔术师手中看似普通的事物，瞬间变得与众不同，这个时候，如果你想找魔术背后的秘密……那几乎是不可能的，这也是为什么还会有第三步；三为“蒙蔽”，这也是魔术中最关键的环节，是魔术师利用技巧进行掩饰的过程，一旦达成某种平衡，就会产生那种前所未见、让你无比震惊的现象--也就是魔术。

相信大部分人在小的时候，都比较喜欢看魔术，或称戏法。这种起源颇早的障眼法直到今天为止，依然有人愿意相信其真实。魔术的精华，也就是魔术最吸引人的地方，莫过于其中的神秘。而神秘的代价又有多大，看过《致命魔术》一片，你就会了解了。

《致命魔术》（The Prestige）是一部混乱的悬念惊悚片，但在混乱的同时，又不失紧张与刺激，将观众一步一步的带入到剧场魔术表演盛行的十九世纪的欧洲，在展示魔术神秘魅力的同时，也将魔术所付出的艰辛与代价展现在我们面前。可以说，导演正是运用魔术吸引人的方式，将观众再次吸引至这个主题，进而将剧情推到高潮。

影片的结构确实有些混乱，导演刻意的将时间和空间顺序打乱，以营造出一种更加神秘的气氛，这种叙事结构在影片刚开始时令我有些不适应。但影片妙就妙在随着细节更多的展现与剧情的随之发展，观众会逐渐跟上导演的脚步，并开始慢慢进入“魔术的圈套中”。由于前戏做的非常充足，因此高潮的进入与随之带来的紧张与惊悚的感觉分外自然。

影片的结局也并非十分突兀，虽然在观看过程中也曾想到过，但实在是不敢往下想了。当看到最终还是自己否定的结局时，回味起来感觉颇有些心惊肉跳，毛骨悚然。作为一部悬念片，一部惊悚片，《致命魔术》相当精彩，至少如果你当它是悬念和惊悚，你不会失望。如果你想在片中学到点魔术，奉劝你放弃你的想法；想学学怎么做人，倒是值得一看。

该片导演克里斯托弗?诺兰相信大家都不陌生，同样混乱的《记忆碎片》和非常叫好的《侠影之谜》均出自其手，这位导演好像比较善于表现这类影片，略显晦涩的表现方式不是每个人都能接受，但你不得不对这位导演大加赞赏。对我个人而言，有必要去找找这位导演的其他片子来看看了。

片中的两位男主角表现出色，两位漫画英雄“X战警”与“蝙蝠侠”在十九世纪进行了一场殊死的搏斗，虽然影片没有过多心理的描写，但“肢体”上的冲突和眼神的较量绝对不容忽视。缺少大量的心理描写可能是该片唯一的缺憾，好在漂亮性感的斯佳丽?约翰逊也在一定程度上弥补了一小下，呵呵。

多余的话不说了，强烈向大家推荐这部影片，看过之后，希望你也能夹着冷汗感受出点什么。最后感谢好友古典也流行，是他向我推荐了这部影片。

揭开魔术背后的秘密－－《致命魔术》 作者： 桃桃林林

你在认真看么？

　　ChristopherNolan也是一个满脑子鬼点子的导演，他好像从来不甘心按常理讲故事，这种不按常理出牌的做法仿佛成了他的一个标签，无论是早期的《追随》、还是那部为大众推崇的《记忆碎片》。Nolan都以其缜密的逻辑思维和丰富的想像力大玩着结构游戏。而对他电影的解读，也更像是一场拼图游戏，若干个线索被重新组合，还原故事本身。

　　相比《记忆碎片》，这部《致命魔术》在叙事上流畅了许多，也更容易理解了，观众不必大费周章就可以理清剧情。但毕竟他是ChristopherNolan，他的电影也不可能很轻松就让观众看懂。电影以两位魔术师Angier（休?杰克曼）和Borden（克里斯蒂安?贝尔）的日记回忆为线索，而两个回忆相互交叉，且顺序也是非线性的，这就调动了观众的观看积极性。不把观众当成几岁的孩子，优秀的电影在于能增加观众的互动性，让观众参与其中，参与性也提高了欣赏度，而这恰恰是本片获得赞美的原因之一。

　　电影本身就是一场魔术。电影的第一句台词便在提醒观众，观看本片，也应该像观看魔术一样。影片在老魔术师Cutter对于魔术三个步骤的讲解下展开，即验证、转移和最终魔术三个步骤。而电影本身也是按此步骤进行的，而在此，并不是一个单独的魔术，而是两个或更多魔术交叉的。

　　首先，魔术师Angier的死亡之谜，影片在一开始的段落就提示了Angier被淹死在水中，而Borden也正因为Angier的死被控入狱，并面临被判死刑，这一段落，也大致相当于魔术的验证段落。观众先认同了Angier已死这一事实，不过在开头段落的提示下，我们也可以了解到，Borden并非杀害 Angier的真正凶手，死亡事件背后蕴含更多秘密。之后，剧情由Borden得到的那本Angier的日记展开，两人的恩怨在电影的叙述中渐渐厘清，观众会发现两人有很深的仇恨和矛盾，并且用各种方法对对方造成了伤害，包括Angier的腿和Borden的手指，而电影也渐渐透露出一些信息，即 Angier的死未必是一个偶发事件，也许是他自己的一次阴谋。而当结尾处，Angier以另一个身份再次出现，观众的猜测得到证实，但Angier是如何死而复生的却并不知晓，而这个迷就形成第一次电影本身的魔术表演。

　　另外，隐藏在Angier死亡之谜这个魔术背后的另一个魔术，更是影片的精彩之处，也是导演真正用心演绎的一个魔术。即Borden的瞬间移动之谜，首先，在影片前段的叙述中，观众已经对Borden的形象进行了心里建构和认同，对其一些基本信息也都是完全接受，所以在Borden是如何瞬移这一问题上，我们和Angier同样是观众，也同样是迷惑的，而这个迷则形成本电影第二个重要的魔术。

　　而对这两个魔术的探秘过程，则是电影对观众的吸引力所在，所以，电影在上面提到的三个步骤之外，还有第四个步骤，即解密步骤。魔术的谜底都在结尾揭开，原来Borden是双胞胎，而Angier也是使用的复制机器术复制了自己。谜底揭开，原来如此简单，虽然我也觉得这个谜底实在有点邪门，对于二十世纪初就出现克隆技术实在让人无法接受，但是这个魔术的整个演绎过程却仍是非常精彩。而导演在通过电影对这几个魔术的展现上也表现了其精湛的控制能力。

　　像影片开头说的一样，魔术的观众为魔术所折服在于观众没有认真的去探索过魔术的秘密。而电影的观众也一样，我们被导演蒙骗同样因为我们没有认真的注意电影的暗示，影片第一句话就是：“你在认真看么？”。电影里用了非常多的细节提示来暗示Borden有两个，比如Borden说他不知道当天给Angier 妻子的绳子打的什么结；Borden跟妻子说“今天不爱你”；或者是跟Olivia非常明显的摊牌；还有就是FALLON被埋在地下，他却说因为自己被埋在地下而创造新的魔术；Borden在做小鸟魔术的时候，挑出一只鸟，两只相同的鸟，一只会活，而另一只就会死，而这是随机，这也暗示了最后Borden 之一死的随机。如此的暗示非常多，也正是导演反复提醒观众要认真看的原因，。　

　　不过，在这个巨大的谜团和一些隐秘的暗示背后，电影的许多情节也是有待商榷的，首先，Borden第一次说自己不知道给Angier妻子的绳子打的什么结情有可原，因为也许是另一个他系的。但之后仍然说不知道，并说一半是这种结，一半是那种结，就实在有些说不过去了，如果两个人轮换扮演一个角色，他们首先要做的是信息的交流，这才能让他们不至于穿帮，但是Borden却一直说他不知道，而他之后不与另一个兄弟交流信息是不可能的。其次，电影更大的问题来于瞬间移动的最终关键词Tesla，Tesla是一个制造复制机器的科学家，而Borden提示Angier自己魔术的关键词为Tesla，即意味着两个自已未必是双胞胎，而是另一个自己是自己的复制人，所以他才会提示Angier去找Tesla。于是问题又出现了，既然是Borden提示Angier瞬间移动的关键词为Tesla，当Borden发现复制机器的时候，就应该能猜出Borden有两个。同时，由于Angier是Borden提示去寻找 Tesla，所以当Angier从美国归来，大玩瞬移魔术的时候，Borden也应该猜出Angier同样是被复制的。而从Borden最后急于寻找 Angier的秘密来看，他并不知道复制这一回事，也就意味着他不是被复制的，他确实是双胞胎，不过如果他确实是双胞胎，他为什么会提示Angier自己魔术的关键词为Tesla，而Tesla恰恰又是一个能发明复制机器的科学家呢。总是有些矛盾，也许一切只是机缘巧合，Borden也是无意为之，也只能这么解释了。

　　精彩的魔术背后又是一个关于人性的命题，过度的痴迷使人丧失了心智，两个人的争斗使得彼此都以悲剧收场，Angier精心的设计最终把自己也设计丧命，Borden也失去了兄弟。一对争强的年轻人，也都各尝苦果。

　　电影的精彩在于疑团重重，情节的吸引力，ChristopherNolan以其精湛的技巧演绎着一个又一个精彩的魔术，虚实结合，确实是一部佳作。

最伟大的魔术：《致命魔术》

《致命魔术》中最伟大的魔术师，显然不是Angier或者Borden，而是导演克里斯托弗·诺兰。

迄今为止，克里斯托弗·诺兰的电影都重复着相同的母题：复仇，这种复仇又往往与偏执、孤独、异于常人，等特性相联系。正如《失忆》中患有短期记忆丧失的主人公的复仇，《失眠》中患有失眠症的主人公的复仇，以及《蝙蝠侠》中双重身份的主人公的复仇。《致命魔术》中，复仇被转化为两主人公的针锋相对，而这场针锋相对的引子，也正是Angier对Borden的复仇。

克里斯托弗·诺兰在《致命魔术》中，再次展示了自己对于电影叙事结构的精妙操作。影片的开始采用类比蒙太奇，将老道具师Cutter为女孩讲解鸟笼魔术和时间轴上更为推前的Angier最后一场演出联系到一起，完成了倒叙开场，比《失忆》中轰炸式的倒叙，更加圆润自如，并由Cutter的“prestige”一词，呼应主题同时完成转场，电影自然过渡到法庭部分。Borden因被目击在水箱旁看着Angier溺毙而被捕，有重大杀人嫌疑。在狱中Borden得到了Angier生前的日记，由日记引出时间轴比最后演出更为推前的Angier科罗拉多之行部分，结构再次进入倒叙，更为巧妙的是：Angier的日记中，记载了他对于Borden日记的破译过程，并由Borden的日记，话说从头，开始了整个故事的正叙。这样讲起来似乎有些晦涩，我尝试着做了如下的简图：

1、Borden日记所记载的二人成长恩怨史在时间轴上最为靠前，定义为A段，最后到Borden写给Angier关键词Tesla。

2、Angier日记从科罗拉多之行开始，记录了他前往科罗拉多寻找Tesla，一边破译Borden日记，以及第一次试验Angier版瞬间移动魔术，此段紧接A段，定义为B段。

3、在Angier科罗拉多之行开始后，到第一次试验瞬间移动，也就是B段的时间里，Borden的生活也在继续，主要讲了他和妻子Sarah以及情人Olivia之间的问题，定义为B""段。

4、Angier回到伦敦开始，直到他最后一场演出时消失在舞台上，定义为C段。

5、Borden妻子在争吵后自杀，到Borden多次去看Angier表演瞬间移动，直到最后一场之前，是C段平行的Borden部分，定义为C""段。

6、D段为Borden在后台看到Angier溺毙，受审，遇到Caldlow爵士的律师，阅读Angier的日记，绞刑。

7、E段为最后的高潮戏，Angier的死。其中有多次闪回，并交待了重要剧情，但不做详细分解了。

8、F段为Cutter为小女孩讲解鸟笼魔术，直到电影结束。

以上为按时间轴顺序的剧情，在电影中，大体上变成如下结构：

|.F1.||.C2.||.D1.||.B1.||.A.||.B2.||.B"".||.C1.||.C"".||.D2.||.E.||.F2.|

从这个结构轴上可以看出电影的叙事结构是多么的复杂，实际上在A、B、D三部分是相互交叉的，比上图更复杂，E部分也多次闪回到A、B、B""等部分，不做详细分解。

电影在母题：“复仇”之下，还探讨了“Obsession（痴迷） & Sacrifice（牺牲）”痴迷使得Angier和Borden不断的追求提升，达到个人的极限，为此他们都做出了超出寻常的牺牲。在两人观看中国魔术师表演后，Borden的话已经暗示了这一观点：“完全的为他的艺术献身，巨大的自我牺牲。”而随后Angier在家同妻子的话，又包含着暗示。他说：Borden马上就看出来了（中国魔术师的秘密），而我却不行。让我一生都装成另一个人（我受不了）。” Borden能看出来，是因为他已经具有做出这样牺牲的准备，而且实际上他到死都装成另一个人。

与诺兰高超的结构操作相比，Jonathan Nolan的剧本同样出色。除了精心构建出令人惊奇的故事内容外，类似上面提到的暗示在电影中比比皆是，只待细心的观众逐一发现。

首先，在电影开头Cutter给小女孩演示了鸟笼魔术，这个魔术正是整部电影中最重要的一个魔术。Borden和Angier的瞬间移动，和鸟笼魔术在本质上没有任何区别，只不过把笼子变成箱子，一个消失掉，另一个跳出来。在随后的监狱部分，Borden说Fallon会照顾他女儿，律师紧接着说：Fallon，A man with a past as obscure as you own（一个有着和你一样卑贱过去的人），obscure同时还有模糊不清的意思，暗示两人之间的秘密。

当Cutter应法官的要求解释Angier魔术的秘密时，Cutter说了这样的一句话：玩杂耍的人，他们靠掩盖一些简单，有时也是残酷的事实为生。这句话暗示了最主要的剧情。Angier和Borden都通过掩盖一些简单，但是残酷的事实获得了事业的成功。

在回忆部分中，Borden在演出后台说：“真正的魔术师会创造出他的同行绞尽脑汁也想不出的新花样。”这句话随后成为了Borden和Angier最大的心魔。后来，Cutter嘲笑他说：你一定有这样伟大的魔术，你可以把它卖给我么？Borden说：“我当然有。但别人变不了我这个魔术。”这句话暗示了Borden最大的秘密，并提示在学徒时，他已经在那样做了。

Borden先一步离开后，Angier问Cutter关于Borden从哪里来的问题。Cutter反问：你从哪里来？结合后面妻子问Angier的话：你不是也在装成别人么？Angier回答：我觉得换个名字算不上伪装。以及最后的Caldlow爵士剧情。表明Angier学徒时也掩饰了自己的过去，他本就出身贵族。这是两个人最初为魔术做出的牺牲。

Borden和Sarah在鸟笼魔术后相识，这一段为观众演示了真正的鸟笼魔术，实际上是两只相同的鸟，其中一只在魔术中被杀死。这个魔术和最后Angier的瞬间移动几乎一模一样。

在Borden送Sarah回家时，Borden没法到Sarah家做客而离开，Sarah关门，发现Borden已经在屋子里了。这一剧情，实际上正是后面Borden的瞬间移动魔术。也是几乎一模一样。

以上仅是电影前20分钟内出现的隐喻情节，已基本暗示了整部电影的内容。此后，Angier的妻子在魔术事故中丧生，两人的恩仇故事正式展开。

另外，导演在电影中还故意放置了彩蛋，当Angier从科罗拉多回到伦敦后，Cutter按他的提示，到他的排练场找他。Cutter一进屋，盲人看守听到动静，问“是谁？”在随后短暂的两个镜头中，你会看到两个一模一样的盲人看守，一个坐在杂物上，一个在瞬间移动的箱子边弯着腰。

这部电影由于剧情的关系，也存在一些争议之处。比如：到底哪个Angier是真的的问题。第一次试验时，他射杀了出现在远处的Angier，但后来的表演中，每次都是在道具内的被杀。也许这里面没有真假主次之分，总之不好解释，Tesla不是说过科学存在随机性么。

致命魔术 影评—科幻怎能变仇杀？

文/释凡

导演克里斯托弗.诺兰，此位曾在《记忆》大玩新颖叙述技巧，又在《失眠》中使帕西诺与罗宾的“暗战"碰出火花，前阵子又认真努力令少年懦弱的《蝙蝠侠》先生，经过（凯恩与摩根的协助）内心慢慢挣扎后，分清善恶，明辨是非，成功Batman Begins。

　　此次《致命魔术》几千万美金投资，阵容上：“蝙蝠侠"克里斯.蒂安，“金刚狼"休.杰克曼，老影帝迈克.凯恩，美女斯佳丽.约翰。故事：19世纪中后期的伦敦，的两位魔术师，因一山不容二虎，你来我往，双雄对峙，更见野心，有些期待！

　　孰知《致命魔术》观罢，仅发觉魔术虚假，故事致命，大失所望。

　　有些观众，可能在开篇则可获得些小喜悦，但可惜前提必须超级喜欢这导演叙述的观众。那种通过两位魔术师Angier（休.杰克曼）和Borden（克里斯蒂安.贝尔）的“日记"各自回忆，互相交织，又从一个叫Tesla的旁观者，以他的角度看待全局，不觉间也成了剧情推动者。可诺兰在此则忘记了关键一点，叙述故事不仅要新技巧，更要简洁明了，而其多线索“乱叙"，造成时空错乱，虽有新意，却弄得（诺兰继承了《蝙蝠侠》《失眠》等前作的通病）新奇铺垫占篇幅过长，繁杂而罗嗦，致使影片的前20分钟，松散拖沓，推进缓慢，缺乏悬念。（听记者饼饼反映美国不少观众，根本看不明白所以然。）另外男主角监狱里的出场，完全照搬《蝙蝠侠前传》开头，创意不大，似曾相识，有抄袭前作之懒惰嫌疑！

　　影片第一处波澜发生得极其别扭，本来大家一起合演魔术，可偏偏Borden非在绳子上玩“新结"，必然导致Angier之妻在水箱溺死，注意这不是偶然事故，Borden的眼神及捆绳动作的熟练，告诉着观众他早已预谋，但他这个作恶者居然还是飘然而去，完全跟没事人一样。

天啊！说他为了争取魔术界地位，可害人至死，什么概念？什么心理？

　　正在思考此问题同时，不觉发现法律早已在本片中消失殆尽。Angier与Borden的明争暗斗开始了，Angier开始破坏其后者魔术，让对方魔术枪中的子弹出现，打断Borden手指。而Borden也不含糊，先是在魔术表演时伪装出现，将Angier的另一个位合作观众，然后干脆在Angier大变活人的地下机关处狂耍诡计，致使后者摔断腿骨！

　　同行竞争？双雄对峙？两位魔术师为争个所谓的名誉地位，靠下三滥手法破坏对方演出，还造成故意伤害及谋杀，典型的不择手段，目无法纪。可问题在于魔术剧团屡次出事，最开始还闹出了人命，警察为啥总不理不管？Angier的魔术剧团为何毫不防范？老魔术师Cutter（迈克.凯恩）作为剧团长者眼见着又死人又伤人的，也总跟个没事人一样，一帮人是不是吃干饭的呢？

　　闹得Borden几次进剧团搞破坏，出入竟若无人之境，匪夷所思！

　　早就能管靠法律手段制裁对方了，但Angier直到自己腿被摔断了，才反来了觉悟，其的思想境界之低，可谓创影史之新记录。先不谈那低“觉悟"，片子到此陡然变味，先前那个叫Tesla的科学家，他凭什么在荒郊野外瞎折腾几下就发明出魔法工具---复制机器了？还塄做出了Angier的克隆人，让其淹死，陷害Borden入狱。Angier的法律觉悟起来了，情节到此也越发越离奇。导演诺兰又犯下极其严重超级错误，先前大段篇幅的写实风格，则令突如其来的四不像科幻情节，总闹得与前面格格不入，典型戏不够，奇幻凑！

克里斯蒂安.贝尔扮演的角色，在《致命魔术》除了变小戏法，干干坏事，就是勾引漂亮MM，害死别人老婆不说，还因莫名其妙的“婚外恋"，弄得自己老婆也上吊，人物惹人生恶。这使笔者又不觉想起那个曾在史诗巨片《太阳帝国》中在战争努力生存的少年，那个曾在《撕裂末日》中悔然反省的酷男，那个身体干瘦又被良心折磨的《机械师》，还有那个为伸张正义来无影去无踪的《蝙蝠侠》，可孰知他跟克里斯托弗.诺兰的再次合作，除了增进默切，在溃败的剧本下，纯属蒙骗观众！

　　休.杰克曼更好不到那里去，兄弟先前在《X战警》中耍酷装变种人（为啥受着超能力袭击全身衣服破碎，还愣剩了条内裤就把凤凰女给宰了）不说，《独家新闻》中杀美女犯罪不说，这次扮演的魔术师，除了思想觉悟低之外，就剩下胡搞仇杀，陷害对手，不择手段。

　　看着两位帅哥，在好莱坞混烂片被毁坏，再一看老影帝迈克.凯恩，也够戗。他戏份绝对不如《蝙蝠侠》中那么起决定作用，短短的出场，除了说了几句“魔术表演分为几步"的假哲理话语，这片绿叶则有些碍眼。更不用提斯佳丽.约翰逊这位漂亮mm，她片里又是魔术助手又是卧底的，最后让人一回想，有她是一块颜色，没她根本不影响剧情，大花瓶！还有扮演Borden老婆那位美女花瓶，论印象还更深刻点，因为剧中她红颜薄命，死得又傻又冤枉。

　　大跌眼镜的是本片结尾，Borden都上了绞刑架了。就看Angier与老魔术师Cutter推着那大机器在大黑房子里走啊走啊，还以为他良心发现想救对手呢，孰知老魔术师说了几句一走，Borden居然进来了，合着他是双胞胎，死了上一个，自有后来人，然后他几枪干掉Angier，回去领走女儿去过“幸福"的生活！（这父亲，开枪谋杀的恶毒逃犯，等那小女孩长大了？）

　　这便乃《致命魔术》。对，它的“乱叙"有新颖，对，它的布景华丽，再现了19世纪的伦敦风情，这使它成功入围奥斯卡（与《梦女孩》《潘神的迷宫》《忠于职守》《加勒比海盗2》）去竞争最佳艺术指导，但除去叙述花活与精致画面，本片实质上则是一部由伪科幻包装的相互仇杀片，而两个魔术师之间为了自私，为了利益，互相搞破坏，最后通通变坏，最后通通变邪恶最后一个比一个恶毒。他们目无法纪，他们不择手段，他们乱杀无辜，大搞阴谋诡计，而这场狗咬狗的结局，不过是输者死亡，胜者继续危害人间。

　　想想《满城遍带黄金甲》虽然王也为自己乱杀无辜，但结果三儿一女全部惨死，注定悲哀，而《致命魔术》中狗咬狗的结局，则是输者死亡，胜者继续危害人间，逍遥法外。这种恶毒的主题，也注定着诺兰在走向大师的路途前，需要让老谋子彻底给之上上几课，他也似乎忘记了自己前作《蝙蝠侠》中的从善主题，变得骗几千万票房，乱拿叙述技巧掩盖其故事中的恶毒仇杀，《致命魔术》走火入魔的故事，也让笔者对下一集《蝙蝠侠》的质量，捏一把冷汗！

　　回到魔术，它分不分三个阶段已经无所谓，对，它是小把戏，他就是骗骗人，让人猜不透真相，明知道是假还要去观望。可是当影像“魔术"的缔造者变得走火入魔，他再丧心病狂地将小把戏耍出，在观众面前，他也就全穿帮了！

　　好莱坞2006出品的大众题材影片当中，本片无论是在娱乐性还是在艺术性上，都足以进入后十。伪科幻变态仇杀烂片。

《致命魔术》：爱·背叛·牺牲

作者：四月物语

《致命魔术/魔道争锋/The Prestige》,2006,美/英。

四月物语的推荐指数：★★★★

诺兰在该片叙述中的闪回和多点切入繁复到引起争论，在IMDB上也达到了8.1的高分，足见影片的成功。唯一的败笔就是承认复制机的存在，这种存在使得诺兰的圈套成为可能，而否认则无法圆弥天大谎。存在的结尾让人忽然间觉得面对一道看似及其复杂的问题，原来竟是一句脑筋急转弯的玩笑，有上当的感觉。

主要演员：

克里斯蒂安·贝尔（饰Alfred Borden）

大卫·鲍伊（饰Nikola Tesla）

迈克尔·凯恩（饰Cutter）

休·杰克曼（饰Rupert Angier）

斯嘉丽·约翰森（饰Olivia）

Rebecca Hall（饰Sarah）

为了便于理解剧情，称Rupert Angier＝金刚狼、Alfred Borden＝道具师Fallon＝蝙蝠侠。

我整理的故事大致顺序如下：

金刚狼与蝙蝠侠的宿怨起于一场意外，当二人还同在师门下学习魔术，顺便打打杂的时候。一次偶然的意外，在某次演出中，金刚狼的妻子Julia被蝙蝠侠的landford双结系法害死在道具水箱中，从此两人结下梁子。

接着，蝙蝠侠邂逅了名为Sarah的女子，自立门户到处演出。金刚狼怀恨在心冒充观众，用枪毁了蝙蝠侠的左手尾指。这边厢，金刚狼也与Olivia、Cutter组成新的演出队伍，进行魔术表演。蝙蝠侠也如法炮制，当众破坏了金刚狼的鸽子笼好戏。

Olivia在接触中渐渐爱上了金刚狼，金刚狼却只在乎复仇和与蝙蝠侠的争斗。金刚狼让Olivia去蝙蝠侠身边卧底，Olivia当然不愿意，两人发生了争吵。Olivia伤心之下，怀着恨意投奔蝙蝠侠，又渐渐爱上了对魔术执着追求的蝙蝠侠。一日，金刚狼见到了蝙蝠侠在变“瞬移”的魔术，认定内含机关，奈何无从探知。他只好找来替身Root进行模仿表演，开始很是成功。岂料替身Root是个酒蒙子，加上Olivia的背叛，蝙蝠侠藉此给金刚狼设下圈套，在表演时狠狠地羞辱了金刚狼。

气愤之下，金刚狼捣毁了蝙蝠侠的道具间，并设计抓了蝙蝠侠的道具师Fallon。以此逼迫蝙蝠侠写下“瞬移”魔术的诀窍，蝙蝠侠被迫写出关键词：Tesla。

蝙蝠侠（Fallon）逃生后的异样表现惹起了Sarah的疑心，两人发生争吵，Sarah以为失去了爱情，又为不能得到蝙蝠侠全部的秘密而伤心，悲愤自杀。Olivia也发现了蝙蝠侠的异样，却问不出个究竟。蝙蝠侠与Fallon的交谈泄露了天机，实际上两个人分别爱着两个女人：Borden爱Olivia，Fallon爱Sarah。那个小女孩是Fallon和Sarah的孩子。

金刚狼去往美国，寻访Tesla，希望得到开创性的魔术道具。找到Tesla的助手后，见到复制机，在随后的拜访中得到了这部功能恐怖的机器……。

金刚狼心目中为妻子复仇的计划得以实现：他有意地雇用盲管理员监督舞台下面，还利用Cutter的影响请来上层人士观看演出，扩大事件的影响，准备致蝙蝠侠于死地。好奇的蝙蝠侠（Borden）果然落入圈套，而包括Cutter等人也都认为金刚狼溺死在了水箱里。

随后，蝙蝠侠（Borden）陷入杀害金刚狼的罪名中，关押在某牢房。此时，一个神秘的Caldlow伯爵出现，以获得蝙蝠侠的全部魔术秘密为条件，尽心抚养蝙蝠侠的女儿。蝙蝠侠（Borden）此时几近山穷水尽，犹豫中发现伯爵竟是“死去”的金刚狼。一时间，气愤和恼怒全部涌上心头，他最担心不是自己的安危，而是自己这一去岂不是让（Fallon的）女儿落入魔掌，因为Fallon也被剥夺了抚养权。之后，蝙蝠侠与Fallon见面后，交待了最后的事情……。

金刚狼以胜利者的姿态会见了蒙在鼓里的Cutter，Cutter这才了解真相，对金刚狼的卑劣行径大为失望，同时也为即将上绞刑架的蝙蝠侠（Borden）感到伤心。Cutter接走了蝙蝠侠（Fallon）的女儿，并指引蝙蝠侠（Fallon）走进了金刚狼的道具间。Fallon射中了金刚狼，金刚狼对眼前这个本应关在监狱里等死的蝙蝠侠的出现也是大吃一惊。Fallon压抑心中的悲愤，解释了金刚狼的疑问。金刚狼与无数替身们的尸体一同葬身火海。蝙蝠侠（Fallon）带着女儿远走高飞。Cutter则还在给我们讲着那个关于水手的故事，讲着魔术的道理，讲着所谓牺牲的真正意义。

一部很蹩脚的好片，还是一部不算太差的烂片？

Zeon

我真的不愿意说这是一部烂片，出色的阵容：两大帅哥Hugh Jackman不做狼人做起了魔术师，Christian Bale不做《撕裂的末日》的冷酷杀手后来觉悟的牛人也做起了魔术师，美女Scarlett Johansson联袂演出，还有什么可说的？画面精致，服饰没话说。

一开始还兴致勃勃，但是看到后来越来越莫名，到最后简直就要开始破口大骂了

---以下可能含剧情透露---

1，非常，非常，非常蹩脚的悬念包袱

当你看到一个整天总是戴着帽子的人，并且大胡子，戴眼镜，就会知道有问题。这种只是稍微有点常识的人都会知道，怎么Robert（Hugh Jackman）没有这种知识？导演在揭晓真相前的种种伏笔，基本要成了最明显的提示：Freddie不同的性格，需要替身的魔术，助手被埋时候非常紧张的神态，这一切摆明了他有一个双胞胎兄弟，Robert怎么就是死命不肯相信？如果说一开始观众跟着主人公因为老婆被杀而冲动，那看到后来基本就很清楚了，尤其alfred多次两个女人面前不同的态度，全篇三分之二之后，这简直就成了公开的秘密。如果说主人公不知道，观众再清楚不过了，而这悬念又有什么意义？在Alfred被拉去行刑的那一刻和助手说的那些话，基本已经摊牌，导致最后一个场景已经丝毫没有悬念，这是安排好的还是导演失策？

以上是第一个包袱，第二个包袱，也是最重要那个，就是Bob这里使用机器的一系列事情。这其实已经不算悬念了，因为在实验过程中大家已经看到了一切，而他自己走入之后那一闪光已经没什么可说的了——你们都看到了他准备的枪，可见他已经准备好杀掉出来的那个克隆了。但是这里有个问题：他杀掉的是远方那个，而变魔术的时候他杀死的是远地这个。我不知道这个科幻情节怎么处理克隆体的，完全一样？但是前后不一致的确是个漏洞，好吧，我们只有先假设克隆是完全一样的吧。不得不承认的是，正片最震撼的是每次他都要杀死自己克隆体，这个，可能是全片唯一的亮点，虽然很荒唐。

2，不谈逻辑，但是人物自身要前后一致对不对？

Robert Angier。这是最令人费解的：一开始要为老婆报仇，我们也被感动了， 如果说那句“我不关心我老婆我关心秘密”是他改变，导致后来走火入魔寻求秘密的转变的话，那最后他又为什么要陷害Alfred？如果他还是为了自己的老婆报仇，那在最后那个场景，对于老婆的事情又为何只字不提？那句经典的“你当时打了什么结”我等了半天他也没说出口，或者可以在监狱那里问这个问题，原谅Alfred也好杀了他也好，起码也合情合理吧？

Alfred Borgen。我不得不承认，他（或者他兄弟）打了个结把Bob老婆弄死，这个举动让我把他看死不是个人好人了，外加Hugh的正面外表，我对Alfred有偏见。但是后来可以理解，说他为了自己的秘密不得不过着这种日子：不能承认当时他没法回答因为的确不是他干的，如果这个拒绝和Bob说可以理解的话，那为什么又对妻子保密？一开始空手接子弹的秘密他犹豫了一下还是告诉了老婆，那这个干嘛不说？更何况Olivia的出现已经引起了家庭危机，他更加应该和自己的老婆，最亲密的人说了。你看他最后这么喜欢女儿，为了女儿它什么都肯做，怎么就不肯对自己老婆说这个秘密？更荒唐的是影片的结局是他杀死了Bob，几乎把他变成了正面角色：处决掉已经变坏的Bob，让他变成了好人，那么当初把人家老婆弄死的事情呢？怎么不提了？

Cutter。这个老头一直向着Bob，最后怎么倒戈了？因为Bob骗了他？拜托，他是个老魔术师，心里没这么脆弱好不好？因为Bob杀人，把自己受弄脏了？拜托，要涉及这一行就必须把手弄脏，他不是不知道好不好？还是他教Bob的，昏倒。。。他这么来来去去感觉就是一个猪头裁判上半场下半场分别向着两支队伍一样，实在不可理喻。

Julia。Alfred的老婆的确很郁闷，但是有必要自杀么？并且Alfred老婆自杀，他兄弟在Olivia面前冷血是不太好，可是自己兄弟老婆，也就是嫂子死掉，他也不难过？这也太夸张了，面对面前自己的情人就是害死她的，也不发表一下想法？而Alfred本人对此事也没有做任何的表态，这又算什么？如果这样，足以表现他也真的不是个东西。

Olivia。很喜欢Scarlett，总希望她真的和Bob好。但是后来可以理解为Bob的（莫名）改变让她投送别人怀抱，实在有点伤心。我正想要说什么，这才发现，Scarlett是莫名消失，后来没有作任何交待的，昏过去。。。这点，是非常非常烂的。另外就是这个女人惹的祸：说什么的确是他本人不是替身因为手指受伤——白痴啊，以假装受伤，甚至特意把手砍了，是当时人们幼稚还是弱智？Bob居然信了她！天，看过Wild Things的人可以知道自残这一招是屡试不爽的，只能说观众比角色聪明，不，是现在的观众越来越精。

3，近乎混乱的叙事顺序

是我智商不够，还是这个叙事顺序的确很混乱？我知道一上来想要倒叙，没问题。可是两个人分别捧着对方的日子耍对方，还有不同的画外音来讲述故事，头晕了，头晕了。我想如果下面打字幕说明情况也不明智，因为每隔几分钟就要不停的翻动字幕了。最后终于进入现在时态，结果也没有意外：Bob没死，最后预料中的Alfred兄弟最后出来把他打死。到底谁笑到最后？我会认为Bob，可是怎么死了？可是让把Bob老婆弄死的Alfred或者他兄弟笑到最后，导演于心何忍？哦，Alfred有女儿了，所以要让他活着？我无语

4，导演到底想说什么？

到底想说什么？Bob死前似乎说了一些很有道理的话，算是癫狂之语还是真的有道理？的确，杀了很多人的确不好(与我看根本没必要杀掉，组成一支军队多好哈哈。。。不过这是超越科学的科幻，多说也无益)；但是Cutter老头和Alfred都没少拍四过小鸟，他们似乎就若无其事了？Alfred尤其还有一条人命在手，抱着女儿享受天伦之乐，就这么完了？！

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究竟该怎么样？

我不喜欢到后来死光光的结局，但是到这个份上，我认为两个人应该都死光，既然都有罪过。Alfred杀了Bob，引爆那些水缸把他淹死拉倒。至于女儿，Olivia可以出现抚养她或者让老头Cutter抚养——其实Cutter教Bob把手弄脏，他应该觉悟，然后自杀什么还差不多。

如果要好结局的话，Alfred死一个，活一个，算偿命了（Bob老婆），然后应该认错阿，说那天不是我是我兄弟真对不起（你想他最后已经愿意把秘密告诉人家了，但是Bob很莫名的把秘密撕掉了，这不是找打么，活该。。。），我想Bob明白了为什么也会原谅他的。他干嘛要去杀Bob？脸皮真厚，自己把人家老婆弄死也不反省反省。倒不如捐弃前嫌，然后Bob因为自己的罪过主动自杀那还差不多。如果这样，Alfred和自己女儿团员到还说得过去。

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到底是蹩脚的好片还是说得过去的烂片？

无论如何，编剧应该先奖励，然后拉出去砍了

幻觉的弱点

评论: 致命魔术

aitheros

克里斯托弗·诺兰正式进入好莱坞商业体系后，他的地位便很尴尬。《蝙蝠侠》这种电影，你就是拍出花来，也是浅薄。可是诺兰个人的风格又明明地在暗地里起着作用，结果就是，无论是艺术角度或商业角度，总得有一方是装作看不见另一方的，而不是诺兰顾此失彼。尽管《失忆》的倒叙结构被认为只是一种花活，《失眠》被认为唐突了经典前作，却极少有人肯定诺兰在电影叙事、个人控制力方面的种种突破尝试。电子产品的兼容型号还允许有功能上的削弱，艺术产品的要求却不知为何如此高标准严要求，大约是因为MP3的买主一般不把自己定位为技术人员，而电影的消费者却总愿意想象自己是影视界的业内人士。

《魔道争锋》是出于诺兰自己的兴趣选取的题材，因此他的个人风格相对占了上风。这个魔术故事本身的噱头依然不大，但诺兰的结构把它支解，而且组合成一个复杂的文本。这就从《失忆》的“解谜”式倒叙变成了“结谜”式倒叙，且开头被伪造了一个解谜目的。观众在希望获知魔术事故真相的兴趣下去追随牢中的伯登解读安吉尔日记，而安吉尔的日记是在解读伯登的笔记基础上写成。这个复杂性一开场就被设置得相当高。如果看完片子之后产生那种“故弄玄虚”的感受，那么多半就是因为这个结构的复杂系数太高了，剧情的实际内容根本匹配不上大家为追随形式消耗掉的脑力。但如果没有这个复杂的结构，悬念对观众的吸引力可能保持不了那么久，毕竟实质问题——魔术师之间的恩怨是很简单的，几句话就说清了。影片最后的吸引点完全是魔术真相本身：伯登的“分身术”和安吉尔的机器到底是怎么一回事？要是看这一点的话，就会发现诺兰不但没有给观众解答事故真相，反倒把观众绕进了魔术真相的疑问里。至此，“解谜”反变成了“结谜”，成了一个类似于诺比乌斯环的圈套。

到这个圈套结完，诺兰的设计是相当成功的。而且，这个圈套里并非只是纯粹的娱乐，也表现了某些深入的思考。安吉尔原本为了兴趣而表演魔术，不像出身贫寒的伯登那么野心勃勃。他渴念的成功不过是一种表演的成功，而伯登不但要迷死外行，还要难倒内行，以至剑走偏锋。结果却把安吉尔累得人格扭曲，坠入魔道。要说安吉尔的堕落，还不能从丧妻后去报复伯登算起，那还是正常的心理反应，而是就从他想不透伯登的分身表演秘诀开始。那之前，他“不杀生，不冒险”的表演原则实际是对的，魔术说到底其目的不过是一种娱乐，怎么也不值得为了所谓的“技术创新”拿生命去做牺牲，或者把鸽子活活拍成肉饼。然而就是有这么一帮人一定要“挑战极限”，表面看是所谓的“勇气和智慧”，其实已走火入魔，全以精神刺激为乐。与之形成对照的，无疑就是那位制造了“复制机”的发明家，他对科学未知的探索可谓大胆先锋，但也远远超越了科学伦理所允许的范围。影片将他与爱迪生对立起来说，爱迪生考虑自己发明的目的，无论是造福人类还是为自己赚钱，总是一个理性的界限和原则，而这位先生只想探索无限，可能在科学工作中要提倡这种创新的热情和想象力，可是无论什么热情，一但不受控制，肯定会带来危害。“创新”并不能作为无视后果的说辞和借口。试想芥子气、坦克、原子弹这些东西，也是发明，可是它们的“创新”，意味着杀人效率的提高，高到随时可以毁灭人类。安吉尔的堕落，和疯狂科学家的存在，除了揭示人性的脆弱，还可以表明这种“对未知的探索”对人的诱惑之大，“哲学源于惊异”，科学也同样源于对于事物的惊奇和好奇，欲知其详。但也恰恰是这种好奇最为危险。魔术挑逗人的好奇，借以制造神秘感，却与不经意间也给自己挖出了陷阱。真真假假，谎言欺骗，伤人害己，原不过是雕虫之技，竟令人迷失是非，实在是谬误一桩。科学当然不是这个层次的事情，但其中也有为好奇所迷失之人之道，并且尚不知自己在谬误中。多少科幻作品都讲这个道理，这一部同样如此。这就是为何诺兰冒着勉强和牵强的风险也得把这个话说了，因为不说的话，至少原著作者要不高兴的。

遗憾的是，诺兰的圈套只到谜面结成就结束了。可是，他总得给观众一个答案，伯登的答案揭示过程是够紧张的，但结果令人泄气——太简单了，简单到观众觉得自己比安吉尔都冤。而安吉尔的那个，事实上不可能有答案，最后的结局就成了导演提醒我们：这是部科幻电影。这也就罢了，最不能原谅的是主角中枪后大发感慨这种惨不忍睹的败笔。这个失误的结局倒并不妨碍文本本身的震撼力。毕竟它把科幻的包袱压到了最后才抖出来，观众看到魔术一个个露底，以为万事可有解，因此为最后无解之事的出场保留了惊诧与神秘。而伯登看似简单的答案，其实也麻烦多多：它固然能够解释他前面“人格分裂”的表现，甚至可以解释他对那个置人死命的绳结为何持如此麻木的态度，那么笔记呢？笔记又出自谁的手笔？笔记中对于安吉尔的感想是何人所发？凯恩饰演的老头显然早知此事，为何不先挑明而要看着安吉尔以一敌二？三问两问，影片的漏洞就出来了。诺兰这次的结构起点太高，最后收尾时，使劲拔也拔不上去了，只得就此收场。不过这也倒证明了这的确是他自己全权控制下的电影，只有完全沉浸于自己的构造和目的时，才会带出自己捉襟见肘的问题，才能的标杆，往往就在这里坦荡相见。他没有为了自圆其说的方便而放弃形式的冒险，仍然是一个不一样的商业导演。说到底，电影又何尝不是一场制造梦境与幻觉的魔术？有人可以沉浸其中，有人可以看到穿帮，有人玩得笨拙，有人玩得巧妙，也有不少人玩砸过，赔尽票房与声名。那时的导演和编剧，想来就会像被人当场拆穿的魔术师，尝尽尴尬和羞辱，却无可奈何。诺兰敢于冒险为观众制造不一样的幻觉，也就要承受幻觉的弱点。

生命不可以选择第二次

青水

像简介上说的那样这是一部非常精彩的电影，悬念迭起，错综复杂。这是这个月里面第二次看到Scarlett Johansson和Hugh Jackman出现在大屏幕上，本来以为他们又会上演一部没有什么惊喜和回想的影片，谁知道在工作日的午后蒙帕纳斯的影院几乎爆满，看来大部分人的选择没有错，这部片子不但值得看第二遍而且非常值得收藏。

电影和戏剧一样，在充分表达故事的同时还要能给人在思想层面带来一些思考。像佛家的三千法门一样，你可以修净土，你也可以参禅，导演们选择以不同的方式来说故事。如同写作一样，可以白描，冷眼叙述；也可以绘声绘色细腻描写；更可以明线，暗线一起，把整个故事写到最精彩。这部电影无疑就是后者，甚至不仅仅是两条线索的穿插，如果说编剧功不可没，那到不如说Christopher Priest的故事写的好。但是导演，演员，一部精彩的电影他们是真正的主角，真正的创造者。

和往常大多时候一样hugh这个英国绅士的表演无法挑剔，对妻子去世的痛，对魔术的着迷，又或者对所做一切的忏悔。而另一个主角Christian Bale的表演同样精彩，Michael Caine则更是不用多说。至于scarlett，还是要说没有lost in translation里精彩。

当事业，爱情，家庭，人生牵扯在一起，人的选择就变得复杂，变得冲昏头脑，变的难以选择。当错误可以被纠正，一切能够回到从前吗？像蝴蝶效应里一样，人生不会有第二次，就算回到从前，所有的路还是会完全不同。所以做每一步之前，要想清楚，差之毫厘，失之千里。

最后，这里不想介绍电影的故事情节，就算留个悬念。但我可以说，这是我今年看的最精彩的美国片。对所有看到文章的人说，去电影看这部电影，你不会后悔，你会和我一样，想看第二遍，然前提是，你懂得欣赏电影。

请勿好奇——《致命魔术》

小语

请相信，当上帝在卖弄魔术时，你永远希望被愚弄。

这是一个悲伤的故事，悲伤的有些残忍，只是想来，人们无不在反复着这样的生活。两个人之间不断的报复、竞争，试图在幻像中寻找真实，却又在真相里迷失了自己。人类的魔术尚不自知，何况是上帝的戏法。

好奇

人类的许多悲剧源自于一种本能，我们称之为“好奇”。然而所谓魔术师正是要利用这一点，不能够引起人们好奇的魔术，也就不称之为魔术了。其实也许世上只有一个魔术师，或者不，也许应该称之为“巫师”，名字叫做“上帝”。

不得不承认伯顿的魔术才华，几乎所有的幻像他都可以看穿，所以他并不满足于现状，渴望着更新的，更吸引人的，只属于他自己的魔术。也许正是这种强烈的渴望引来了悲剧。“你系的是哪种结？”“我一直再问自己这个问题。”“结论呢？”“结论是。。。对不起，我不知道。”女助手的死是一场意外，又似乎是必然的结果。矛盾使然。在尝试与否的路口走失了自己，以至于每每想起，连他自己都无法确定。然而“结果”从不担心这些，它已无可改变。

世上总有许多事令人们好奇，物质的组成，人类的起源，宇宙的奥秘，人们如观者般惊奇不已，然而却也从不想只是当做观众。

幻像

我想那个中国人的表演对伯顿的影响是很大的，甚至是对于他的生活。秘密开始成为他生活中最重要的部分，而他也为自己的魔术付出了巨大的代价，他的家庭，他的爱，甚至是自身的存在。于是他有了那个精彩的“移形遁影”。

一切都不过是“幻像”，其存在本身不过是由几个简单的原理组成。伯顿的“移形遁影”也不例外，也许是因为它太简单，安吉尔总是不愿意去相信，然而这只会带来更多的代价。“痴迷是年轻人的游戏。”，而它是危险的。

上帝的魔术有着太多的幻像，是阻拦？还是引诱？人们却总是执着的在追寻关于一切的答案。

真相

真相往往是简单的，难的也许只是找寻的过程。安吉尔为了知道伯顿“移形遁影”的真相，放开了喜欢的人，失去了行走的自由，不远千里，用去了大量的时间和精力，却还是不曾找到，直到死前的一刻才终于明白，只是后悔已经来不及，没有时间可以倒流。当然这些并不仅仅是为了真相，也许更多的是因为那悲伤的恩怨。然而这还不是全部，在其中，他无意间碰触到了上帝的戏法，而他则为此付出了所有。“巫师可以做到他们（魔术师）尝试着去做到的事”，也许伯顿永远不会知道安吉尔“移形遁影”的真相，然而没关系，就像伯顿说的“我不在乎”，在最后他走出了那个游戏，没有执着于答案，他做出了选择，那是他的女儿，他的生活，这一切已经足够。影片的最后，看着那些火光中燃烧着的箱子，不禁会想“有些秘密就让它永远是秘密吧”。

许多科学家会被人们称为疯子，也许只是因为他们过于接近了上帝魔术中的真相，而这个世界的真理往往冰冷的让人疯狂。

“现在你在寻找秘密，但你不会找到，因为你并不是真的在找，你并不真的想把它找出来，你希望被愚弄。”——为什么一定要执着于真相呢？明明有许多事比这更重要，更值得人们去珍惜，所以有时即使被愚弄又如何？

《致命魔术》：只见魔高一丈不见道高一尺

哗啦啦

《致命魔术》的故事与其说是魔术师之间的超级对决，不若说是两名人间才俊之间的生死角斗，是从私欲中衍生的一种对抗，适用于生活方方面面的竞争中。诺兰的电影作品完全是人性斗争的具体体现，很灰色晦涩，但触目惊心之处就在于对人性欲望的真实表现。

魔术的最终目的是带给大众娱乐，吸引注意力、变换为技巧、让人惊诧不已（影片所述的魔术三种特质），而这样的娱乐模式背后被称为技巧的强大技术支持的确让人匪夷所思，是兴趣所在。用魔术师之间的竞争演绎一段关于人性主题的对抗让影片充满神秘色彩。两名魔术师之间对抗的核心不是关于技能，抑或不是功名利禄，而是源于私欲横生的心理斗争。这场斗争在强大的魔术手段的支撑下，变本加厉，逐一升级，从荣辱，到伤害，直至死亡。两者之间没有政治，没有体制，没有大环境的牵制，只在人性之间。从某种角度看来，说这个故事脱胎于办公室暗战也许更为容易理解。

在没有任何历史也时代背景中，两名同行业的年轻业务尖子为战胜对方而暗战。起初是为了摆脱贫穷和寻求被掌声包围的成就感。而后，在高低相当的过招中开始中伤对方，开始长期的阴暗的心理较量，利用各种资源恶意攻击也被反对手攻击。起初，伤害的仅仅是对手的技能和名气而已，被私欲充斥的两者开始从情感、家庭、社会地位等方面残害对方。这很象在办公室里面为了同一职位的变迁而导致双方的心理变异。职场斗争的本质不是什么拿人钱财与人消灾的良性运转，有很多却是人性私欲的总爆发。魔术师的近距离对垒的触目惊心虽然在魔术这种娱乐方式的包装下，看上去虽然神秘惊悚，而种种谋划实现的目标却更让人震慑。

在这场登峰造极直至你死我亡的终极对抗中，两者过招并不是刀光剑影，而是建立在高智商基础上的技能升级。然而，被可怕的心魔指使的破坏行为则印证了创造不易毁灭容易的真理。举手之劳不仅摧毁了智力创造出来的财富，而且可以瞬间到达地狱到达那种可以被诅咒的境界去。尊重科学的工程师秘密建造的电房子就是这种恶性竞争的产物，试验失败离去前的话更是深入人心值得深思。而两位前途无量的才俊究竟为何如此势不两立呢？还不是那些久存于深心曾经被穷困窘迫长期压制可是又向往获得尊重的自尊心呢！是不是，起码那个年代魔术师这个职业还是属于出生卑微之人的职业。

诺兰作品决不是可以按照大众思维出手的电影。可惜，《致命魔术》的结尾是在糟糕。如果，在一个被绞死而同时将死之人买凶射杀另一人的处理，实在是对应了两者之间肆无忌惮的凶残举动。然而，这个遭天遣的报应理结局没有出现在影片中。诺兰更为残酷的要验证适者生存的天性法则，选择了一死一亡的结局，只是为了突出影片首尾一直强调的人生的不确定性。原本是一件好事，但处理的桥段却遵循了魔术的原理，实在让人费解和不可理喻。孪生VS孪生，甚至还有替身，着实让惊悚的剧情变得画蛇添足牵强附会。我以为，与绞刑同步的买凶谋杀就应该是影片最佳的结局处理。而之后强调的“你自己希望被骗”的虚无人生观则因为方法不当而归于失败。结尾魔术面残害对方。这很象在办公室里面为了同一职位的变迁而导致的

影片强调再三的“吸引注意力、变换为技巧、让人惊诧不已”的魔术特性，确实代表每个人内心深处的微妙心理。引人注意让别人被吸引，让看似普通的自己变得特殊，利用技巧实现自己在他人眼中的无比震惊。这样追寻成功的心态，源于人性的简单心理。而这种魔术生活背后我们被蒙蔽的真相却不是我们简简单单就能够看到的。而诺兰通过影片要告诉观众的人性理念我想应该就是如此。很喜欢他的作品，很喜欢这个在主流和小众之间能够畅行的新生导演，也喜欢两位男主角在影片中的高超对手戏。与故弄玄虚的《魔术师》相比，这部写实的《致命魔术》在近期魔术风行的众多影片中已经属于相当成功的。

过程比结局更值得回味

成都菜菜子

要完全看懂这部电影是有点艰涩。

我是在网上下载后电脑里看完的，效果不太好，影响了我观看时对情节的理解和把握。。以至于最后angier被BORDEN杀死的那场戏重看了好几次。不知有人看到还有一个angier出现在屏幕左边没有？我相信这是部科幻悬疑片，不应该是一个悬疑科幻片，最后说服自己那是透视了那个神奇的道具机器所看到的箱子里的angier，可这似乎没有必要画蛇添足了吧？表演已经结束，箱子里不应该再有复制人了。否则angier和borden将会生命不止，争斗不息的。

还好网络里有这么多共同分享的好文，我找到一篇，描述比较完整，而且还提出了对剧情不合理的置疑。唯一不太理想的是作者似乎把二个主角的名字刚好记反了。。。

关于angier妻子的死因我认为很简单，她勇于尝试另一种绳结法逃生，而又过于自信，borden仅仅是配合了她的这个愿望，并且是在她的鼓励和央求下打了新结。至于每次面对angier的追问回答不知道的原因，应该是他也被这次意外沉重打击，后悔但又不愿过份自责去承担杀人的角色。

而关于科学家Tesla,虽然被设计成了borden日记的关键词解释瞬间移动的秘密却又是整个故事的败笔。如果borden真的在科技展中被Tesla的新科技打动，并且理解其复制事物的奥秘，他不应该告诉自己的最大对手和敌人angier，让他去掌握这项自己已经成功拥有的魔术，并且还以此来战胜自己和陷害自己。如果他不知道复制奥秘，又为什么拿科学家去转移angier探求他秘密的执着？？

原本以为borden也是使用了tesla的新科技，那么他也应该有无数个替身去帮他化解此场危机并且笑到最后，而angier是通过borden的启示才寻求到新科技，那么他也应该想到borden和他有着一样的替身人，似乎复仇计划就太简单了。可惜因为剧情实在错综复杂，似乎已经超越了作者和导演的掌控，最后成为一只相互矛盾的蛇尾了。

borden妻子的死也过于离奇，如果她真的知道borden双胞胎兄弟的秘密，她为什么还如此在乎丈夫的情人，还急于去告诉她真相，甚至最终选择自杀来解脱？？？如果她不知道，那她到底要告诉情人什么秘密而borden又忌讳她泄密？

片中angier的死这场戏似乎也有些疑点，到底在哪一场borden才能顺利潜入后台目睹angier自己设计的死局，这谁都不知道。angier百场之后如果都没有等到，这个故事岂非无疾而终了？除非angier设局让人主动引诱borden在他安排好的内应带领下准时来到出事地点。

不过总的来说，这部戏还是很不错的，结构的错乱有序让观众在整个电影中几乎随时都在保持自己的头脑清醒，逻辑分，以便寻找各种暗示和伏笔，赶在结局真相大白之前就提前猜出背后的秘密。这是我观看悬疑片最大的乐趣。远胜于平铺直叙时只能做个旁观者做壁上观。

Are you watching closely?

抹香鲸(上海)

看之前是抱着Batman大战X-MAN的心态，剧情一无所知，结果，真的是amazing，我只能用这个词来形容这部神奇的电影，最后谜底被揭晓之时，印证前面戏中种种迹象，真是令我感动到落泪啊！好本子，太好看了。

影片一开头便解释了魔术分为三步，一是"the pledge"，魔术师先展示一件普通的东西。然后是"the turn"，用普通的东西做一些不普通的事情。当然，到此你还不会鼓掌，令东西消失还不够，你必须把它变回来，这是魔术的第三步，"the prestige"。这么说来，一部悬疑电影也有“prestige”，如果谁向你透露本片的“prestige”，真该拖出去砍了。这谜底和《The sixth sense》有得一拼。

故事是关于魔术师Angier（Hugh Jackman）和Borden（Christian Bale），刚开始一起做魔术师助手，某一次可能是Borden失误，Angier痛失爱妻。自此两人对立，互相仇视，伺机给对方致命一击。你来我往，某日Angier又去捣乱却目睹Borden发明了超级牛X的魔术：the transported man。于是，两人刺探着对方的秘密。

两个男人飚戏，总是能让女观众着迷啊！或许Nolan导演曾携手Christian Bale《Batman Begins》，我竟是不由自主站在Borden这边，X-MAN粉丝估计看本片的心情和本人大相径庭。

影片最后，当我们知道了“prestige”，我们才能明白这场战争没有赢家，这两人都为了自己对对手的魔术机关所在寻根究底的好奇心和好胜心付出了沉重的代价，不仅仅是dirty hands，甚至惨绝人寰。

导演其实给了很多铺陈，比如Borden送女友回家道别又出现，还有餐厅里四人相遇夫妻吵架，最后Borden冷漠地向Olivia表白。答案原来这么简单，自一开始已经告诉大家，可叹这人生的魔术，不是芸芸众生可以看破。

Nolan如魔术师般创造了一个丰富多彩的世界，暗藏玄机，充满想像力，但又基于人性，那么地可信。正如片中那段讲述观众看魔术的台词：“you're looking for secret, but you won't find it, because, of course, you're not really looking. You don't really want to know. You want to be...fooled.”一部精彩的电影，之于我等影迷，不也正是如此么！

诺兰：我用科幻说服你

来自: 可能是魔鬼

The Prestige的评论

Spoiler Alert！（以下内容严重剧情泄露，没看过的就不要往下瞄了！）

1.Borden绝对是孪生兄弟，对此我深信不疑。影片可以找到的伏笔不是一处两处，不说一眼看穿中国老人魔术的那场，从看到鸟儿死去大哭的小孩到开门后的瞬间移动效果，Borden日记里透露的找Tesla不过是个骗局以及最后兄弟两人关于要不要去获取Angier秘密爆发的争吵。一个事实，那真的是两个人，一样的为魔术痴狂（最后大量闪回）。　

很不解douban一些人居然反复说这两兄弟是复制人，这样把Telsa的角色作用完全推翻。就好象Borden设置了一个"双重否定"的圈套让金刚狼去钻(他知道金刚狼会因为日记里说他上了自己的当而勃然大怒然后去找Telsa要复制机复制了自身再之后又无比SB地到舞台下面去看对手怎么处理复制人)，问题是这可能吗?

对该问题产生的怀疑则是由于其他细节所带来，完全可以分析。

2.对于复制机以及被Tesla带出的科幻色彩，有人说被完全“带坏”了，我还是想说喜欢二字。问题在于科幻只能是最后的一个选择(复制机出现带来的无可避免)，而不是真要让我们把影片当科幻看，把复制人塞到每个角色上。这才是电影，电影也是魔术，尤其是这样用想象力打造的电影——如果大家不会反对的话。看过剧情介绍讨论或者时刻关注的除外，通过复制机的魅力由此把台词种种完全扣合在了一起，夸张的说没有一句多余的对白，组成一个完整的躯体。否则你也真找不出更好的办法来迎接故事高潮，相信有很多人都在想这最后到底是怎么样，最简单的，却被我们所遗忘。

3.我不认为影片需要碎片重组，弄成正常时间顺序，那是化简为繁。它所呈现其实并不是一个故事完整始末的重要性，而是两个人对于魔术obsession的刻画，执著之外的牺牲。面对两个人都逃脱不了的obsession，如果用两本日记串起来的话，再个首尾呼应，故事并不晦涩。

看影片时难免有个立场，很不好意思的说，我更站在金刚狼Angier这边，倒不是贵族身份什么，而是如果按照事情的发展，冤有头债有主，他女人的意外死去正是Borden/Fallon的失误（即使说除去这个，他们可能依然会互相争斗不论，这也是Angier不顾一切寻找魔术复制的源头）。

=========众人拾柴火焰高 来自TLF kenyang214的整理==========

引用babyrayfly:

2个人轮流做FALLON 你一天我一天 所以，他妻子问他：“你是不是爱我？”他总是回答：“NOT TODAY”或“TODAY I DO”

没有什么真正的FALLON 和 BORDEN 他们是孪生兄弟享受一半完整的生活 也就是看中国人表演中的“牺牲”，只有巨大的“牺牲”才能表演出别人不能表演的东西 FALLON和BORDEN 无谓真假 至于爱不爱SARAH 爱SARAH的那个也未必是真 因为在遇见SARAH之前他们已经开始各享受一半真实生活了 参考“所以ANGIER两次（大概）问他不知道那天到底打得是什么结？他回答：“我不知道”他并没有撒谎，只不过那天他正好问的不是打结的那个BORDEN。

看到很多贴子说BORDEN也是被复制出来的，其实不然。BORDEN是千真万确的孪生兄弟。BORDEN告诉ANGIER ”TESLAR“ 只是让他走进死胡同，因为人人都认为TESLAR是个疯子。BORDEN本身也不信，否则BORDEN后面又怎么会不知魔术（魔法）症结所在呢，又怎么会走进ANGIER部下的局呢？

并且发现TESLA实验成功本身就是ANGIER的意外发现而已。

引用GB2K:

oliver喜欢的应该是borden的表面，所以看不出来，但是sara不一样，她是真的喜欢borden，所以能分辨出来两者的区别。

估计兄弟两个有协议，类似于一人一天那样，否则爱sara的borden不会和fallon说让他明天一定要帮忙说服sara，他仍然爱sara，因为下一天就是另外一个做borden了，他要做回fallon。sara之前也说过，就是在borden给他展示抓子弹那个魔术的时候，borden说i love you，sara说今天不对劲，但是sara误以为只是因为borden发明了新魔术而高兴而已，所以sara才说可能你今天爱魔术多一些。其实这样导致了sara的自杀，sara对borden说，你今天说爱我是真的，但是你不是真心说爱我的时候更让我心碎，borden却没办法做什么，因为有的时候是另外一个borden，而那个borden对sara的感情不一样，那个borden是爱oliver的，结果大吵，sara自杀。。。

引用googoofox:

爱迪生一直跟tesla对着干的。现实中他还欠后者一大笔钱不给人家呢，骗人搞科研。所以人品并不是那么好的。片子里，老头子也说过，你们也不注意看，他说borden是出色的魔术师，但糟糕的演员。做出精彩的魔术却不知道广告要做好，做得更花稍。borden去看科学展后被tesla的放电球吸引了，他却的是舞台效果，而angier缺的是奇迹。telsa分别给了他们所需要的。虽然angier那个副产品。borden本来是要angier回老家美国耗两年，好不跟他捣乱的。没想到tesla真的弄出来了。所以twins想破脑袋也没琢磨出angier的trick

引用babyrayfly:

小女孩当然是BORDEN和SARAH的女儿

BODEN是孪生兄弟，绝对的！他去观看了科学展！就是TESLA的实验，失败了！他想误导ANGIER。这是很后面的事了 远在FALLON出现之后。而且在BORDEN看到中国人为了表演别人不能表演的魔术，一辈子装残废。就决定了和他的孪生兄弟各分享一半真实生活。也是片中一再提到的“牺牲！”

逻辑非常严密的影片。刚认识SARAH记得吗？SARAH不让BORDEN进屋，一转身，发现他已经在了~知道他是孪生后，这个魔术也得已解释。

引用amengordon:

是孪生兄弟，这就是为什么两个人会爱不同的人，也是为什么一开始Borden会说I don't know，他是真的不知道，因为打结的是他兄弟，

不然Borden不会搞不明白Angier的把戏，连Tesla自己都不知道能不能造出这样的机器，指引Angier去找Tesla就是为了让他自己走进死胡同，结果哪里知道Tesla真的把那个机器造出来了。为什么会想起Tesla呢，因为有一次他看到Tesla的公开表演，结果失败了，使他想到Tesla会是Angier的死路

引用babyrayfly:

1.复制出来的当然是一模一样，包括思想。

2.注意有一幕，记得就是ANGIER第一次亲自试用那机器，他在机器旁放了一把枪，然后复制自己，然后开枪。这是第一次他杀死复制的自己，也是最后一次！

3.拥有同样信念的101个他（表演节目100次+试演给关系人看的那次）。决定用死亡换取荣誉。只不过他们从来没有同时存在过。从第一次表演开始，他走上机器——>掉进水箱、溺毙——>几乎同时，大约50码远处出现一个复制出来的自己。所谓的母体其实在第一次表演，或者那次试演时已经死了。而最后的第100场表演中复制出来的.

ANGIER很幸运得能够做为爵士（名字忘了）而继续生存，当然事与愿违被BORDEN TWINS之一杀掉了。

至于问及为何他选择每次杀死自己，而留存COPY。这也是件很无奈的事，因为同样的自己，谁愿意为谁去死呢？既然不能杀死对方，为了共同的信念（魔术师最高荣誉），为了不留破绽，那就杀死自己吧。这也是他最后和BORDEN谈话中，为什么说：“牺牲！是的，我牺牲了我的一切！”还有比自杀更大的牺牲吗？何况是100次

引用babyrayfly:

正解~问题是ANGIER要表演的魔术，让他无法让选择哪个活下来，这是个无奈的、同时也是唯一的选择。至于为什么他不让自己成为TWINS，这个确实也是个疑问，一是与他以前有过不快的替身经历相关；二也是最大的原因：ANGIER始终不信BORDEN用替身达成此魔术，他最大的信念就是要超越这个魔术。所以，他不会选择用替身来实现这个魔术。

实有了复制机，他本身就可以表演其他很多魔术，但他惟独选择了最残酷的一种，归根究底就是

要超越BORDEN。所以，最后他知道BORDEN有两个时，他的失望和郁闷真的是￥%%·……#￥！#·￥！·他一直以为BORDEN如何神，没想到竟然这么简单.........

CUTTER是个客观的人，他从一开始就认为BORDEN的瞬移魔术的唯一办法就是替身。究竟CUTTER什么时候知道BORDEN是孪生的，我也并非十分确定。但很可能是在BORDEN被判死刑之后的事了。但对CUTTER来说，究竟BORDEN是孪生，还是替身，对他并没有什么意义，不是吗？关键是他找到了他魔术的诀窍，无奈ANGIER不信，可惜事实就是那么简单。至于FALLON掉进箱子，那没什么关系，因为他如果发觉，是一定会象ANGIER证明的，老头视ANGIER如儿子啊。

引用googoofox:

片子时间短，所以你要注意看导演给你随时传达的信息。angier很有钱，因为他是伯爵。borden兄弟一直都很穷。以前就是个递道具的。当了魔术师之后也没有像angier那样辉煌。他买个房子都不是那么容易的。angier什么时候都说钱不是问题。尽管borden是天生的魔术师，但是个糟糕的sales（用老头的话说）。所以同样的transport man，如果换一般人做，只会被嘲笑copy cat。而Angier知道如何营销自己，所以即便没复制机器的时候，也可以和近乎完美搭档的borden兄弟争观众。老爷子想培养他，也是因为他的表演型比borden那种技术型的要更有观众缘吧。

angier去探访borden的时候，也是说了fallon的身份跟alfred的一样低微，法院是不会把抚养权给他的。不知道你哪儿来的borden很有钱一说。.......

引用babyrayfly:

ANGIER死前说的话就是他的目的，他就是追求人们看到他的魔法时脸上不可思议的表情。记得他妻子葬礼时，老头的悼词吗：“那就象回家的感觉。”

所以，他选择了淹死自己。ONCE A DAY。

但老头后面也鄙视他了，所以告诉他：“记得我告诉你那是回家的感觉吗，我是骗你的。其实他告诉我：那种感觉无比痛苦。”然后ANGIER脸就扭曲了。

整部PRESTIGE象这种语言上的 LITTLE TRICKS数不胜数。类似：“你爱不爱我？”“今天不”；“牺牲，越大的牺牲才能表演出别人不能表演出的东西”等等等等。是值得第二次看的电影，也是全片是一大亮点。

引用随你叫咯:

感觉LZ太过于注重结构和形势，而忽略了真正重要的东西，觉得片中的trick都太明显，太老套，觉得编导把你当笨蛋。其实编导埋了这么多伏笔，并不是想要忽悠你，不是为了最后告诉你“哈哈～其实他们是双胞胎，惊讶吧？”做铺垫而已，更重要的是要告诉你“其实他们是双胞胎，现在你体会到他们的牺牲有多大，有多痛苦了么？”

lz觉得去掉这些并不精彩的trick以后这片子就没什么了，我倒不这么觉得，就像中国老头的trick一样，重点并不在于他能凭空变出鱼缸来这个并不十分精彩的trick，而是他为了这个trick所付出的代价。这部片子也一样，trick并不是重点，去掉了trick反而是这片子的精彩所在：angier的眼中(也是我们眼中)borden看似美好的生活，其实每一天都是煎熬，每一天都承受着爱自己不爱的人或不能爱自己爱的人的痛苦。

The secret impresses no one. The trick you use it for is everything。

回过头看borden说的这句话觉得挺讽刺的～这部戏真正impresses我的正是The secret，而不是trick～

引用lyzcl:

发明复制机的tesler是个讲究诚信的科学狂人，当他发现自己发明的机器可以复制而不是更有科学依据的传送，他的建议是毁掉这台机器。要不是对客户诚信，他自己就把机器毁了。所以，他是不会用来复制金钱的。况且，他要是复制了足够的金砖带走，也未可知呀。

使用复制机的angier是个不缺钱的魔术狂人，他自己原来的身份是公爵，为了不辱没门庭改头换面。他有的是钱，所以不会用复制机造钱。他用复制机唯一的目的就是要胜过对手。得偿所愿后，他向cutter保证，不再使用该机器。

这个机器的设定很好，富有想像力，对突出angier的悲剧性具有关键作用，而且并不显得突兀。比魔术师里莫名其妙的招魂术要高明。

引用googoofox:

首先angier要求限量演说一百场，就是为了吸引borden入全套。魔术师一般都会去后台看同行。（borden对olivia也说过，他乡知道的话也可以去穿后台看），当然魔术师还是更愿意先用自己脑子想出来。书里borden第一次看到angier的魔术时候，脑子里是飞转怎么作到的，分析了一大堆。所以最后实在想不出，在最后一场，熬不住了，去了。

在台下的时候，borden看见angier捆在水柜里，又叫又砍的，已经很大动静了，有一个片断是丛台上角度拍，你能隐约听见舞台下面borden在吼，（看电影要观察仔细啊， 导演已经让你开篇注意看了，怎么还不仔细看：））善良的cutter，也是闻声从前台跑道后台捉到了borden，实际等于angier为了复仇利用了cutter。作为prestige的angier一直怀者复仇的目的，他听到台底下乱哄哄，就知道自己的目的终于达到了，所以他就不显形了。所以片子交代了。

关于angier猜观众手上魔术，和alley跟他玩猜怀表，没有仔细交代，是因为这部片子不是魔术解密大全，没必要交代。为什么要交代？不过alley掏表的时候，我倒是听到叮当声了， 换了我也估计出来了。

闲谈《致命魔术》背后的电学斗争

来自: 思考的猫 (北京)

The Prestige的评论

　　 美国电影《致命魔术》自从上映以来，称不上好评如潮，也是叫好连连，这里不再详谈该片了，只是从个人爱好角度谈谈该片背后的电学斗争背景，权当好玩。

　　 应该说，本片一个意外影响便是让特斯拉（Tesla）这一电学天才重新浮出水面，他绝对是一个天才人物，来自塞尔维亚，童年时即是数学和物理学神童，当时的电学尚属新兴科学，但是已经深深吸引着他。他是一位典型的带着梦想家气质的发明家，在他的一生中，他以惊人的想象力和疯狂的干劲创造了一项又一项电力发明，而其中虽然有很多没有具体的商业应用或者根本不具商业可行性，但是却充分展示了他在这方面的才华。在片中，特斯拉也被渲染成一个充满神秘色彩的人物，而Angier前去寻找特斯拉时，那座实验室也在历史上是存在的，而且非常著名，他在该实验室长期研究的一个问题即是电力输送问题，特别是无线的能量传送问题，这也成了《致命魔术》中那台神秘机器当时的技术背景。而当时的特斯拉也正处于事业高峰，但是灾难突然降临，在1895年3月13日凌晨，他的实验室被一场大火烧毁，所有的实验设备都被烧毁，而那天他没有如平常经常的做的那样彻夜工作，否则可能也命丧火海。所以，我们后来看到Angier一次去找特斯拉时发现一片废墟。这场大火对特斯拉打击非常大，而到了他生命的后期，他也已经到了几乎身无分文的地步，而他的奇思妙想也很难再引起投资人的兴趣，在1943年1月7日，他孤独而又贫困的死去。值得一提的是，特斯拉一生喜爱鸽子，最后陪伴他生命的也是一只白鸽，不知当时，如果他知道变魔术时，作为道具的鸽子会被那样的残杀，是不是当Angier来找他时，立马把那家伙电死了。

　　 从以上描述看来，特斯拉是很厉害的人物，但我看一个帖子中看作者写到说看了《致命魔术》才知道特斯拉如何如何了得，爱迪生跟他比算个P。我只能感叹现在的人实在容易极端化，听到东边有动静就往东边猛冲，听到西边有动静，立马掉头飞奔。特斯拉是伟大的电学奇才，但是也不要夸大了他，而另一个人物爱迪生却也是那个时代的风云人物。在《致命魔术》中提到了爱迪生的名字，而且暗示了他与特斯拉处于竞争关系。这就涉及当时的直流电和交流电之争的背景了，实际上爱迪生非常看重特斯拉，曾经亲切的称之为“我们的巴黎小伙子”（特斯拉成名于巴黎），但是爱迪生尽管为电学的发展，特别是早期直流电应用的普及做出突出贡献，却也有固执之处，比如他坚决的反对交流电即使最突出的一例。而特斯拉恰恰在交流电领域做出了突出贡献，这样，交锋即不可避免了。但是，真正站在交流电阵营与爱迪生交锋的实际上不是特斯拉，特斯拉是一位发明家，却不是一个善于将之应用于商业的人，而这点上爱迪生正显示了充分的才能。于是，另一个人物出现了，这个人物在《致命魔术》中甚至名字都没提一句，他就是威斯汀豪斯，当时将交流电大力推向商业应用的传奇商人，他有着钢铁般的意志，同时对手下的发明家又分外慷慨，比如特斯拉便收到了丰厚的报酬。爱迪生和威斯汀豪斯之争在当时可谓激烈无比，双方上得了台面的手段和下三滥的手段都使了出来。当然，最后，交流电一方取得了胜利，人类电学领域的发展也进入了新的时代。

　　 尽管爱迪生在交流电和直流电之争中显得固执，但是，当“死敌”特斯拉的实验室在前面提到的那场大火中被烧毁时，他竟然接纳了特斯拉在他著名的西橙郡实验室建立临时的工作室，或许这就叫做惺惺相惜吧。而爱迪生和威斯汀豪斯在商业上最后都不太顺利，就爱迪生这边来说，当时，巨头中的巨头――摩根将他的爱迪生通用和汤姆森－休斯顿电气合并成通用电气，而摩根这么做时甚至懒得通知他一声，爱迪生也绝望的说“人们将永远忘掉我的名字，忘掉我和电之间的任何联系。”。当然，今天大家看到人们弹起通用电气时总是很自豪的提起爱迪生，不知他泉下得知他心中的悲哀竟被后人称为他的伟大成就时，心中作何感想。而威斯汀豪斯与之类似，在与资本的搏斗中败下阵来，渐渐失去对公司的控制力，最终公司破产。

　　 这就是《致命魔术》当时的一些背景，如果从这个角度看这部电影，就会发现一些好玩的东西了。我不知道魔术是否有传统魔术和现代魔术这类的分法，但是，我们看到，在片中最初的魔术都是采用如机械装置等手段进行创作，靠的是思维的力量，而且严格限定这魔术师的圈子内，不会借助外力。而当Angier去寻找特斯拉时，似乎也表明着一种新的魔术时代的到来，即借助现代科技，其手段也变得更加多样。这让我想起了日本的武士片，经常会出现的一样道具便是火枪，片中常有这样的镜头，一个很强的武士狂砍人，但是突然阵枪响，他悲壮的到地，而这往往有武士时代行将灭亡的象征意义。Angier借助神秘机器的举动也似乎带有类似意味。

　　 最后，向大家推荐一本书《光电帝国――电力发展史上的巨人和他们的战争》，本书详细介绍了那场直流电与交流电之争的精彩故事，本文的资料也多来自于此。

我们每天杀死我们

来自: 云鸟 (杭州)

The Prestige的评论

我想起我中学时代的读过的维多利亚时代晚期一些通俗小说，像福尔摩斯或者凡尔纳的一些作品，在这些工业革命之后的小说里，可以看到许多奇形怪状的机器，因为那时的人们迷信机器就像今天的人们迷信知识；也可以看到和机器对应的许多阴暗的人群以及人群之间的怨愤，我不知是人类天性的憎恶制造了光怪陆离的机器，还是机器的触手异化了人类的灵魂。也许19世纪末20世纪初是人类最疯狂的时代，新兴的科技力量使我们的能力大增，但同时也让我们手足无措，以至于最终导致了人类史上空前的战争。电影中Angier毫不犹豫地杀死自己的复制品，是这种疯狂的一个终极隐喻，也是机器时代人类魔术的难逃宿命。

也许把这部好看的商业片套上这样的一个主题显得不合时宜的夸张，但好玩的电影永远不会排斥解释的多重性，况且Nolan也是一个十足好玩的导演。既然他可以在极精巧的结构下来探讨人类的记忆历史，那么为什么不能更巧妙地谈论人类的“魔术”呢。

魔术需要牺牲。这个牺牲可以是一个真相，一只鸽子，一根手指，一个人，乃至一个人的灵魂。影片一开始的几个小魔术昭示了这一点，一位瘦削的中国魔术师把自己伪装成胖子，一个把小鸟变没的魔术其实是把小鸟压扁。也许儿童的眼睛最锐利纯真，他知道真相，他固执地哭着说小鸟死了，但大人们选择被欺骗，因为在被欺骗时，人们获得快感。影片开头的这个小魔术其实是电影提纲挈领之处，它的作用远远超过展示魔术的一般过程和引出人物，而是在于它创造了一种笼罩全片的比喻和氛围。一种对于牺牲生命和真相的机器的隐喻和一种悲剧氛围。

影片的中段是两个魔术师的互相拆台和矛盾的发展。叙事一向是Nolan的杀手锏，他不会在意时空的跳接会给观影者造成麻烦，他在意的是叙事结构与影片的整体氛围的联系。所以我们不会在蝙蝠侠中看到分段倒接式的叙事，因为蝙蝠侠并不会失忆，蝙蝠侠也不会和观众谈论记忆的边界，同样，蝙蝠侠不是魔术师，他不会走迷宫，所以这种迷宫式的相互叠加式的叙事，和魔术师很般配。当然我也说过这些非常规叙事可以被称为“针尖叙事”，就像针尖上的芭蕾，很好看，很危险，观众很过瘾，导演很嚣张。叙事的终极目的不是让观众明白剧情，而是让观众明白导演想让观众明白的那部分剧情，所以我们“一头雾水，要想想才知道”的这种效果，它可谓完美呈现，因为我们是在看有关魔术的电影，不“一头雾水”，怎么行？

其实中段之后结局已经隐隐可见。两败俱伤似乎可以预见，问题只是他们的终极魔术到底以何种面目呈现，牺牲的又都是什么。复制机的出现使电影的观赏性跃上新境界，而从整体的构想和一开始的隐喻来说，复制机的出现恰好从最极端程度上体现了牺牲和异化。每一次精彩的魔术背后，都是一次光明正大的谋杀——谋杀的是自己，杀人者也是自己，当透骨的冰凉爬上脊背时，留下的那一个在想些什么？机器时代的象征是社会化大生产，在这种生产中，产品被统一的标准约束着，创造者也被统一的标准桎梏着，似乎这整个社会就是一台庞大的复制机，我们每天面对一样的东西，想着一样的事情，吃着一样的快餐，我们杀死着自己，再创造着自己，这样的我们，“魔术”里的我们，牺牲了什么？我不认为这部片子是一部纯粹的娱乐片，可能是它的悲剧感和阴暗色调勾起了20世纪初的惨烈回忆，也可能是今天的社会只是维多利亚时代的升级版，根本的矛盾远未解决，甚至远未被认识到，或者我们宁愿视而不见。就像影片最后一句话：我们选择被愚弄。

影片伏笔大揭露+疑问

来自: 阅风者

The Prestige的评论

WOW，The Prestige，看看名字，就无比吸引人拉！再看看主演，Christian Bale：蝙蝠侠男主角；Hugh Jackman：著名的X-MEN金刚狼呀；cool，他们两个我都挺喜欢。而且，终于是两个男人之间的演技对决了，我也喜欢（PS：我不喜欢男人，只是喜欢看男人主题的电影，振奋人心）。

这部片子没有辜负这个片名，剧情复杂，导演切换来切换去的拍摄手法，也像极了一部魔术。整部片子处处是伏笔，处处是妙招，刚开始让你看着一头雾水，但是随着影片时间的发展，一个一个悬念开始揭露，你的思路也开始慢慢清晰。然而，最大悬念你仍然无法想到，知道影片最后一刻，你才恍然大悟，顿觉整部影片豁然开朗，一切的一切都搞清楚，一个个的伏笔是埋放得那么精彩。

OK，不看别人的影评，自己想想影片中对于最后的谜底揭晓埋设了哪些伏笔：

1、伯登刚开始变小鸟游戏的时候，塞拉的小侄子看出来了两只鸟不是同一只，执着的问：他的哥哥呢？而伯登说：好聪明的孩子。这里影射了他个他哥哥；

2、当伯登第一次去塞拉家的时候，塞拉跟伯登告别。塞拉转个身关门的功夫，伯登就已经在塞拉的房间里了。

3、绳子的伏笔，安吉尔老婆死的之后，安吉尔质问伯登：你到底打的哪个结？伯登却说：我不知道。

4、还是绳子问题，在安吉尔老婆死之前，科特对伯登说：你怎么总是隔几天犯这种错误，以后绝对不许再犯（指打错结）；

5、佛伦第一次出现的时候，塞拉问：我们雇不起他，我会把我的食物分给他一半，我还跟他分享其他东西。

6、接着，塞拉说她怀孕了的时候，伯登的第一反应是：噢，天啊，我们应该告诉佛伦，我们有了个baby！这里的我们其实是指伯登兄弟两，而不是伯登和塞拉。

7、伯登表演接子弹魔术失败了，塞拉给他包扎伤口。伯登的伤口很奇怪，明明没有出血的，可是后来又出血了。

8、伯登每天对塞拉说我爱你时，塞拉说：我觉得你有的时候说的是真的，有的时候说的是假的。

9、同样的一个问题，当伯登和塞拉吵架的时候，塞拉问伯登：你爱我吗？伯登说：今天不爱。这里渐渐暗示出，他们兄弟两每天一个人扮伯登一个人扮佛伦。

10、伯登的女儿跟伯登说，你答应了我今天去动物园玩的，而伯登愣了一下：我说过吗？噢，也许吧。也许今天不行，明天可以。这里又一次的为他两每天交换角色埋下伏笔。

11、伯登跟奥利维拉约会的时候，奥利维拉说总看到佛伦在附近转悠，而伯登却说：你信任我吗？信任我就信任佛伦。

12、伯登被判处绞刑，佛伦最后一次去看他的时候，伯登对他说：对不起，我对不起很多事情，对不起塞拉，我不是有心伤害他的，你要为我们两好好活着。

噢，好累，大概总结了这么多处，不得不说，导演拍得真好。其实片子中还有很多其他事情的伏笔，比如：安吉尔的机器要用瞎子做佣人、安吉尔的瞬间移动有个向下掉的暗门……等等，就不一一列举拉。

至于有朋友认为伯登兄弟也是特斯拉机器复制出来的，我觉得根本不可能，说明这个朋友还没有把片子看懂。借用IRIS列举的几个证据：A，TELSA的出现在FALLON出现之后。B，TELSA的机器原本是打算产生传送，而不是复制。C，双胞胎对Angier的“The Transported Man”的技法的不解。

不过谜底揭开了，我还是有几个疑问：

1、伯登的兄弟在佛伦这个角色出现之前，是以什么角色存在的？

2、同样的错误为什么会犯两遍？两兄弟回去单独在一起的时候，难道不能交流吗？

3、两兄弟小时候是在哪里长大的？难道不是伦敦？否则，不可能从小两兄弟就扮同一个人吧。

4、塞拉说要告诉奥利维拉事情的时候，伯登极力阻止。按逻辑，塞拉应该是知道了伯登跟佛伦是换着做的，既然知道了，为啥不喜欢塞拉的那个还要继续跟塞拉在一起呢？为啥不直接让喜欢塞拉的那个陪塞拉呢？

The Prestige 中的“执着(obsession)”

来自: Cat (广州)

The Prestige的评论

好像有不少人提问为什么Tesla不拿复制机去复制钱，为什么Angier要淹死自己，之类的问题。还记得Tesla关于obsession所说的吗（TLF版字幕翻译为“执着”）？这部电影里的人可以认为都为obsession所困，只有Cutter是清醒和实在的。

obsession可以翻译为“执着”，但显然有一定的贬义，因为这种执着首先强调的是你无法拒绝去想一样东西，你总是想着总是想着，没办法再专心干其他事情。其次，你想着的这个事情通常都是所谓的妄想，根本无法做到的，甚至你自己都清楚这一点，这显然导致所谓的“认知失调”，也就是你的两种认知互相矛盾。

你自己经历过obsession吗？如果你经历过，那么你很容易理解这些人的行为方式。如果你是一个很实在的人，不曾有过obsession，没有过例如患得患失之类的感觉，那就不那么容易理解了。

Tesla到死的时候都是被定为疯癫的物理学家，后来才追加那么多荣誉给他，可见他生时的obsession是多么的强烈——他在做很多常人认为常识之下根本不可能做得到的事情。Tesla发明了交流电相关的很多专利，还是无线电之父。想一下Tesla的那个true magic，无需导线都能点亮的灯泡，现实中的Tesla确实有研究过无线供电，不过电影里假设他已经研究成功。无线电我们已经用上了一个世纪了，然而无线供电却依然没有实现，可以想象无线供电在当时是多么天方夜谭的事情。无线电本来就可以用来赚去足够多的钱，交流电也是。Tesla完全不去赚钱，去研究无线供电，而电影中的版本则是在实现无线供电之后就帮Angier做那机器，事实上是可以理解的，这就是所谓的obsession。

Angier的也是obsession，他相信他所说的“一切魔术皆可复制”，另一方面Borden的魔术他复制不了，这是显然的认知失调。所以无论付出什么代价，他都想要超越Borden，这不是为了超越本身的个人感受，而是不再让自己所相信的“一切魔是皆可复制”受到自己所理解的现实的质疑。这种自己对自己的质疑其实是痛苦的。解释认知失调的常用例子是喜欢吸烟的人也知道吸烟有害，这时候一个人的两种认知——“我喜欢吸烟”和“烟对我身体有害”都无法辩倒对方，这两条都是正确的，这时候就会让人很不爽。而在Angier这个问题上，就不是不爽的程度，而是痛苦。

Angier还有另外一个obsession，就是她妻子死的时候的感觉。还记得他在洗手池憋气的情景吗？他没办法理解淹死到底是好的感觉还是坏的感觉，大多数人的常识，包括他自己憋气的结果，应该都是觉得被淹死是痛苦的事情，然而这时候非常不幸被Cutter说了一句“就像回家的感觉”，这就出事了……这同样是一个认知失调，两种理论都无法证明对方的错误，然而有第三方的办法可以证明，那就是把自己淹死。Angier选择了稍微更相信Cutter的说法，所以Cutter告诉他真相的时候也就再次出事了……

最后，Borden也不幸染上了obsession，这可能与他说过“我就有一个魔术你无法复制”有关，所以才一定要跑去后台看，这最终导致了他的死刑。当然也可能由于他确信自己的牺牲已经足够大，并且他看不出Angier有什么所谓的牺牲，所以他认定Angier做出一个更好的魔术来是不可能的事情。

个人认为，就算这部电影叫做"Obsession of The Prestige"也不过分，因为讲的就是obsession有关的故事。一个魔术，Cutter之所以说常人不能看穿它，是因为不愿意去往能看穿它的方向想，就在于常人都不希望自己是认知失调的，希望自己当前的认知是非常可信的，例如同情心驱动你尽量不去想笼里的鸟被夹死了这个可能。

◎中文　名　风吹稻浪
◎片　　名　The Wind That Shakes The Barley
◎年　　代　2006
◎国　　家　德国/意大利/西班牙/法国/爱尔兰/英国
◎类　　别　剧情/战争
◎语　　言　英语
◎字　　幕　中文
◎IMDB评分 7.5/10 (3,218 votes)
◎IMDB链接 http://us.imdb.com/title/tt0460989/
◎文件格式　RMVB
◎视频尺寸　800x432
◎文件大小　2CD
◎片　　长　127 Mins
◎导　　演　肯·罗奇 Ken Loach
◎主　　演　利亚姆·卡宁汉姆 Liam Cunningham .... Dan (attached)
　　　　　　帕德莱克·德兰尼 Padraic Delaney .... Teddy (attached)
　　　　　　Gerard Kearney .... Dunica (attached)
　　　　　　斯里安·墨菲 Cillian Murphy .... Damien (attached)
　　　　　　威廉·茹安 William Ruane .... Gogan (attached)
　　　　　　Fergus Burke .... Theatre Goer
　　　　　　Máirtín de Cógáin .... Sean
　　　　　　Niall McCarthy .... Extra
　　　　　　Siobhan Mc Sweeney .... Julia

◎分　　级　Ireland:15A / UK:15
◎制作公司　BIM Distribuzione
　　　　　　Bórd Scannán na héireann
　　　　　　EMC Produktion
　　　　　　Element Films
　　　　　　Film Coop
　　　　　　Filmstiftung Nordrhein-Westfalen
　　　　　　Matador Films
◎发行公司　Gateno Films
◎官方网站　N/A
◎预 告 片　http://www.imdb.com/title/tt0460989/trailers

◎简　　介　

获奖情况：第59届戛纳电影节金棕榈奖

剧情简介：
　　故事发生在20世纪初爱尔兰独立运动期间。影片讲述一个孤独的同时带有痞气的男保安，遇到了一个致命的女人，她利用他的轻信和忠诚为自己服务……

　　英国老牌导演肯·洛奇是著名的草根导演，他对英国中下层社会现象的白描电影，部部都可做社会学家的研究资料。该片抒发了对20世 纪初期爱尔兰共和党人的怜悯之情，在英国引起了不小争议。他曾以另一部描写西班牙内战的历史片《土地与自由》(1995)入围戛纳。

　　这一次，洛奇关注的焦点是1922年爱尔兰独立运动期间普通人的生活及内心世界，再次表示出对自发组织起来反抗国外统治的普通人的极大关注。

导演简介：
　　年轻时候的肯·洛奇曾经在牛津大学学习法律，政治上受左派影响，思想十分激进，这一点也反映在他以后的所有影片中。 自1969年他的处女作《KES》在英国一鸣惊人以来，他已经拍摄了16部电影。这些影片都表现出对政治和社会问题的高度关注，有时甚至会表现 出一种强烈狂热至夸张的政治激情，但也反映出他对工人阶级、对社会底层人民的真诚关怀。

　　洛奇的影片通常描写普通人为赢得公正的社会待遇和政治权利所作出的艰难斗争。30年来他始终保持着对现实的敏锐洞察力和深刻反思， 通过不断进行尖锐的针砭时弊和社会批判，倡导着一种无论贫富和地位高低，维护人们的基本尊严的人文思想。他那些大胆而锋利的电影在英 国社会引起了极大反响，并对促进英国的社会政治改革起到了积极作用。

　　在他的影片中，我们可以看到别具一格的视觉风格，自觉求新求变的电影制作理念，还有力图还原生活原貌的写实主义追求。实际上，早 在拉斯·冯提尔掀起DOGMA95运动很久之前，肯·洛奇就已经通过他的影片实践着自然主义的美学原则了。通过使用手提摄影和尽量简洁的镜头 语言，以及避免采用那些非自然化的、在他看来有欺骗性质的电影手法，他的影片呈现出简单朴实却富有力度的风格。这不仅使演员的表演看 起来更加真实，弱化了虚构效果和人工痕迹，也使观众为影片中展现的生命本身和人物关系所吸引。

　　肯·洛奇也是世界各大电影节的常客，他的电影生涯被一连串灿烂夺目的奖杯所点缀。包括：戛纳电影节6次金棕榈大奖提名(不包括本届 戛纳电影节)、4次评委会大奖和3次费比西国际影评人奖；多次英国学院奖提名；1996年《土地与自由》(Land And Freedom)赢得恺撒奖最佳外 语片。1994年，他还获颁了威尼斯电影节终身成就奖。

戛纳受访：
英国激进电影导演肯·罗奇将一段他认为是被贬低了的历史——爱尔兰和其他地区的被英国统治时期——搬上了银屏。

　　做为戛纳电影节的常客，从前罗奇带来的影片是《我的名字是乔》、《甜蜜十六岁》和《土地与自由》,今年他又回来了，带来的是《风吹稻浪》，一部发生在爱尔兰独立战争和之后的内战期间的血腥影片。

　　导演将爱尔兰的战斗与现在的伊拉克战争相提并论。Loach说：“占领军毫无区别地将占领区的人民看作是低他们一等的生物，他们的生命更不值钱，这显然就是当时爱尔兰的情况。而现在，在伊拉克，我们知道那些死去的英国人和美国人的名字，但是我们不知道有多少伊拉克人被杀死了。所以占领区人民生命的价值被认为远远低于占领者生命的价值。我说的这只是一个例子，但是象爱尔兰一样的故事总是在重复发生。”

　　作家Paul Laverty(《甜蜜十六岁》)，Loach多年的合作者，认为《风吹稻浪》描述的是大英帝国血腥历史中的一章。“很显然，大英帝国在很多其他的国家有很多同样的情况，甚至是肯尼亚的五十年代都可以讲述同样的故事；长久以来我和肯对爱尔兰怀有浓厚的兴趣，这里只是帝国的小小一角，但是同样的故事可以在孟加拉、肯尼亚、塔斯马尼亚被讲述”

　　Cillian Murphy在片中扮演一位年轻的爱尔兰医生Damien，Cillian认为影片将会引发辩论，而这是很有好处的。

　　他说：“我认为现在人们应该开始正视我们历史中的那段时期了。这部电影毫无疑问会引发争议，但是这是Ken最拿手的；他让人们坐起来，对问题进行思考、辩论，这确实是一件非常好的事情。

一句话评论：

洛奇热衷于表现自己的思想和社会理想，这值得赞赏，但最后这些却导致了他在艺术上的一种妥协。

——美国《首映杂志》

这肯·洛奇晚期作品中最成功的一部。

——indieWIRE

这部电影的前半部分激动人心，如同我们所期待的那样，以一种政治良知，展示了一场伟大的冒险；后半部分显得有的拖沓，但仍然算得上不错。

——《旧金山日报》

洛奇试图在政治历史和人类良心间取得平衡，尽管在影片的最后政治探讨削弱了被分离的兄弟之间的情感冲击。

——美国《观察家杂志》

这是一部聪明的、表演充分和摄影上美观的电影，充分利用了它所讲述的那个时期的有限资源。但是，在这部影片的背后却留下了这样一个刺人的问题：它告诉了我们什么新东西呢？

——Guardian

幕后制作：

《风吹稻浪》与爱尔兰历史

　　凭借超强实力最终夺取第59届嘎纳电影节金棕榈大奖的《风吹稻浪》，被认为是肯·洛奇晚期最好影片之一。故事背景是上个世纪20年代英国政府与爱尔兰之间的冲突。在这影片中，通过讲述和展现三个普通年轻人的伤痛遭遇，洛奇试图再现爱尔兰人在这一特殊历史阶段的真实经历。

　　影片的故事大致可以概述如下：达米安是爱尔兰一名普普通通的医科大学生，毕业之后，他前往伦敦深造。但是，在爱尔兰独立战争爆发后，他却回到了家乡，与弟弟泰迪、好友丹一起加入了爱尔兰共和军。他们与当时英国政府雇佣的、专门用于镇压爱尔兰共和军的民兵部队“黑与棕”，展开了异常激烈的斗争。由于自由战士的英勇善战，迫使英军答应双方签订一个条约，停止流血牺牲。然而，胜利只是一种表面现象，很快内战爆发，那些曾经肩并肩作战的家族痛苦地发现自己必须面对宣过誓的所谓敌人，这对他们的忠诚是一种残酷的考验。

　　实际上，在这部电影之前，在英国电影中，反映爱尔兰独立斗争的影片已经有很多了，例如，1992年的《哭泣的游戏》和1996年展现爱尔兰志愿军领袖人物迈克·柯林斯传奇一生的《傲气盖天》以及2003年导演格林格拉斯的作品《血腥星期天》等等，这些影片都从不同侧面表现了爱尔兰独立战争的状况。

导演肯·洛奇

　　《风吹稻浪》的导演肯·洛奇，今年已经是70岁高龄了，在是今年的戛纳电影节上算是年纪最大的电影人之一。洛奇被称为英国社会派电影家，他原本毕业于牛津大学法律系，在做了一段时间法律方面的工作之后，因为热衷于电影电视艺术，转而寻求在影视方面的发展机会，于上个世纪60年代他开始从事电视剧制作。也许是因为有法律背景的原因，他所拍摄的一部反映英国无家可归的流浪者的电视记录片《回家吧，凯西》，在英国引起了巨大的反响，并且对英国政府最终修改住房方面的法律产生了十分重要的影响。

　　后来，肯·洛奇又投身于电影行业，拍摄了《自由之地》、《卡拉之歌》等许多非常重要影片，逐步树立了他在国际影坛上的辉煌地位。作为关心现实社会问题的导演之一，肯·洛奇也是戛纳电影节的常客，曾经十多次携带影片来到戛纳参赛或参展，并分别在1990年和1993年获得过戛纳的评委会特别奖。

　　肯·洛奇认为，爱尔兰等地区被英国统治时期的这段历史一直在被贬低。尽管此前反映爱尔兰独立斗争的影片已经很多，但是在这个当口推出这部影片，肯·洛奇试图把爱尔兰独立战斗的历史与现在的伊拉克战争相提并论，试图激发人们重现想象战争带给人们的心灵创伤。

这是一部“反英电影”吗？

　　在《风吹稻浪》中，亲英的哥哥达米安（墨菲饰）为祖国不惜放弃医生的职业前途，弟弟却全身心投入革命与英国入侵者作战，战争让这对兄弟付出了扼杀亲情的代价。有一种观点认为，《风吹稻浪》是一部“反英电影”。对于这个说法，洛奇表示，“我不愿称之为一部‘反英电影’，我希望人们能抛开国别问题看待这对兄弟的关系。影片讲的并不是‘侵略’，英爱两国有很多共同点，关系就像这对兄弟一样特殊。我们有责任批判过去祖国犯下的历史错误，这与爱国并不矛盾，这是我们不容忽视的义务。”

的确，任何国家的任何一段历史总是会引起争议。毕竟，人们如今的观点是由过去的史实决定的。90多年前发生的那些事，直到今天还留有痕迹。英国与爱尔兰之间的宗派屠杀与暴力事件依然存在，这些都可看作是英爱条约的“后遗症”。影片在爱尔兰以外的地方并不会引起太大的争议。

在问到支持爱英双方那一边时，肯·洛奇如是说：那要看你如何定义“叛乱”，以及你观念中身为英国的“责任”是什么。如果是政府方面来看，也许电影的确会引起争议。而我的态度，可以援引一位编剧说过的话来表达：“我的国家就是世界，我的信仰就是要行善。”

肯·洛奇认为电影不应该是一种政治宣传的武器，它只是一种开放性的提问。战争中，任何参与其中的军队都做过一些可怕的事。他认为不能刻意回避事实，以一种非现实主义手法为英国说话，那样就太令人奇怪了。

　　无论怎样有什么说法，这部电影都应该算是反映爱尔兰独立战争的影片中较好的一部之一。

花絮：

·年轻时候的肯·洛奇曾经在牛津大学学习法律，政治上受左派影响，思想十分激进，这一点也反映在他以后的所有影片中。 自1969年他的处女作《KES》在英国一鸣惊人以来，他已经拍摄了16部电影。这些影片都表现出对政治和社会问题的高度关注，有时甚至会表现 出一种强烈狂热至夸张的政治激情，但也反映出他对工人阶级、对社会底层人民的真诚关怀。

·肯·洛奇也是世界各大电影节的常客，他的电影生涯被一连串灿烂夺目的奖杯所点缀。包括：戛纳电影节6次金棕榈大奖提名(不包括本届 戛纳电影节)、4次评委会大奖和3次费比西国际影评人奖；多次英国学院奖提名；1996年《土地与自由》(Land And Freedom)赢得恺撒奖最佳外 语片。1994年，他还获颁了威尼斯电影节终身成就奖。

·洛奇的影片通常描写普通人为赢得公正的社会待遇和政治权利所作出的艰难斗争。30年来他始终保持着对现实的敏锐洞察力和深刻反思， 通过不断进行尖锐的针砭时弊和社会批判，倡导着一种无论贫富和地位高低，维护人们的基本尊严的人文思想。他那些大胆而锋利的电影在英国社会引起了极大反响，并对促进英国的社会政治改革起到了积极作用。

·在他的影片中，我们可以看到别具一格的视觉风格，自觉求新求变的电影制作理念，还有力图还原生活原貌的写实主义追求。实际上，早 在拉斯·冯提尔掀起DOGMA95运动很久之前，肯·洛奇就已经通过他的影片实践着自然主义的美学原则了。通过使用手提摄影和尽量简洁的镜头语言，以及避免采用那些非自然化的、在他看来有欺骗性质的电影手法，他的影片呈现出简单朴实却富有力度的风格。这不仅使演员的表演看起来更加真实，弱化了虚构效果和人工痕迹，也使观众为影片中展现的生命本身和人物关系所吸引。

精彩对白：

PAT: 'We've got to show these bastards... drive them out.'

帕特：我们已经认识了这些狗娘养的……要把他们赶出去。

DAMIEN: 'How many British soldiers in this country?'

达米安：这块土地上有多少英国士兵？

TIM: 'Too many...'

提姆：太多了……

TEDDY: 'About eight thousand'

泰迪：大约八千……

DAMIEN: 'Tans?'

达米安：棕呢？

TEDDY: 'Over a thousand...'

泰迪：超过一千……

DAMIEN: 'And machine gun corps, cavalry, artillery units, police...'

达米安：还有机关枪部队，骑兵，炮兵，警察……

TEDDY: 'And many more besides. What's your point?'

泰迪：还有很多。你怎么想？

DAMIEN: 'So what are you going to do? Take on the British Empire with a hurley...

stun the bastards one by one?!'

达米安：你能怎么？用球棒把英帝国干掉……把那些狗娘养的一个一个打晕！

《风吹稻浪》：神可会眷顾坚持的人？ 影评

影里影外

导演肯·罗奇这部电影在得了金棕榈之后，英国国内的大小报刊几乎是一致的认为这是一部‘给英国抹黑的叛国电影’，因为电影讲的是上世纪初爱尔兰反抗英格兰的‘爱尔兰独立运动’。面对舆论的批判，而导演自然要难抑怒气地出来反驳以《太阳报》为首的各个报刊一番，并说道，比起现实里发生的，这部电影已经是处理得非常平和了。说得那个绵里藏针。不过也好，戛纳得奖及导演国内一面倒的舆论，使得《风吹稻浪》在公映前便吸引了足够的眼光。但这个导演有意思的言论还不止于此，在接受电视台访问时，他把爱尔兰的战斗与现在的伊拉克战争相提并论，并强调，‘占领军毫无区别地将占领区的人民看作是低他们一等的生物，他们的生命更不值钱，这显然就是当时爱尔兰的情况。’给他这个话一出街，在爱尔兰人心中神圣的‘爱尔兰独立运动’便变得不伦不类了，这下轮到他们也不干了。这导演真是没事找气受的典型。

无论导演或是英国媒介的言论，都各有着其不能摆脱的立场；而这《风吹稻浪》本身却是一部对战争反思的电影，在时近两个小时的电影里，电影所表达的是一个无法罢休一直在重复着的抗争。如电影里在刚开始时本来是要远离故乡去伦敦当医生的男主角般，本来无心加入‘爱尔兰共和党’、卷入‘为自由而战’这场永无休止的抗争，但当他加入之后，一切都由不得他来做决定了。‘为自由而战’这个远大得令人目眩的目标，便由此葬送了他及亲人们的一辈子。导演在现实里或许正如电影这个由哥哥亲手处决的男主角般，为某一立场、坚持一生；但在内心深处却是早已厌烦了这套总是不停重复着的立场游戏，奈何已没有退出的可能。在《风吹稻浪》里男主角在死前写给女友的遗书里所表达的厌倦，更像是导演本人的心声。

年过古稀的导演并不是第一次得到戛纳的奖项，之前的六入戛纳也不是次次都空手而归。早在1990年便以《致命档案》获得评审团奖，讲述英国军对北爱尔兰自治区实行“杀无赦”政策的《致命档案》比起《风吹稻浪》更为强硬。也是因为导演这一贯来政治立场上的态度，一直号称与政治无关的戛纳时至今日才把那几片金叶子颁给了他。而他这部电影能拿到金棕榈，在没看到电影之前大家都揣测着是否戛纳电影节又在走04年颁奖给《华氏911》的路线，用争议来吸引大家对电影节的关注。但在看完之后，觉得这部电影能得奖确实是实至名归，抛开电影内外林林总总的无相关的立场纷争，电影本身在各项上已做得无可挑剔几近完美。无论从别具用心的摄影色彩，剧情安排，低缓哀婉的爱尔兰音乐，在这几样里就算只有一项做到了现在的水平，这部电影已可以算是一部上好的电影了，更何况现在是每一样都做得今人惊讶的美妙。

绿浪翻腾

在电影开场时正在这群爱尔兰年轻人在草地上玩着爱尔兰曲棍球，在这个开场里则可以看到在这部电影里从头至尾，几乎每一帧画像都醒目突出着的东西：绿色。对，就是绿色。 如果把这部电影各个图像一帧一帧的分离出来，可以看出由绿色占去画面大部分的图像要居九成以上。就算是在黑夜里，导演仍是要在显眼处突出绿色的存在。而绿色正是爱尔兰共和党所承认的国旗颜色。虽然这个做法难免令人对导演的居心侧目，但正是导演这种执着的刻意而为，绿色在影片里几乎成为一种整体情感的转载，成为电影里无处不在的信念。如果抛下民族观念的立场，这个在电影里随着剧情而变化着的绿色更像是‘活着’‘存在’的物质表现；虽然在电影里它占去了百分之七十以上的空间，但我们在观看时却十分容易忽视了这个一直无所不在的事物，当导演在电影里几处把这个颜色淡化至差不多消失时，我们才会忽然觉得失去了些什么。

宛如信念，这个颜色在电影里面对‘背叛’及‘抉择’而模糊淡化时，这时正是导演对这种执着的迷惑与犹豫。主角达米安一众人在加入共和党接受了他哥哥的军事训练之后，在镇上剌杀了四名英国军官。于是英军便对这个小镇展开了搜捕。在英国军队的搜捕下，其中一名年仅十七岁的成员因在慌乱中被看出倪端，也因慌乱而招供出其它人的藏身之处，导致这个镇上的共和党成员在晚上给英军一窝揣。当这些人在狱里受尽折磨全部人都快没命时，一名身为爱尔兰人的狱卒于心不忍，放出这一伙人，但因时间关系无法全部救出。众共和党成员在出狱后的第一件事便是对叛徒的处理，那个十七岁的小成员及他的老板都成了爱尔兰共和党的叛徒，必须处决。在一众人带着这两个‘叛徒’走在去刑场的路上时，在电影里一直鲜明显眼的绿色在这路上尘雾里变得模糊难认，在这尘雾里看不清颜色、也看不清路上在走着的是谁与谁。在我们的眼里，这个将被处决、十七岁的小孩子没做错什么，他也不具有承受让人拷问的心理素质。但他的所做确实是‘背叛’了这伙人。身为这伙新人头目的达米安亲手处决了这个他从小相处至今的伙伴。由此以后，镜头里的绿色便不再纯粹。

英国政府在这伙爱尔兰人反抗得正在热潮上时宣布双方休战，条件就是爱尔兰成为英国的殖民地。休战对大家都好，但是因‘殖民地’这个称号，对这群坚持着‘自由则是天空飘扬着绿色旗帜’的人而言，这不是他们所追求的目的。而在电影里对‘绿色’莫大的讽刺则在爱尔兰政府承认自己是英国殖民地之后、一直是达米安偶像的哥哥加入政府军队后的那一身绿军装，当他们看到一直是精神领袖的头目，居然已弃自己而去，而他身上穿着的那身绿色制服无疑是对他们一直来引为‘自由颜色’的背叛。在电影里达米安他哥哥穿着这身绿色在公路上出现时，与他们之前押着‘叛徒’前去处决时那一幕相同：在尘雾及地面蒸汽里，绿色模糊得几乎似不在画面里存在。

导演完全是用毫不犹豫的态度地让绿色成为电影里的无处不在的主角。而电影里的这抹绿色，正是爱尔兰民族的图腾。

传唱至今

《风吹稻浪》在电影之前，是一首爱尔兰民谣的名字。大意是说，爱人已死，周围布满他国束缚的链锁，但歌者仍在追求着那片幽谷里大风正吹着的麦地。在电影开始时达米安女友西娜德弟弟死在英军手里时，他的母亲则在灵前唱起了这首哀婉悱恻的歌曲。耻辱因为歌谣的传唱而成为一种信念。在这部电影之前，《大河之舞》里的爱尔兰舞者已让观众感觉到爱尔兰人身上至今仍没脱离的原始节奏。在《风吹稻浪》里，穿透晨雾的民谣清唱与由身体撞击其它物体发出的煸动性节奏是这个民族一直未曾放下的武器，宛如把流离几千年的犹太人凝在一起的宗教力量般，爱尔兰人则用歌谣与舞蹈把独立自由的信念承传下来。这也可以理解导演为什么要用这首歌谣做为电影的名字。‘音乐风格变了，一个国家的基本法也会变了。’如柏拉图所说，相信导演也是深信这句话。这首记录着爱尔兰独立运动民众心声的歌谣，导演刻意的由一部电影来烘托它，相信更多是源于对正沉迷在流行音乐强横机器式节奏里爱尔兰青年的忧患，年过七十的导演，他在坚持着的东西在今天正迅速流失着，由歌谣与舞蹈形成的凝聚力仍未改变，但是现在凝聚起年青人的却已不再是那时的民谣与舞蹈。音乐风格变了，一个民族的特质也变了。地球村啊地球村。

电影里母亲在死去的米竭尔灵前唱着的歌，导演的剪辑非常有意思，往往积蓄已久的仇恨在爆发时的导火索总是些不起眼的事情，由母亲清唱着这首歌谣时电影室内双机位拍摄的镜头静静地看着各个守在灵前的人，音乐在此时的功能性表露无遗，此时母亲的歌声，比起任何演讲更具煸动力；人声的清唱在此时宛如仇恨的钥匙、穿透灵魂打开仇恨的潘多拉盒子，歌声把站在同伴灵前的青年人凝聚了起来，就算他们本来各有前程。

但在这部电影里，导演并不是单单只是讲英军在爱尔兰岛上的行为。在电影前一段发生的英军对付爱尔兰人的行为，在后半段英与爱签下休战协议之后，也同样发生在爱尔兰的政府军对付仍在争取着国家独立的人们身上。在前一段里，英军对着手无寸铁的平民大吼大叫，稍有不满则立即行刑。西娜德的弟弟米竭尔正是因为其不满的情绪而被英军在他母亲面亲活活打死。在英军多次对独立运动人员搜捕的行动里，西娜德的头发给英军剪光了，屋子给烧了，被迫与她的母亲及祖母住进弟弟给打死的鸡圈里。但是这些并没有随着政府签下休战协议及英军的撤离而停止，独立运动仍在继续，他们要的是真正在独立及一面属于自己的绿色旗帜。当独立运动成员与政府军发生冲突之后，政府军队在搜捕他们时对待平民的态度语气与之前的英军如出一辙。西娜德的母亲哭着对这些之前是独立运动成员的军人喊道，我收留过你，煮过饭给你吃……

当独立运动的头目达米安给已是政府军的哥哥捉入监狱时，和当时英军关他与哥哥的监狱同一间，仍是那个监房，仍是这些门窗，但达米安已没有了当时激情。在上次进入这个监狱时，他与他的弟兄们用皮鞋，用手掌，敲击着响彻云天的节奏，唱着歌谣迎接受刑归来的同伙。但这一次，已是达米安一人坐在了这个监房里，身边不再有其它的兄弟。接受同化还是继续坚持？达米安选择了继续坚持。宛如这首名叫《风吹稻浪》的歌谣般，无需伴奏，只要有人肯唱，它就会流传下去。

结语

像这样无时不让人知晓他在坚持着某样事物的导演是值得尊敬的人，在全球在迅速同化的现在，能为自己民族一些特质在坚持着的人宛如冲向大风车的傻子般，可敬可悲又有点可笑。这部得了金叶子的电影能否为导演多宣扬他的民族荣耀是一回事，但明显的是，这首与电影同名的歌谣的凝聚力及绿色旗帜的梦想，都已是水中月雾中花，说说则罢。

《风吹稻浪》－－一个理想主义者的灭亡 影评

我们需要一个参与者来讲述那动荡年代的故事，就戴米恩吧，但或者他并不想这样，就像他说的，“我从没想卷进这场战争”。的确，戴米恩大概如很多爱尔兰人一样基本习惯了听说英国人对于爱尔兰人的欺凌，改变不了世界，大可以改变自己的世界。但在那个欢闹着打完曲棍球的下午，一队英国兵匆匆的来了，又匆匆的去了，而一个年轻的生命却结束了，原因仅仅是他不愿意用英语回答他的名字，英国人殴打着这个倔犟的爱尔兰小伙子，他的母亲只能在旁边怯懦又痛苦的说，“他叫米哈奥沙利文，他叫米哈奥沙利文……”，戴米恩也只能大叫，“他才17岁，他什么犯法的也没干”。失去朋友让他对于自己的以后犹豫了，而在火车站再次看到英国人的横行时，他选择留在爱尔兰，“我庄严发誓，将竭尽所能，支持和保卫爱尔兰共和国政府，也就是爱尔兰下议院，抵抗一切国内国外的敌人”。

　　此时的年轻人们有着一个亟待达成的目标，为了民族的独立、自由以及平等，一切在这个目标的向心力下有着强而有力的凝聚力。但更为关键的是他们忽视了确定他们所要拥护的，也就是他们是为了那个阶级而战斗的。戴米恩在监狱里和丹深情的背诵康纳利的演讲，“即使你明天赶走了英国军队，在都柏林城堡升起绿色旗帜，除非你建立一个社会主义共和国，你的一切努力都将化为乌有，而英格兰还将统治你，凭借他的地主、资本家和财团。”而他的哥哥泰迪，也就是这队人的首领，却在之后下议院认可的法庭第一次判决后，将被判关起来的人放走，因为他是地主、资本家，他有钱来提供给泰迪他们枪支。分歧开始显露，并为以后的悲剧埋下伏笔。当戴米恩痛苦的打死因害怕而出卖他们的克里斯雷利时，他知道他必须要一直走下去了。

　　当革命终于似乎是胜利了，欢庆之后，戴米恩们发现那些曾经领导他们，影响他们的人们却在向英国人妥协，期望中的社会主义共和国并不会到来，似乎只是大街上的棕狗子变成了绿狗子。“虽然有几个可敬的例外，但整个天主教会有一次站到了富人一边”。矛盾彻底激化，戴米恩们想建立一个拥护无产阶级的社会主义共和国，而泰迪们似乎更原意在独立之后维持富人们的统治，戴米恩和泰迪的矛盾直接体现了两个阶级的矛盾。当一切不得不再用武力来解决的时候，丹死掉了，戴米恩也被关进那个在英国人统治时，大家一起坐过的监狱。“你很容易知道自己反对的是什么，可是却很难知道自己追求的是什么”。法国有个叫让保罗萨特的亦说过，“任何人都是通过对他来说不能的可能性的总和，即通过一种多少被堵塞的未来，来否定的确定自己。”所谓的英雄们在自己的豪言壮志里溺水，戴米恩却在不自觉里更加坚定的坚持自己的理想。当戴米恩决然明白这些的时候，出现在导演镜头下的似乎是所谓的轮回，抑或宿命，曾经的执刑者变成了受刑者，一样的结局，但却是不一样的原因，克里斯雷利因出卖同志而被戴米恩打死，戴米恩却是因为不肯出卖同志而要被泰迪打死。但对于克里斯的母亲和戴米恩的女友辛妮，那句痛苦的“我再也不想看到你了。”却饱含着一样的情感。

　　马克思说过无产阶级具有最彻底的革命性，但当无产阶级终于通过革命成为了有产阶级呢。泰迪们赶走英国人是为了自己成为统治者，孩子们依然挨饿。那么要是戴米恩们胜利了呢，那些关过泰迪，关过戴米恩的监狱又将为谁准备，谁又会成为施刑者，谁又将会是受刑者呢。而真正的历史是这样写的：

　　1919年，大多数于1918年大选中当选的爱尔兰议员拒绝在英国下议院任职，他们自行组成了爱尔兰众议院，并于1919年1月以独立的“爱尔兰共和国”的名义发布了单方独立宣言。当时，爱尔兰没有得到国际上的承认，但在英爱战争（亦称爱尔兰独立战争）后，英爱双方代表达成英爱条约，予以爱尔兰合法的自治权，即自治领地位。爱尔兰成立爱尔兰自由邦，领土包括爱尔兰全岛，但条约允许北方六郡（即北爱尔兰）不参加爱尔兰自由邦。爱尔兰自由邦宪法同时规定，爱尔兰为君主立宪制，爱尔兰国王由英国国王兼任，同时设立总督职位，议会实行两院制，成立“行政委员会”（即内阁），设立行政委员会主席职务。

　　1937年12月19日爱尔兰采用了新的爱尔兰宪法，将国名正式定为“爱尔兰”，设立爱尔兰总统职位，但国王继续根据成文法在国际上为爱尔兰国的象征。1949年4月1日通过的爱尔兰共和国法案最终废除君主制，将国王职权全部交予总统，爱尔兰成为共和国。

　　爱尔兰于1949年4月宣布成立共和国之后，自动退出了英联邦。（英联邦于1950年才更改规则，允许印度以共和国的身份留在英联邦之内。）虽然爱尔兰并没有重新申请加入英联邦，但是它保留了许多成员国的权利，如：爱尔兰公民在英国享有所有英国公民权利，包括参选英国国内选举和参加英国军队的权利。

　　谁对了？谁又错了？在历史的浩淼长河里，戴米恩毕竟显得微不足道，爱尔兰终究还是绿色的。

　　导演肯洛奇用现实主义手法，以小人物的经历展现大时代的变革，情节设置得当，使得影片无论是艺术性还是娱乐性都有颇高的可看性。

洞.剪刀边缘.风吹稻浪 影评

吃了许多火锅和年糕，消灭了许多薯片和开心果，放了许多鞭炮和烟花，下了许多的雨打了许多天伞，看了许多碟片和杂书，春节就这样过去了。很希望能够一直停留在春节阶段，每天吃吃喝喝串门看碟，跟地中海上那小岛上不知岛外何年何月的生活般，只有现在，只需享受现在，不用考虑未来。

洞

此片是PB的爷爷，一群罪犯借着监狱工作设计越狱，挖地道，找出路，跟PB如出一辙。只不过PB二十多集，一集集慢慢来，人物形象感情都刻画的很细腻，有许多的节外生枝，而洞则精练许多，没有多余的煽情，黑白画面里透着冷竣的意味。洞里没有PB里坏到底的狱警，里面的狱警都富有同情心，也许在50年前，人们都对世界抱着美好的想法，即使物质没有那么丰富。不想现在，每部监狱电影里都有一个让人恨不得咬他一口的坏狱警。只是结局比较黑色，不过很符合人性，人就是这么的，损人利己，为了自己的前途，朋友算什么，更何况是监狱里相处若干月的狱友。人类社会的进步就是充满了血腥阴谋和背叛的经过。

如果要说，洞比PB好看，我一定不同意，我是坚定的PB第一季粉，但洞有其特别的味道，是PB所不能比的。

剪刀边缘

这是一部自传体小说改编的电影，一个小男孩有一个有妄想症的母亲，每天幻想自己是声明远播的诗人，每天为自己灵感无法喷薄而出而烦恼。这位母亲为了治疗自己，找了一个很古怪的心理医生，结果病情越来越严重，还把孩子监护权交给了古怪的医生。这是一个非常奇特的故事，跟做梦一般的奇特，但更奇特的是这个故事居然是真的，片子尾巴在字幕出来了以后出现了片中人物的命运，大大的增加了片子的真实感，让我们在梦幻一把之余，不得不感叹，这世界上真是什么人都有啊。

不知道该评论安妮特贝宁所扮演的母亲，你可以说她自私不管小孩，宁可跟自己的同性女友厮混也不管儿子，是个不称职的母亲。但她虽然的确很不称职，可她却是一个病人，你又能要求她什么？只能怪那小孩命不好，长在这么一个不正常的家庭里头。不过幸好，这小孩歪打正着的成才了，且非常非常坚强。美国社会是不是太富裕了，以至于怪人怪事这么多。也许这就是生活过于优渥的富贵病吧。

格温妮丝帕特罗在此片里演一个性格古怪的老处女，只是一个小小的配角，竟然能请动奥斯卡影后，也看得出此片的魅力之大了。此片里怪人十分十分的多，每个角色都很有个性，也许是因为源于真实生活的缘故，这些人都显得即夸张又栩栩如生。这是一部非常特别充满了冷幽默的电影，看多了苞米花电影，换换真实生活瞅瞅也是很不错的选择。

风吹稻浪

这是一部很感动人的电影，朴实的讲述了一个充满坚定信念的革命者的悲剧故事，这个故事会让许多人忍不住流泪或忍住不流泪。电影里的男人们唱着爱尔兰民谣，伴着爱尔兰的葱葱乡野风光，一切都该是美好而宁静的，只是压迫和政治让他们失去了这一切。

政治很容易成为巨大的理想，有无数人为之牺牲，我很钦佩这些为了理想而牺牲一切的革命者，但在钦佩之余觉得有一点点的无谓，尤其是为了阶级斗争而牺牲的那些革命者。戴米恩和泰迪最后的分裂正是阶级利益的分裂，他们各自选择了自己认为是正确的道路，很难说谁对谁错，一切都是政治。电影里有一个情节呼应设计的很好，戴米恩的死和克里斯的死。一个是叛徒，一个是烈士；一个因为懦弱被杀，一个因为勇敢被杀；也许两个人的死从政治上来说，有着决然不同的意义，可是对于他们的家人来说，他们却是一样的。他们的家人对着凶手说出了一样的，家人的悲伤并不会因为死者政治立场的不同而有丝毫的加强或减弱。如果没有选择政治，他们也许都会是一个好人，过着简单快乐的日子，可惜他们选择了政治，于是一切都无可挽回。政治是男人的游戏。我向来厌恶一切政治，但我钦佩那些为了政治理想肯牺牲自己的勇士，不管他的选择是对或是错。

看完这类电影，我常常会感觉到这世界很大，重要的事情很多，不仅仅是眼皮子底下那些鸡皮蒜毛的烦心事。不过，看一部如此震撼人心的电影，我却得出如此结论，实在也很辜负导演的一片苦心。

《风吹稻浪》——生命诚可贵

作者：一一

居然在看完电影以后很难写下一个题目，在我看过的电影里很少有这样的情绪。就象面对一个很久没有见面的生死之交，一肚子想说的话却根本不知道从哪里开始。曾经从网上下载这部电影，也曾经不至一次问胖哥这部电影到了，然后，在上次的大采购中把碟带回了家，但一直没有看。看一部电影也许要选择一个好的时机，选择一个合适的心情，然后慢慢的品味，让电影的滋味进入到自己的骨髓，这样是另外一种看电影的方式，我想，今晚与《风吹稻浪》的相遇就有这样的味道。

刚刚从丽江回来的我，正对丽江已经成为一个装着都市文化的空壳而渭叹，为这样一座古城今天成了城市游客的休闲地和大市场而惋惜。和丽江的阿丹谈论着就在几公里以外的贫困学校连灯都没有，窗户连玻璃都没有。不知不觉中，我们成了进入丽江的蛀虫，不知不觉中我们无视身边的饥饿和贫穷，我们还在樱花屋寻找艳遇，麻木地享受着酒精和苛尔朦的刺激，我们失去了什么？失去了理想，也失去了坚持。

《风吹稻浪》讲什么呢？也许也是讲信念吧。其实，那一群爱尔兰小伙子只是希望能够有一起打曲棍球的机会，电影就是从曲棍球开始的。他们是如此纯朴的一个民族，在曲棍球比赛的时候，他们暂时忘记了此时此刻英国人还在统治自己，忘记了英国军队欺压自己的痛苦，他们的笑声很爽朗，可以听见快乐的心跳。但是，欢乐是如此短暂，因为被殖民的民族是没有人身自由的，死亡就在身边，生命如此低贱。准备去伦敦工作的丹尼被火车站的一幕刺激参加的抵抗运动，从一个普通的抵抗运动者开始，随着一次一次的抵抗行动经历着人生的洗礼。

说了那么久跟电影有什么关系呢？尤其是肯罗奇的电影。我知道这并不是一部战争片，即使里面有些战斗场面。娓娓道来的这个故事里总有让我放不下的东西，让我感动的细节。比如，在苏利文被活活打死的葬礼上我听到一首特别凄美的歌，应该是爱尔兰民歌吧，如此动人，让人震撼。

当英国军官把抵抗运动者的手指甲用生锈的钳子拔出来的时候，你才发现信念是如此重要。而当后来这个抵抗运动头目变成一纸协议的傀儡时，你才感受人间的讽刺。信念在最经意中被瓦解，我们坚持的又是什么？

丹尼亲手把泄密的克里斯枪决了，那时侯他也许懂得了自己真正抗挣的目标是什么？而电影最后，丹尼再次加入到抵抗运动，抵抗傀儡政府的时候，他被他曾经的同志枪决了。世界真的如此悲凉吗？西内德最后说的一句，“我再也不想见到你了。”其实，这是普通人共同宿命？

肯罗奇的电影你很难从电影语言的角度去解构，平实的摄影风格就象跟你在唠家常，铺呈开来的是一曲人间悲歌。就如电影中，那从迷雾中传来的歌声，铿锵而苍凉，却不知道方向。看这样的电影，你需要有一根敏感的神经，去关心那一个一个细节，在支离破碎的细节里，感知人间冷暖。真的没有去注意什么电影语言，已经被故事深深地吸引，感同人物的命运。一个一个场景，推进着故事的发展，我想，这应该这部电影在结构上的最大特点。不要想在肯罗奇的电影里寻找技巧，因为思想永远比技巧重要。

抵抗运动通过一次一的行动变得正规，最后，理顺成章成了协议的既德利益者，变成与英国军队一样的统治者，可人民得到了什么？肯罗奇要告诉我们的也许就是这个，人类的战争也许永远不会停止，因为总有一些人是统治者，一些人被压迫，世界其实就是这样。法庭有意义吗？法庭就是强者的法庭。宗教有意义吗？宗教就是愚弄百姓的说辞。

《风吹稻浪》告诉我们，活着很重要吗？但信念、理想和爱更重要。这让我想起那首著名的诗：生命诚可贵，爱情价更高，若为自由顾，二者皆可抛。

《风吹稻浪》：再见，我爱你

作　　者：悠民

在《燕赵都市报》上出于经验上的幼稚，我在一无所知的情况下，就可笑地对今年戛纳把最高奖给了老肯·洛奇表示了一丝“道不同不相为谋”的怀疑。是鉴于我之前看过的《可怜的母牛》和《爱之吻》，令我着实无法和他站在一起领取电影的阳光——他不合我的口味。无论是1967年的母牛的松散还是2004年的吻的虚弱，都让我觉得导演是个辜负了期待的人。后来我还看到同样名声在外的索德堡特意在他的同样乏味的《英国水手》里截取了《可怜的母牛》的片段来致敬，可是我还是要说：“再见，我不爱你。”，而不是相反。

值得一提的是，他们既然是同行，也就可以说是志同道合者，除了是电影的受益者，他们还是显而易见的和平的受益者，而《风吹稻浪》说的正是英国侵略爱尔兰的事，仅仅从这里，我们就可以窥见和平的好处，他可以让两个男人忘掉政治战争而沉醉于理想艺术，让电影喂养他们的爱情。

可是政治风暴是可怕的，它比爱情风暴不知道要可怕多少倍，于是我们看到爱情，它不过是《风吹稻浪》的一个微妙的呼吸而已，微妙的美轮美奂的呼吸，夹在急促的几乎是丑恶的呼吸之间。因为战争的工作被形容为丑恶是再恰当不过的了，那些到处都是的丑恶的呼吸属于从事着反抗殖民主义的热血青年，他们的灵魂被吸进了愁苦的煎熬里，这煎熬比爱情毒辣。是典型的欧洲式的煎熬，我们知道，欧洲有善于煎熬的传统，在大段大段的谈话和争论里，个人的煎熬演变成为集体的煎熬，煎熬着，煎熬着，就是集体的挽歌。是的，欧洲还善于唱挽歌，电影不止一次让我们听到那些象诗一样柔软的歌，在因为不肯用另外的语言说出自己的名字而被杀死的少年面前，在绝对压抑的监狱里，挽歌是那么哀伤动人。

只看到开头，就感到了喜欢，是那些青年在玩曲棍球，那些跑动，那些笑脸，天啊，没有人愿意让他们在战争中变成另外一些人，一些连他们自己都无法肯定的人。那绿色的草地，那现在被时尚界用“英伦风格”来定义的马夹背心衬衫的打扮，全都被突兀的枪声损害了。斯文怯懦的青年一股脑儿被时代踢进了猛烈的流亡运动里，要逼迫他们爱上那些爱情之外的东西，比爱情更虚幻的东西：鲜血铸造的自由和权利包裹的平等。

只要开头就够了，一部好电影开头是要好的。我一下子想到《漫长的婚约》，再想到《悲情城市》，都渗透着乱世温情曲的情怀，只是《风吹稻浪》的规模最可怜。只那么一丝，在休战的夜晚，弟弟轻轻除去女朋友头上的薄纱，看到她被践踏的头发恢复了生气，他吻了她的额头。多么温柔的老肯·洛奇啊，他不愧他的岁月，他也该让人见识他的锋芒了，虽然这锋芒是如此干脆如此残忍。一对原本共呼吸的兄弟终于在政治的压力下分开，于是那些有过之而无不及的急促呼吸只属于他们之中的一个人了，在枪声中，哥哥哭了，弟弟死了。哥哥去见弟弟的女朋友，被告知她再也不想见到他。这句话弟弟也听到过，在一个他给她儿子一死的母亲那里。他和那死者是成长的伙伴，然而战争不是成长的温室，不是避风港，于是要说：“我再也不想见到你。”在这些绝望的话的背后，是爱的尽头，世界的尽头。

弟弟在等待处决的时刻里给女朋友写信，他说的正是所有人都会说但不一定都有力量的“再见，我爱你。”结尾是收信人在嚎啕大哭，她说：“哦，不。”她一遍一遍地说着，直到电影用黑暗阻隔她和我们。哦，不，再见，我爱你。黑暗是如此可怕，穿越黑暗的《风吹稻浪》也是可怕的，同时，也是可爱的。

战争年代，人的考验——《风吹稻浪》

小强

看外国电影时，有两件事让我极为头疼。

一是演员名字不是过长就是叫起来拗口，往往是看了半天还不太清楚主角究竟叫什么。还经常张“名”李戴，搞得我经常以为那些人物全都性格分裂。

二是我对外国人的长相辨别能力极差，尤其是外国女人和黑人。

当着这两点碰到一起的时候，那就乱作一团了。再通俗的电影，我都能看的高深莫测，一头雾水。

所以每次看那些多人物设置，情节交叉的电影时，我都全神贯注，精神高度紧张。一部电影看下来，比打场篮球都要累。

不过这样的精神集中不是每次都能坚持下来的。

看《风吹稻浪》时，我就处于那种如坠雾中的感觉。那些爱尔兰人在我面前晃来晃去的时候，简直就是一种折磨。谁是谁嘛！这些人都一个模子出来的吗？

这部06年的金棕榈影片，我竟然看得毫无感觉。

从传播学角度讲，我在最初的解码阶段就完全错误了。

后来还是在《电影新作》07年第一期看了对影片的详细介绍后，才恍然大悟。

其实，我对影片的记忆还是挺深的，只不过在某些场景将人物给搞错了。经过校正后，思路一下子清晰了。在头脑中也将人物一一对号入座，影片的精彩之处，也一一浮现了。

不过这样看电影确实有点累，我需要仔细研究一下外国人得体貌特征了。

还是说一说《风吹稻浪》吧。

以前应该没有看过爱尔兰的片子，看的时候也不知道它得了金棕榈。就是比较喜欢这个名字。

看到DVD封面上那些在草原上持枪而立，英姿飒爽的爱尔兰游击队员时，又看了简介，说是爱尔兰独立战争时的事，还以为是一部战争史诗片呢。结果，看到一半时，除了感到混乱外，对那些连枪都不会用的游击队员很是不满，这不是挂羊头买狗肉吗？！不过转念一想，这应该只是碟片发行方的惯用伎俩。

片中有几个细节让我记忆深刻。

一是泰迪被英军审问时，誓死不说出藏军火的地方，气急败坏的英军军官就拿来钢钳将泰迪的手指甲，一个个硬生生地给拔了下来。看到这个镜头的时候，我心头一阵绞痛，浑身颤抖。让我不由得想到了《潘神的迷宫》里那个法西斯军官审问西班牙游击队员的情景。这些行邢的镜头在影片中出现，对刻画人物是有挺大的帮助，可是有时我真的难以接受。不过，这可能就是真实。真实的事情，往往都无法接受。

另外是两个枪毙的场景。

戴米枪毙出卖他们的克里斯，泰迪枪毙不愿说出游击队军火下落的戴米。

克里斯也是游击队员，在富豪约翰家打工。英国军官利用约翰威逼克里斯说出了泰迪所率领的游击队的藏身之处。结果，大家都被捕入狱。后来虽说被人解救，但是游击队损失了3名战士。戴米接到组织命令，必须枪毙克里斯。可是克里斯是他从小一起玩的伙伴。最终，戴米还是举起了枪，并问克里斯有什么遗嘱可以写下来。克里斯不识字，让戴米给母亲传口信：“告诉我妈妈。我爱她，还有让她知道埋葬我的地方。 ……不要把我埋葬在约翰边上……告诉泰迪，我很抱歉。”

戴米颤抖着双手将子弹射入了克里斯的心脏，然后痛苦的将手枪扔到了地上。

正是由于那些入侵者的威逼，将原本友好的乡亲变作了仇人。

爱尔兰终于和英国签署了停战协议。可是协议规定新国家的性质仍然是“英国联邦自治领域”、“新国会成员宣誓效忠英王”。戴米认为这根本不是他们想要的自由，不是他们一直奋斗的目标。可是泰迪确认为，目前的情况下这时最好的选择，并加入了受英军控制的政府军。

戴米由于继续从事游击活动别抓，审问他的正是他的亲哥哥泰迪。戴米像曾经的泰迪一样不肯说出军火的下落，最后被判处死刑。枪决的时候，泰迪哭着扣动了扳机。

反抗侵略，争取自由的影片看了许多。本片并非我最喜欢的一部，不过能将战争带给人性的伤害表现得如此明晰的影片，确实不多。

人是一个孤独脆弱的个体，在社会变迁的滚滚洪流中，总会出现不同的选择。正是由于这些选择，才成就了英雄，也酿造了苦难。

战争在改变世界的同时，也改变了许许多多的人。

《风吹稻浪》：老者眼中的黑白世界

哗啦啦

将炸药捆绑在身体上，留下点燃导火索的空间，来到闹市人群中，来到那些无辜的人群中，点燃，爆炸，血肉横飞，将自己支离破碎，将自己的信仰升华。我一直不能理解这些用生命祭奠信仰的恐怖主义者的内心到底是怎么一种感受，我见过为不良信仰左右的人的愚蠢和真诚，却一直猜不透这样的行为究竟具备如何实现信仰的条件。

一个人从温文变得执着，一个人从正常变到异变，用眼睛看到的，用耳朵听到的，用大脑支配的，用心去做的事情却是毁灭自己杀伤同胞而推动某种势力的壮大和生息。作为个体，能够如此又是为何？

70岁的老人，一生将尽，用心生活了一辈子，这是的所思所想，他的世界是什么？这样的人说的事情，讲的话语，摄制的电影的灵魂是什么？他看到个人的得与失，看到社会的得与失，看到众生的得与失了吗？不，到那样的年岁，眼中的人生只是关于对人性起起伏伏的种种经历的闪回了吧？是放弃了许多壮年时候的精髓，慢慢体察世态炎凉人生苍茫的一种平静，是将个体与政治统统淡忘回归自然的一种情操了。

《风吹稻浪》如史诗一般却平淡如素描一样的影像，因为通过70岁老人眼睛的沉淀，而变得举足轻重。爱恨情愁的交织，风起云涌的政治生命，一对年轻人为理想的付出在本片中变得更像是一种世事生活的提炼和总结。

本世纪初，英国与爱尔兰的土地争由来已久，臭名昭著的恐怖组织爱尔兰共和军就是这场战争的产物。即使在大英帝国的强权镇压下，爱尔兰人还是坚持了独立的信念并获得最终的成功。然而，民族仇恨的洪水照旧滔滔不绝，直至半个世纪以后方才停歇。在这方面，影片几乎放弃了背景叙述，而就是通过典型个体在这段时期的经历来借古喻今。

兄弟二人来自爱尔兰的农村，即使在斗争尖锐到极端的时刻，兄弟二人也没有拜见什么领袖一类的人物。有时候，个体的遭遇就像遇到洪流一般，不能左右自己的去留。他们看到被欺压被杀害的同胞，看到对手眼中的轻蔑和恶毒，看到自己只是在绿野中自在的嬉戏，看到自己的尊严被肆意的扭曲。于是，生命中的转折成就了以暴制暴的决心。他们枪杀了酒馆中谈论家庭的英国士兵，枪杀了背叛自己民族的未成年孩子，兄弟二人从手无寸铁的无辜者转换为果断绝决的刽子手。这种转变的背后是理想的爱国心的爆发和对信仰的坚持。

在看似正义的弱者中，在看似无辜的复仇中，在看似隆重的升华中，这种等同于对手的举动在血腥中变成兄弟二人的生活。在这一趟历史的混水中，我们本可以看到一个优秀的医生的诞生。在哥哥无限的前途中，他选择了拯救自己的所见所闻，选择了将所有人性的优良品质变换为运用刀枪你死我活的技巧。没有对于政治的长远思索，没有对于生命的细细体味，用所谓的正义，用年轻的热血，用所有的精华，来展开一场用信仰支撑的战争。

人一旦作出了什么，就不可以也不可能退回了，就如一盆泼出去的水。他们唯一的优点是盗亦有道，他们区别与对方镇压的方式是他们攻击的是对手的军队。而他们采用了手段如暗杀、绑架、袭击却如同一群悍匪。命运给他们刻上了一种印记，是一种似是而非的危险。信仰的坚定是正确的，而信仰究竟是不是正确则是茫然的。战争终究有一种结束的方式，那是上层建筑的举动，而作为流散四方的个体，究竟能够体味什么，能够掌控什么？

一群人偃旗息鼓，一群人坚持走原来的路。自身的剥离实际上是政治家们的抉择。然而，我们的主人公们距离那些高层实在太过遥远。他们看到的只是眼前葱郁的森林，自己的家园和已经背负的仇恨。一群人相信政治斗争带来的均衡已经足矣，另一群人仍然相信血战到底是出路。一些仇恨淡去，一些仇恨继续。于是，自身的反目成仇变成另一种致命的伤害在所难免。弟弟亲手枪毙了哥哥，将死讯带给了嫂子。一家人土崩瓦解，仇深似海。这是这个故事的终了。

当变身为警察的弟弟在牢狱中哀求哥哥认罪求生时，哥哥压抑的绝望的怒吼带着愤怒的味道。当初，当我杀死那个被成为叛徒的孩子的时候，我就再也回不来了。我要为我自己做的事情负责。于是，哥哥很坦然的面对行刑队的枪口。沉闷的枪声过后，这个生命就此离我们而去。而这个个体，曾经和现在都是那么的优秀。他看着亲人被杀，看着家庭成员的目光而决定带着他们展开反抗，为的也就是寻求生活的安定而已。然而，在他信仰支撑的背面，他实际上微不足道。他只是这场政治斗争的牺牲品之一。而他的弟弟，即使还在世上，有何谈获取新生？也就是说，模糊的信仰在不可控的命运面前是极为危险的。

影片抛弃了所有的倾向，没有靠近政府，没有靠近个体，只是从一个老人看待人生的角度，慢慢的却极富张力的将人性黑白的悲剧给予展示全貌。在平实到没有技巧的影像中，我们依稀记得绿野中渺小的人影和人们被遭遇击垮后的泪水横流，以及主人公最终的命运。现今社会，被信仰支撑却被命令用自毁来换取强势群体尊重的那些人啊！你的勇气究竟为谁而涌出！

无题

孤独的猪猪

很长一段时间会失去对电影的兴趣  因为总是看到相似的作品 那些桥段和对白太过熟悉 难免意兴阑珊 比如战争片 一定会交代正义与邪恶的对比  侵略者叫嚣着你们这些杂种 并进行无端的杀戮 激起更多的反抗,正义的人人喊着 自由或者从我们的国土滚出去！起初是激动的 可看多了 我只能承认 我确实有点麻木

看到风吹麦浪 起初也以为是这样的片子 打游击战 被俘虏 遭受酷刑 誓死不降 连拔指甲的刑法貌似都有所一致 我在想 历史总是以其惊人的相似在上演着 可是看着看着 就惊喜起来 倘若只是描绘爱尔兰人如何在反英斗争中如何英勇不屈 这顶多是一部民族的颂歌 但更多的看到的是爱尔兰人自己的软弱与不确定 在面对背叛的同胞时 内心的挣扎与不忍  个人对自由的不同追求 到底是应该满足于既得的还是要斗争到底 人性深处的矛盾大抵就是这样的吧 所以我们没有看到一个个高大全的英雄形象 面对敌人内心坚定且无所畏惧 尽管我们那么需要他们的出现  可是谁敢保证确实存在有丝毫没有动摇过的人呢

在电影里被拨光指甲的泰地原本可能成为这样的人物 但对观众来说 似乎最后他的信仰出现偏差 杀害了同生共死的兄弟 可是我们都不能指责他 政治立场的分歧最终战胜情义而已

《风吹麦浪》：得金棕榈更多是运气

菊一文字

我一直觉得，《风吹麦浪》能斩获去年的戛纳金棕榈大奖，最能证明的一点就是导演肯·罗奇的额骨很高，因为在我的家乡话里，称赞人运气好也就是说“格个人额骨头真格高格”。也许很多人已经忘记，或者从来未曾知道，就在10年之前的1996年，同样是一部展现爱尔兰本世纪初独立运动的影片《傲气盖天》（英文名Michael Collins）就已经获得了威尼斯电影节的金狮奖。如果将两者对比一下，你会发现无论是在人物设置还是在叙事情节上，《风吹麦浪》很多时候都是在临摹前作，缺乏必要和有效的创新手法。至于在角色表演上，和10年前老戏骨连姆·尼森的光芒万丈相比，《风吹麦浪》的角色们更显得黯淡无光。

如果要将《傲气盖天》和《风吹麦浪》用一对成语来对比概括，也许“阳春白雪”和“下里巴人”或许能从某个角度表达两者之间在意境上的差异。《傲》走的是“高端路线”，将主人公定为当年叱咤风云的爱尔兰共和军大统领迈克尔·科林斯，用他短暂而灿烂的传奇一生，让从1916年复活节起义到自治领建立后内乱这段爱尔兰风云史鲜活地展现于我们面前。

因此，既然已有珠玉在前，肯·罗奇再想找一个和科林斯比肩的重要人物来作为切入点，首先是困难，因为想要和科林斯一样能高度浓缩爱尔兰独立运动全貌，又身负传奇经历的历史人物真不好找；第二，即使找到了某个理想人选，但讲述的是同样一段历史，想要突破前人也实在是很难。所以最后肯·罗奇的选择很讨巧，也很符合如今观众的口味，那就是从最底层的小人物入手，以小人物的经历遭遇来显现大时代的变迁。

也许有人会称赞说，肯·罗奇选择让特迪和丹农·多诺万这对爱尔兰乡村的基层独立战士作为《风吹麦浪》的主人公，是为了展现出爱尔兰独立运动时期民众的同仇敌忾，更能讲述自治领成立后爱尔兰人为政治观点立场而自相残杀的时代悲剧。但对不起，这点10年前《傲气盖天》就已经出色地完成了。不管是多诺万兄弟夜闯警察局抢枪，眼睁睁看着亲人被英军欺凌，还是自治领成立后的兄弟反目，乃至最后骨肉相残的宿命，都能清晰地找到十年前迈克尔·科林斯和他的亲密战友加兄弟哈利·勃兰德的影子，甚至不客气地说是前者桥段的翻版。

当然，肯·罗奇会意识到，如果要从小人物入手刻画大时代，那么最成熟的做法就是讲述小人物在大事件中的经历，由人物的“小”来烘托出历史的“大”。纵观《风吹麦浪》，我们看到的这群类似根据地“区小队”，连“县大队”都算不上的“土八路”，虽然除了在酒馆里暗杀4名英军军官，以及伏击一辆英军军车之外，似乎没为爱尔兰独立运动做出多大贡献，但特迪和丹农等人在不经意间，或一个小纸条，或几句争论，或生离死别，所提及的都是爱尔兰独立时期的一些重要事件，更包括了“土地所有权”、“贫富差距”这些我们追求河蟹社会过程中仍然在争论不休的社会命题。因此，从对于自由和民主意义的探讨上来看，我承认《风吹麦浪》要比单纯人物传记片的《傲气盖天》强了不少，只是，肯·罗奇似乎有意收敛起自己的政治思想锋芒，对上述问题的探讨浅尝辄止，让人觉得有些虎头蛇尾。

不过，在反英问题上，肯·罗奇的政治态度还是非常鲜明的。影片中的英军和皇家爱尔兰警察后备队（黑棕部队）就像是我们抗战革命题材影片中的日本鬼子一样，只知道杀人防火欺负善民，单纯是为坏而坏。受了几十年的革命教育，其结果反而让我坚信，世界上没有什么天生的恶人，不管是日本鬼子还是纳粹，他们的坏都是有深层次原因的，比如说军国教育或是独裁体制，那么英国人为什么对爱尔兰人这么坏？影片中似乎没有提到。这不得不说是一种遗憾。

更为要命的是，《风吹麦浪》的一系列主配角色就像是被肯·罗奇扔在一起的一堆湿木头，就算有剧情激烈冲突的火花，也无法让这些木头点亮起熊熊火光。和《傲气盖天》中迈克尔·柯林斯这个为民族独立深入虎穴坚持战斗，为争取民族利益背着“内奸”的骂名忍辱负重，为死去的战友兼兄弟痛苦落泪，为民族团结战斗至最后一分钟的义薄云天的男人相比，《风吹麦浪》的多诺万兄弟两人角色交流适应差劲，没有体现出一丝令人可信的兄弟之情，不仅让彼此的政治立场对峙冲突显得突兀，哥哥几声苍白虚假的啜泣更是白白浪费了影片结尾弟弟被枪决，骨肉相残的高潮戏。

至于结尾部分，导演也许试图说明爱尔兰革命之后“枪决叛徒-通知家人-恩断义决”的宿命轮回仍在继续，可影片在弟媳在哥哥告知噩耗后悲痛欲绝之中就嘎然而止，我只能找到突兀和粗糙这两个词来形容。

如果说《傲气盖天》和《风吹麦浪》有什么能平分秋色的话，那两部影片的插曲似乎可以算是一个。前者是爱尔兰女歌手西诺德·奥康娜演唱的《She Moved Through the Fair》，她满怀凄凉的嗓音给迈克尔·柯林斯战斗而孤独的一生划上了一个动情的句号；后者是男声合唱的爱尔兰民歌，低沉的嗓音，掷地有声的节奏，在清晨浓雾中渐渐显现，衬托出了爱尔兰独立战士的坚定，以及艰苦斗争本身的沉重质感。

<风吹稻浪>："对历史说实话，就是对现在说实话"

　　《风吹稻浪》最值得尊重的地方，不是对历史的检讨，而是对现实的思考

　　★ 文/卫西谛

　　今年5月，乍闻肯·洛奇的《风吹稻浪》获得金棕榈奖时，我的反应是，又是一部历史题材的影片。这令我想起2002年获此荣誉的波兰斯基《钢琴家》，颇为名不符实——诚然视听语言上佳，故事紧凑，但对历史的苦难依然停留在陈词滥调上——我很怕这又是一部“陈词滥调”的史诗。

　　但是看过之后，觉得这的确是一部勇气与良心之作。英文片名“Wind that Shakes the Barley”取自爱尔兰诗人兼作曲家的罗伯特·威尔·乔伊斯的歌谣，在爱尔兰传唱已久。这部电影一直被通译为《风吹稻浪》，不过友人提示我说爱尔兰不生产水稻，Barley只是大麦而已，所以应该译为《风吹麦浪》。在台湾上映时直译为《吹动大麦的风》，则有欠文艺。

　　肯·洛奇出生于英格兰沃里克郡的一个工人家庭，1967年开始拍摄电影，他的《小孩与鹰》成为英国电影史上一部关键性作品，(基斯洛夫斯基在电影学校里读书时看了这部片子后说“我也不要做他的助手，我愿意在他身边给他泡泡咖啡，我就是想看看他是怎么拍成的”)。肯·洛奇从未和政府妥协过，在我的印象中他是专门拍英国郊县底层社会题材的，加之风格写实，所以显得毫无情调。

　　之前深受感动的有关爱尔兰历史的著名电影，一部是《哭泣的游戏》，一部是《血腥星期天》。而《风吹稻浪》所描写的事件更久远，背景在爱尔兰1920年内战前后。1919年因英国军队的残酷统治，引发了爱尔兰独立战争，两年后双方签订条约，允许爱尔兰自治，但北部6郡(现北爱尔兰)仍归属英国。爱尔兰内部主战与主和两派之间立即爆发了内战。肯·洛奇和他的编剧很好地切入在1920年这一时间点上，使两个主角之间的思想和命运冲突在短促的历史空间中碰撞得异常激烈。

　　故事的主人公是外表柔弱、信奉和平的医生戴米恩，因目睹英军迫害同胞而跟随哥哥泰迪加入抵抗军。为了独立与自由的理想，戴米恩不仅深陷牢狱、出生入死，而且亲手杀死了向英军妥协的好友。当包裹着妥协的、不彻底的和平来到，戴米恩和很多战友决定继续作战，而泰迪却穿上了爱尔兰政府军的军装，维护起他认为来之不易的和平。最终兄弟为了和平的不同定义而反目，泰迪亲自下令枪毙了弟弟。

　　整部影片的风格依然是肯·洛奇式的不加修饰，毫无《勇敢的心》式的浪漫革命主义和被美化了的战斗场景。很多西方评论都指出，无论你是否赞同肯·洛奇对这段历史的陈述，你都不得不承认这是一个令人揪心的作品。是的，尤其在结尾处，任何有感情的观众，相信都会无语凝咽。

　　《风吹稻浪》并非肯·洛奇的第一部历史题材电影，他曾拍过反映爱尔兰革命的《致命档案》、尼加拉瓜解放斗争的《卡拉之歌》、西班牙内战的《土地与自由》——这些影片绝对小众。而《风吹稻浪》上映之后，爱尔兰公共广播公司开玩笑地说，肯·洛奇大概做梦都没想到，有一天他的作品竟然会成为爱尔兰的“主流电影”。这部影片在英国和爱尔兰地区为数不多的戏院里上映，票房竟然超过3000万英镑。据说很多爱尔兰人“当场泪洒戏院”。

　　在《风吹稻浪》的中文官方网站上，有这样一句话：“爱尔兰的河水是咸的；因为那是爱尔兰人的眼泪。”对于我们这些并不切实了解爱尔兰历史的异国人，显然无法和他们一样对这部影片感同身受。但好在肯·洛奇的眼光绝不狭隘，他将人性(兄弟、同胞之爱)与现实以及理想之间冲突，用平实但锐利的故事呈现出来。

　　《风吹稻浪》更重要的价值远不是对历史的检讨，而是对现实的思考。肯·洛奇自己说，“现在，在伊拉克，我们知道那些死去的英国人和美国人的名字，但是我们不知道有多少伊拉克人被杀死了。所以占领区人民生命的价值被认为远远低于占领者生命的价值。我说的这只是一个例子，但是像爱尔兰一样的故事总是在重复发生。”这就是这部影片最值得尊重的地方。这位导演在接受金棕榈颁奖时，说出了《风吹稻浪》的意义：“我们对历史说实话，就是对现在说实话。” ★

《风吹麦浪》：死亡和被黑场断裂的生命旅程

cinekino

“While the soft wind blew down the glade

and shook the golden barley.

当微风吹过峡谷

轻拂金色的麦浪”

——Robert Dwyer

对我而言，肯·洛奇的《风吹麦浪》肯定是2006年度最重要也是最优秀的电影，我愿意称此为杰作。但是在这篇短文中，我只能放弃这部作品背后的巨大的历史信息，这些信息如密密匝匝的线脚一样藏在这部作品的织体中间，藏在对话与辩论的玄机中间，以及藏在本片的情节组织的筛选和一系列的配角的选择中间。这样也决定这篇文章肯定不能满足历史考据癖一样的嗜好。

《风吹麦浪》作为历史题材的影片，作品必须提供出1920年的爱尔兰历史的质感，因为这个历史的质感恰恰是剧中主人公命运展开的舞台，或者说如何将人物投放到历史语境中去是这部电影具体展开“人”的生命的根本依据。肯·洛奇在此影片中构筑的历史质感并非建筑在历史的场面之上，我不是说肯·洛奇在历史还原的细节上大而化之，而是说肯·洛奇并不依赖历史场面还原出来的“舞台”的规模和造价，而是依赖“争辩”。我个人认为肯·洛奇在这部影片中还原出的无论室内或者室外的“争辩性”场面，都提供了严密的历史情境，或者说肯·洛奇依赖人物日常化生活中的“话语间”直接或者剪接的冲突，将话语构成的语境编织出历史的情境。

戴米恩的历史就是在这样具体的历史语境中呈现出了超越历史的含义，一个被动地卷入历史逻辑中的人如何成为这个逻辑中最为激进的推演者。因此，肯·洛奇称这部作品对当今现实有着重要的意义，应该就是这个原因。这里面的启示也就是，对于现实的困境我们也许不应该寓言性的表述，而更需要有将另外一个语境的还原能力。

黑场：恐怖死亡的三段历程

从峡谷吹出的风拂动金色的大麦，但是在这部电影没有呈现出金色麦浪的画面，麦浪只是在死亡以后的吟唱里出现，但是在电影中那绿色的群山和山脚的一片绿地却承担着极为重要的任务。电影的开端正是从这片绿色山野展开的，一群爱尔兰青年在山脚打曲棍球，这场纯粹的体育游戏，在1920年被禁止进行任何的公众聚会的时间点上，这种游戏构成了惨烈历史的最为自然和日常的开端。

于是，肯·洛奇在这部作品中连续地让这片绿野承担起血腥历史展开的舞台作用。在主人公戴米恩宣誓加入爱尔兰共和军之后的第一场戏，就是安排在这同一片山脚下进行军事训练训练。此时，游戏使用的曲棍球的球棍承担起武器的替代品，我们也非常清晰地看到主人公在和谈之后坚持暴力抗争也是同样地回到绿野进行军事训练的画面。这片绿色山野因为它构成了暴力展开的空间作用，在此有对叛徒的枪决，也有对英军的伏击，在此绿色成为不被表现的“金色麦浪”的现实对应物。

戴米恩进入这片绿色，完成了主人公的一次穿越，他本来可以去伦敦进入全世界最好的医院做医生。作为医生他的使用是拯救生命，而参加爱尔兰共和军则意味着他和这个拯救概念脱节了，他的“救赎”建立在对生命的终结上。在枪决贵族和克里斯之前，戴米恩说他在医学院学了五年解剖学。最后在狱中，泰迪·奥多纳文对他说明天早晨他就可以回到医学院，这是他从小的愿望。但是，最终戴米恩选择的是终止生命，包括终止自己的生命。

戴米恩处死克里斯的瞬间，无疑是这部电影提供的越界之旅的边境线。在越界之前，自戴米恩自然存在着内心的挣扎，这种挣扎建立在他为什么可以选择将“生命”遗弃。片中的具体事件是，当戴米恩被一位英国士兵放出牢笼时，他逃出时留下了三位伙伴，他们只能死亡于狱中，所以，当他和希妮德再次相遇的时候，两个人相拥的动力是内心痛苦的挣扎。

怯弱者克里斯，他不会写字，母亲也不会阅读，所以，当戴米恩处决他时，他和同样被处决的贵族的区别在于他的遗嘱是要依靠执行者口头转述的。克里斯倒在爱尔兰山地，戴米恩向下走出我们的视线，这是电影极为隐忍和现实的呈现。导演在此给出了一个2秒左右的黑场，这个片子中第一个黑场。在这部电影中，一种惯常使用的分隔技术——黑场——被使用的如此不动声色。但是，《风吹麦浪》中的“黑场”是电影语言中最为有力的叙事技术，这是一个断裂出生命状况的黑场，黑场两边的生命其实是一个连续的展开，这里面的连续就是走向另一段的现实逻辑，但是这个黑场的断裂性也同样是绝对明确的。戴米恩杀死了看起来绝对不应该杀死的人，他因此成为具有恐怖性的戴米恩。戴米恩的脸孔充满恐惧，身体颤抖，步法颠簸，但是子弹精确地消灭了生命。在这次黑场的演出场戏中，泰迪·奥多纳文的现实策略和戴米恩的理想性格的区别彻底产生了，这样最终导致泰迪·奥多纳文这位邀请戴米恩加入革命的人，最终成为要消灭这个“恐怖”的戴米恩的人。

在这部电影中，戴米恩在和希妮德的对话中，清楚地说出了这个行为的性质，“我已经越过了界线了”，虽然这次“越境”的历史具体性在电影的后面给出了追加解释：在狱中泰迪劝说戴米恩说出洛里的下落时，戴米恩告诉泰迪他为什么要向克里斯的心脏开枪，因为他是不会出卖朋友的。终结告密者的生命有足够强大的现实逻辑，但是这个逻辑在这部电影中让主人公用“越界”来表达，同时，让导演用“黑场”来讲述。肯·洛奇正是将“绝对人性”直面在理想性驱策下采取的现实极端逻辑，此时那种“绝对人性”充满了无力感，而这种无力感迫使我们思考“人性”可能被拯救的部分。那么，在此处我们就绝对不是高歌“绝对人性”的赞歌，而是还原让这个赞歌呈现出无力感的现实逻辑本身。

《风吹麦浪》影片中的第二次“黑场”的使用，依然贯彻着肯·洛奇的原则。这个黑场同样是一个“分水岭”，在取得初步政权后，爱尔兰共和军内部开始分化。影片的具体叙事是如此展开的：在片中，戴米恩和希妮德迎来了爱情最高潮戏，两人相抱拥，而后戴米恩去掉希妮德的头巾（她的头发被剪去的场景的力量再次充分发挥出来），两人开始亲吻。在这之后，肯·洛奇让我们迎来第二个“黑场”，这次黑场后面是新闻电影，新闻电影里是英国和爱尔兰的和平协定的画面。然后，镜头呈现出这是一间带有钢琴伴奏的电影院，面对新闻电影里的妥协者，戴米恩成为最为坚定的绝不妥协者。也正是因为他如此坚定的不妥协使得他成为被消灭的“恐怖者”。戴米恩终于由一位被历史裹挟进入的人，转化为被历史更为正当的书写者判断为应该消灭的对象。肯·洛奇在影片中利用两次隐忍的“黑场”断开了生命步入死亡的三个阶段。

爱情：人的背弃或者被摧残的人性

在《风吹麦浪》中，肯·洛奇展开的爱情情节线回应了戴米恩的最终死亡之旅。这个旅程对一个女人而言是始于“家”的门口而又终于“家”的门，这条爱情之线就是希妮德对戴米恩的感情之线，一个女人对男人的感情之线。

关于戴米恩和希妮德的故事，《风吹麦浪》的导演和编剧手法是极为细腻的。在此分析开端的两场戏加以说明。这对人物关系的起点是希妮德和戴米恩在家门口打招呼，希妮德祝戴米恩好运，因为知道他要去伦敦。而在这个后面，导演将镜头依然对着希妮德，她狠狠地低下头。在这个对演员控制极其精确的细节动作之后，下一个镜头就是英国军人来到这间村舍。这个动作构成了一种戏剧的过渡作用，希妮德对于戴米恩的离开的“痛苦”的私人性的情感因素迅速就被纳入了历史性的和社会性的语境中，而且直接叠加出这种“痛苦”的历史性和社会性的意涵，这个“痛苦的动作”成为叙事的转折点，也成为镜语组织的转折点。

在紧接上个段落出现的情节是17岁的米哈尔·奥萨利文被害事件。此事件中，这两个人的反应也是最为强烈的。这位米哈尔遇害之后的悲伤片断，也正是带出片名的注解式的歌曲片段。正是这次死亡促使了戴米恩的第一个转折点，但是他依旧不愿意放弃去英国的机会，他在伙伴要求他加入反抗队伍的时候，需要他这样的“有勇有谋”的人加入的时候，他认为不可能用曲棍球棍击退英军，而米哈尔只是因为他不愿用英文说出自己的姓名。此时，导演让希妮德仅仅说出，“难道我们都应该去伦敦”。而戴米恩依旧离去，希妮德叫他的名字，然后镜头依然死死盯住希妮德，她只是痛苦的低下头，最后走出画面。影片到此差不多10分钟，这10分钟的叙事完成了整个历史悲剧展开的氛围，也完成了戴米恩命运展开的氛围，同样也展开了这场令人心碎的爱情展开的氛围。

在第一次黑场后的第一场戏是共和国的民事法庭的戏，在这场戏中，希妮德是法庭的书记员，更为重要的是戴米恩对待司法的态度和泰迪彻底拉开了距离，这个距离是真正的理想性人格和现实人格的距离。非常具有思考价值的是，这对兄弟从教堂出来引发辩论的时，肯·洛奇让戴米恩对泰迪说，“我不是梦想者，我是现实主义者。”一个绝对的理想性的人格在现实中坚决地认为自己是一个“现实主义者”，此中吊诡在于一个理想性的人看到的现实和现实主义者看到的现实是那么绝然不同的。在这个民事法庭的戏之后，戴米恩和希妮德走在一起，在此处戴米恩和希妮德说，“我已经越过了界线了。”，而希妮德回答“我要陪着你，米恩。”肯·洛奇就是如此展开他对“人”的描写，一条线是看似背离温暖人性而成为坚定的残酷革命者，另一条线却是如此温柔而坚定让一对情侣的人性之爱中饱受煎熬。

这种现实的残酷遇到的最大的抗议是什么？肯·洛奇在片中重复两次的台词说明了他对人性思考的奥秘。“我再也不想见到你。”这句话是克里斯的母亲对戴米恩说的话，在戴米恩射杀了克里斯以后，这也是希妮德对泰迪说的话，在泰迪下命射杀了戴米恩之后。这就是这部电影最终要不断面对的东西，这也是这部电影正在不断面对的现实。当现实中的残酷从来不对我们说“永远离开我们”，因为我们自己没有勇气、力量和信心让我们自己不制造出残酷的现实。那么，在影片的终结只能看到希妮德这位女人悲痛地伏在自己家园的那一小片土地上大哭，而这个结局也正在如今的世界继续上演。

风吹稻浪the wind that shakes the barley

对于一段不甚了解的历史，《风吹稻浪》或许可以成为你的教科书。因为是反帝，因为是游击队的战争，所以有种格外的亲切感。对于我们这群看着地雷战、地道战长大的孩子，再也没有任何其他电影可以代表我们儿时的英雄主义梦想了，中国式的。

但是《风吹稻浪》又不一样，是Ken Loach的反思，是对其自身政治理念，人文信仰的坚持。中国式的战争片，是对英雄的宣扬，我们的观影快感，来自主人公的不屈，和最终的胜利。可是《风吹稻浪》不会，纵使你钦佩主人公的不屈，也不会有任何的愉悦产生。看到最后，你连自己都不知道会去支持哪一方，又怎么会那么容易地把自己的感情沉沉的递交给别人呢？

在最后男主角，Damien的遗言中，有这么一句话，“我们很容易知道自己反对的是什么，却很难知道自己追求的是什么”，“it's easy to know what you're against, quite another to know what you are for”。我想这就是导演想要表达的，深层次的内涵。而现在的我们，没有为任何信念坚持过，也没有真正的去发对过什么。我们只有为生活为将来而奔命的疲惫的心，所以我不懂得去理解这句话，没有共鸣，没有话语权。

关于Damien，看过《batman begins蝙蝠侠归来》的人，会一眼把他认出，那个带着面具喷毒气的反派，就是了。深凹的眼圈，凸出的下巴， 不高的个子。要知道，原版batman的角色Christopher Nolan有意让他来演。这个爱尔兰人，灵动的眼镜，其貌不扬，却技惊四座。生为爱尔兰人，住在伦敦，来演爱尔兰反对英帝国的战争，必然有种骨子里的灵动，表现出他的对入侵者的痛恨，对被迫卷入战争的无奈。

爱尔兰，是个出现频率颇高的词汇，却大多来自hollywood的黑帮电影，《纽约黑帮》，《the daparted》，印象中，向远赴重洋的中国人一样，在美国东海岸的爱尔兰人，也是受到排挤。但他们选择的是战斗，用黑社会的方式来战斗，争取自己的生存空间。爱尔兰，或者出现在英国的板块中的北爱尔兰。而对于爱尔兰共和国的历史，我们知道的甚少，爱尔兰的现在也了解的不多。如果去了欧洲，有机会，一定要去爱尔兰转转，那里的绿色，似乎更刺眼一点。

看了风吹稻浪，才认识的Ken Loach，这个英国导演，不知道是不是有着爱尔兰的血统，似乎对这爱尔兰的独立有着独有的钟情。也常常因此受到英国国内媒体的倒戈相向。就像这次的《风吹稻浪》，虽然在嘎纳拿了金叶子回家，却被国内媒体打出头条抨击，“是给大英帝国抹黑”。欣慰的是，似乎有着知识分子良心的英国导演群，依然给了Loach最高的赞誉和支持。

没人能背叛故乡——关于电影《风吹稻浪》

海杰发表

“虽然枝条很多，根却只有一条；/ 穿过我青春的所有说谎的日子 /我在阳光下抖掉我的枝叶和花朵；/ 现在我可以枯萎而进入真理。”（叶芝《随时间而来的真理》）这么美好浪漫却又有些执拗的句子注定了出自爱尔兰人的手里。这片美丽的土地上除了深情的叶芝之外，还有“天籁之音”恩雅、声名卓著的摇滚乐队U2、民族踢踏舞巨制《大河之舞》，这样一个饱含艺术热情与富于创造的国度，却氤氲着令人迷惘的悲情，更令人费解的是这样的悲情非得要一个英国导演来挖掘。由英国人肯?罗奇（Ken Loach）导演的电影《风吹稻浪》就是这样的一部影片，它讲述的是爱尔兰独立战争时期的关于自由、背叛等方面的故事。

绿油油的草地上，一群爱尔兰青年在疯狂而笨拙地玩着曲棍球，其中一个爱犯规球员不时遭遇裁判的警告。比赛结束之后，他们在医生丹尼（斯里安?墨菲饰演，这个理想为律师，却最终在演艺圈迅速崛起的好莱坞少壮派代表天生一张忧郁的面孔。）的家里遭遇了英国兵的搜查和虐待，其中的一名青年因为还击了英国兵头目而被打死。这件事掀起了后来的陆陆续续的反抗斗争。反抗英国的主力便是那些玩曲棍球的青年，他们的职业不是工人，便是商场销售员，医生丹尼后来成了他们的首领。而那个不断被裁判警告的青年特迪?多诺万正是后来在停战协议签订之后穿上英国军队制服并亲自下令枪决丹尼的人。

影片的名字来自于一首爱尔兰民谣，这首民谣被安排在那个被英国兵打死的青年被安放在床上的那一刻。暗淡的屋子里，那个年迈的母亲木然地看着床上的死者，哀怨悱恻地唱着这首民谣：“年长的人/ 年幼的人让我想起 / 在亲爱的爱尔兰土地上 /徐徐的微风拂过峡谷 / 扬起了金黄的麦浪 / 风浪尽管无情 / 但他不能断去我跟故土的联系 / 凶恶的侵略者 /让我们懂得背叛的耻辱/ 故土山河啊 / 我眷恋你那诱人的黎明/徐的微风拂过峡谷 / 扬起了金黄的麦浪”。

接下来便是大片大片的绿色，当医生丹尼带领着一帮人从疏于防范的英国兵手里夺来武器后，他们大步走过峡谷，走上绿油油的山坡，导演把大部分的镜头都给了这种绿色，他们的大衣在微风的吹拂下洋溢着决绝与悲伤，这个美丽得令人惊讶的山坡上，一群人一字排开，镜头一下子变得纵深化了。把悲情和仇恨放在旷野中演绎，这已经不是第一次了，《教父》里那个麦克流亡在西西里岛，杜琪峰在《放逐》把那几个无路可走只能靠猜硬币的正反来决定去向的人安排在了荒凉孤独的观音山下，《暴雨将至》里是放在了风景绝美的庙宇附近的山坡上，但这些都不如《风吹稻浪》里那么能压抑着一种浓浓的悲伤，就像这绿色的深度。这种绿色被导演如此铺张而贪婪地安排，在我看来，它是暗含了对爱尔兰国旗中绿色的呼应，其次就是自由与故乡的隐喻。而最隆重的绿色不是出现在他们常常出没的山坡上，便是他们被抓时的树林里。尤其是那面山坡，他们在那里联系射击，在爱尔兰妥协派和英国签订了停战协定之后，丹尼带领的青年们依然在那面山坡上练兵，他们的姿势只有一个：匍匐前进。这个动作的训练其实在整部影片中起的作用并不大，只有最后一次在英国兵路过峡谷时，他们在碎石掩饰的高处打了一次伏击。我宁愿把这种镜头理解为导演的刻意安排，他们匍匐是为了接近于故土的联系，就像那首爱尔兰民谣中所唱的那样：“风浪尽管无情 / 但他不能断去我跟故土的联系”。后来对那个两个不同性质的告密者的处决也是放在这面山坡上进行，绿油油的麦浪被风吹着，让人心伤，因为丹尼为所有人的命运打死了和自己一起长大的那个胆小的告密者。

再回到英国人肯?罗奇所表现的主题上来，背叛，这是一个很重而又模糊的词语，如果说背叛是基于对信仰的不信任或者逃离，那么《风吹稻浪》里则是对个人命运的全力保护和营救，那个后来被处决的喂马的小孩子之所以向英国人说出了青年们藏身的地方，是他的不会说谎的眼神先背叛了他，他的所有举动只是为了让他自己不被那些丧失理智的英国兵杀死，但这种保护在后来被青年反抗领袖、和他一起长大的丹尼处决时，着力于对自己尊严和名誉的澄清，他没有被死吓得胡说八道，他不会写字，所以无法给母亲遗书，他只能对母亲和那些被他害得死在牢里的两个爱尔兰青年表示歉意，但他表示很害怕（那种害怕的表情让人心碎），却还是请求把他埋在另外一个美丽的地方，而不是与那个执意要把爱尔兰革命青年送进监狱的老贼埋在同一个地方，同为背叛者，他觉得自己是纯洁的。而丹尼，他在那个有着爱尔兰血统的英国兵良心发现从监狱里放出他们却因为另一个房间的钥匙找不到，导致那两个被困在监狱里的兄弟被杀时，丹尼觉得自己是背叛者，他只顾自己逃走；他也同时觉得自己是他童年情义的背叛者。当他被特迪?多诺万，他的好兄弟下令枪决前写的信的内容里可以看出他背叛了女友西娜德，因为他认为自己被战争卷进去了，没有好好给予女友西娜德安全和爱。那个曲棍球比赛里的违规青年特迪?多诺万起初是个十足的爱国者，他擅自把爱尔兰具有国家正义感的法院判定为欠别人钱的英国好事者带走，他要从这个英国人那里讹一笔钱，购买军火用来打英军，后来因为那些反对这样做的大多数非要英国人还了那个无助的老太太的钱以彰显民族尊严而计划泡汤。所以在停战协定签署以后，他就穿上了英军的制服，并将在与英军交火中为了解救中弹的同伴的丹尼抓走，两人在英军关过自己的牢房里相遇。前一次是战友，此次是对手，丹尼求的是国家的永久自由，而特迪?多诺万要的是眼前的自由，在说服无效后，他只好下令士兵们将丹尼乱枪打死，他的每一个表情都充满了无助和疼痛，而手足之情却被英国人的子弹打穿，他成了丹尼和他的信仰的背叛者。

在电影中，有一个片断或许是作为解读主题的一个出口，那就是在押那几个告密者的路上，开始是一片大雾，缓缓走进的那些人根本看不清是英国兵，还是爱尔兰青年，直到他们清洗清晰地出现在山坡上。那团雾持久而迷离，我以为可以作为对背叛的最准确的理解，那就是他们的部分背叛是有个人语境和命运选择的限制的，在这种限制之下，背叛是一个团看不清的迷雾。

没人能背叛故乡。在这部那首爱尔兰民谣统领了的电影里，更是如此，我们只能说是那些“凶恶的侵略者 /让我们懂得背叛的耻辱”，对于故乡的人的背叛来说，他们是耻辱的，但不是罪恶的，罪恶的是入侵者，他们的罪恶十恶不赦，刻骨铭心。而英国导演肯?罗奇把这样一部题材敏感加之自己身份也敏感的电影认真拍下来，他尽了一个挖掘者和忏悔者的责任，他甚至在近些年的伊拉克问题上毫不胆怯地批评英美政府：“占领军毫无区别地将占领区的人民看作是低他们一等的生物，它们的生命更不值钱，这显然就是当时爱尔兰的情况。而现在，在伊拉克，我们知道那些死去的英国人和美国人的名字，但是我们不知道有多少伊拉克人被杀死了。所以占领区人民生命的价值被认为远远低于占领着生命的价值。我说的这只是一个例子，但是像爱尔兰一样的故事总是在重复发生……”。

没人能背叛故乡。只有天使归故乡。

风吹麦浪：为信念而牺牲是否值得？

来自: gawe (莆田)

The Wind That Shakes The Barley的评论

本片可以分成两个段落：前半部分是爱尔兰共和军同英国殖民统治者之间的抗争；后半部分叙述爱尔兰同英国签订妥协性停战条款之后，爱尔兰共和军中妥协派与主战派之间的斗争。影片具备优秀战争电影所具有的基本元素：通过具体的个人的际遇来辐射特定的历史氛围；朴素动人的爱情插曲；震撼写实的暴力场景；宁死不屈的超人精神力，等等。近年来欧洲电影存在着向质朴与写实的歌颂人类正义感和坚强信念回归的倾向，2005年柏林电影节银雄奖得主《苏菲索尔》是其中的一部，2006年嘎纳金棕榈奖得主这部《风吹稻浪》亦是如此。当后现代社会的道德相对主义与相对真理观带给人们不确定性的困惑与信仰的消除之时，在这个令人变得日渐浅薄与猥琐的时代，我们需要重返战争年代，寻求正在消逝的力量与勇气。

显然民族主义是本片绕不开的关键词。20世纪上半叶是民族主义运动盛行的时期，殖民者统治与压迫的日益严重，民主与启蒙思想在世界范围的广泛传播，由马克思主义所指导的阶级斗争的如火如荼，这些因素加在一起强化了被压迫民族寻求独立，建立一个自由而又民主国家的愿望。受此感染，目睹本国人民的艰难生活处境，爱国志士们展开了反对殖民统治的斗争。影片中，爱国志士们的信念是如此坚定，以至他们可以用坚强的意志来克服统治者对他们进行的百般的肉体的折磨；爱国志士们的热情是如此高涨，以至他们可以为了集体的利益来消除本该是上帝才有权带走的同伴的生命。

影片上半段是一种反殖民主义的斗争实践，它有着如同主流意识形态指引下的中国革命电影一般正邪分明的脸谱化人物；而下半段展现的是反抗阶级内部的斗争。正是这后半段故事令影片产生了优秀电影应该具备的厚度感，你很难说哪一方是对的哪一方是错的，因为每一方都有其正当的理由，但他们的目标是相同的：即建立一个独立民主的爱尔兰共和国。受教育程度的多寡、人生阅历的不同、个体性情的差别以及思维方式的差异将他们区分成为了两个相互斗争的派别。与前半段相同的是，电影的后半段也展示了精神信念的强大力量，它可以让男主角的哥哥狠下心来施令结束自己兄弟的生命，可以让男主角舍弃自己的前程、女友，义无反顾地寻求死亡。由民族主义所构筑的强大的精神力量流淌与整部影片之中，它构成了影片主要人物的行动指针，成为了影片的基本叙事动力。

问题在于，人的确需要信念来做支撑，作为自己生活的动力，但是人不能被信念所控制。当个体因为建立一个民族主义共和国的强大信念而牺牲朋友、家人的幸福乃至自我的生命之时，显然这种信念便成为了一种控制主体的工具。为抽象的理想化的国家而牺牲是不值得的，因为历史发展的轨迹往往告诉我们，国家往往只能成为某个利益集团或特定阶级操纵的工具，启蒙运动所宣称的那种自由民主博爱的共和国也许只是启蒙思想家们理想化的产物而已。

历史明证

来自: 灵舞葳蕤 (成都)

The Wind That Shakes The Barley的评论

没背单词，没做作业，看《风吹麦浪》，顺便复习了一下历史。

带有隐喻的电影，以史论今的成分显而易见，但导演的对全片的把握异乎沉稳，用冷峻的口吻讲述了二十年代的爱尔兰土地上的革命热情和青年们的思想状态。民族尊严往往都是由战士们的鲜血换来的，人们怀着对美好社会的渴望站在风口浪尖而毫无畏惧，影片从客观的角度揭示着前线革命者阶级地位的悲哀、命运的展转，同时也咏叹着那些执著而坚毅的牺牲者。

二十世纪初的爱尔兰仍然处在英国的殖民统治下，资本家和军队踏上这片安宁的土地，掠夺财富，蹂躏和奴役当地人民。电影在曲棍球赛中开场，气氛愉悦，小小的冲突展现出爱尔兰人桀骜的一面；然后是一个简短的对话，主人翁戴恩表示将前往伦敦，众人对此唏嘘不已；接下来，野兽般的英国卫队，羸弱的爱尔兰家庭和因不愿用英语报出自己名字而惨遭杀害的17岁少年，组成了一组激烈的冲突，彻底打破了第一幕的和谐与自由，形成强烈的反差。

事后，男人们聚在一起，讨论着应该做出回击，戴恩不顾大家的劝告，坚持认为“大英帝国”不可战胜，一切反抗都是徒然，毅然要尽快离开。但是，当他踏入火车站，又撞见了因为拒绝搭载英国士兵，驾驶，副驾驶和车站的工作人员被打倒在地，面对十几只枪口，他们竟毫无惧意。戴恩由此被触动，投身武力革命，直到最后付出生命。这是一次决定性的思想转变，改变了主人翁的命运，也确立了影片的基本发展方向，别的剧本里不乏类似情节，可以说是见怪不惊了，但本片没有拘泥于此，塑造出一个骁勇善战的英雄形象，在拉拢商人以求得武器而干涉自己的政府法庭一幕充分表现了其革命与政治思想的不成熟。

他们在作战，不屈不饶，时常冲动；他们不求苟活或满足于变相的殖民下的伪造和平；他们需要真正的主权独立，民族自由，却不知道谁可以引领他们，和他们一同坚持斗争直到建立民主政权，于是迷失甚至彷徨，如同唱着有力的爱尔兰曲子从薄雾中走来，再从薄雾中离去，奔向另一个战场。

当然，在激流勇进的时代，局势瞬息万变，有人坚持信仰，也有人驻足观望，十分讽刺的是，戴恩的亲弟弟，一开始坚持武力抗争的泰迪在和谈后参加了卫队军奉命追绞继续战斗的革命团队，戴恩不幸在冲突中被俘，劝降不成，处以枪决。国家，爱人，胜利，都在等着这个顽强瘦削的战士，然而年轻的生命却被最亲的兄弟出卖了，可以理解戴恩死前为何禁不住脆弱的颤抖。

肯.罗奇是值得敬佩的，作为英国导演敢于把这段历史搬上银幕本身就是一种成功。每个国家都有一些背后的故事，反省代表诚恳的忏悔。幕后的总有一天会展现在世人面前，时间作证。

拉上时代的幕帷 还是流淌着同样的血液

来自: 昕昕 (杭州)

The Wind That Shakes The Barley的评论

提示: 有关键情节透露

其实我不了解ken loach,没看过<tickets>,也不知道他独特的影片运作模式.当然我想他在独立表达一些什么

其实我不了解爱尔兰.我所知道的,不超过翡翠岛,三叶草,爱尔兰咖啡,共和军,都柏林,叶慈的诗,还有乔治·萧伯纳.说到那段历史的时候我还忍不住百度了一下,是的,历史横贯于1920年1922年之间

我唯一清楚的是自己厌恶战争,甚至在情感上也不吝惜怜悯侵略者的死亡.我知道一切生命都是珍贵的而一切战争都可以回溯到罪恶.

当然,我还是希望对这部影片说上几句

其实多数人并不十分了解意识形态,政治或者国家机器.他们是工人,贫民,觉醒的知识分子,他们是爱国的爱尔兰人.其实他们也不知道这个多灾多难的岛国将会何去何从. 但他们知道要争取自己的自由.

他们拿起武器,别选择.

后来的某一天在遗书里面,医学院毕业生和民族抵抗者Damien,写道,

"我很努力地不卷入战争,我尽力了,现在我想退出,但根本不可能"

这样的命运,从他加入哥哥Teddy领导的游击队开始,从他没有坐上去伦敦的列车开始就已经决定了.

Damien和Teddy这一对兄弟,流淌着同样的血液.他们爱着的,都是绿色的爱尔兰.他们曾经一起被捕过,Damien还试图顶替Teddy去受刑.他们一起战斗过,游击队在Teddy的领导下,曾经和我一样不愿意面对死亡的Damien第一次杀了英国人,也亲手处死了叛变的孩子Chris,Chris只有17岁.

此时此刻,Damien的尸体僵卧在地,替他解下绳索的也是他悲痛的哥哥Teddy. 但就在刚刚,下命令处决Damien的, 也是Teddy. 他歇斯底里的喊叫着, 喊叫着, 直到另一个生命终结.

这已经是在悲剧性的1922年了,英国政府同爱尔兰于前一年12月签订了仍然不平等的英爱条约,而同时,内战爆发了.由于对于如何达到完全的自由看法不同,一部分人继续抵抗,一部分人加入政府.手足被撕裂了,战壕里的兄弟分处在两边. 1916年起义爆发开始,无数人倒在了路上.Damien和Dan这些死去的抵抗者,都没能够看到1949年4月18日全部的自由的到来. 而Teddy的选择,也未必是通向这一结果的正确途径. 时至今日,甚至所有的爱尔兰人也许都再看不到北部6郡的回归了.

个人被投入时代的洪流之中,不断有人付出了生命.

Chris的母亲收到Damien送来的死讯,

Damien深爱的妻子Sinead收到了Teddy送来的死讯.

而从前,Chris的母亲看着Chris进入Damien的游击队中,Sinead看着Teddy将Damien带入了游击队,他们只是期望自己的亲人平安归来.

Damien处死了Chris,Teddy处死了Damien.

Dan最后死在了爱尔兰人的枪下, 罗里也杀了两个爱尔兰人.

都是命运的玩笑.

但拉上时代的幕帷,还是流淌着同样的血液,爱尔兰的血液,兄弟的血液.

以一曲爱尔兰民歌结束吧

"对她逝去的爱

却也让我深深地想起 故乡爱尔兰

当微风吹过幽谷

摇曳金色的麦田

悲悯之辞 难以言表"

风吹稻浪《The Wind That Shakes the Barley》

来自: Mark1997

The Wind That Shakes The Barley的评论

Barley，大麦，爱尔兰似乎不产水稻。

（一）

这是一部半小时前看完的电影，全长两个多小时，今年5月获得金棕榈奖。算是慕名，特意下载，之前看影评，说是再现1920年前后爱尔兰人争取独立与权利的旧事，揭露当年英国殖民者的残酷镇压和爱尔兰人的反抗史。

看完后，就着特意调暗的灯光，喝下半杯温茶。思维停滞大约有一分钟，baidu，影片的名字取自爱尔兰诗人/音乐家威尔?乔伊斯的歌谣

脑海中是地球另一边，风拂过金黄麦田，女声，舒缓、深情，怀着淡淡哀伤的歌声铺满山岗和谷地，或许有一位年事已高的长者，在某处老房子前的软椅上，安详的注视着麦田和永远在流淌的河水。

（二）

那些年轻的中年的人们，看着自己的伙伴因为用本民族语言（而不是英语）向军人说出自己名字而被打得血肉模糊悲惨死去，听着英国占领军极尽侮辱的音调，在悲愤交加中走上暴力反抗之路……

影片从始至终没有成规模的血腥战争场面，但依然让人感觉到残酷。

那个火车司机，丹，因拒绝英国军人搭乘火车，招致头破血流；

那个貌似领导者的年轻人，受审讯时，指甲被钳子生生拔掉，一个字也不说；

那个年轻人，被迫出卖战友，终与面对自己兄弟的枪口，子弹打进胸口，他只有17岁，死前，请求把他埋到附近的教堂；

主人公，Damien——领导者的弟弟——外表柔弱，将子弹射入曾经的战友现在的告密者的胸口，双眼充满无奈的悲痛；

他们在争取爱尔兰人的权利和独立，几年后——1921年底——得到的是充满妥协的“条约”。掌握自己资源和财产，可以自由生产和创造的权利依然没有完全实现，还有1/4的人依然被失业困扰。其中有一个细节，Damien是医生，被请去诊断一个小孩的病情，看完后，他对战友说，“他（这个小孩）太饿了”。

最终，当年一起战斗、流血的朋友们分成两个阵营，一部分人穿上政府的军装，拥护妥协的政府，而另一部分人继续拿着枪，为真正的自由和权利继续战斗。很不幸，当年视死如归的哥哥成为新政府的军官，弟弟Damien依然要战斗下去。影片的最后，弟弟Damien在哥哥流泪痛哭的命令声中被枪决。一场正当、崇高的民族自由运动，充满必然的沦为内部派别之间的杀伐。熟悉中外古今历史的朋友都会清楚，如果非说历史有些什么必然的规律，这种悲剧恐怕是铁定的规律，为什么？ 我以为，这是形形色色的人置身其中的历史，人性本不善！

（三）

它不是《爱国者》，它也不是《西线无战事》，仅仅是某个民族的记忆，相信某位影评人所说，“《风吹稻浪》更重要的价值远不是对历史的检讨，而是对现实的思考。”

《风吹稻浪》的中文网站上，有一句话——“爱尔兰的河水是咸的，因为那是爱尔兰人的眼泪。”

对爱尔兰人的历史很不了解，很多东西，无法感同身受。为此，应该了解爱尔兰的近代历史。

（四）

The Wind That Shakes the Barley

歌词:

I sat within the valley green

I sat me with my true love.

My sad heart strove the two between

The old love and the new love.

The old for her the new

That made me think on Ireland dearly.

While the soft wind blew down the glade

And shook the golden barley.

T'was hard the woeful words to frame

To break the ties that bound us.

But harder still to bear the shame

Of foreign chains around us.

And so I said the mountain glen

I'll meet at morning early.

And I'll join the bold united men

While soft winds shook the barley.

T'was sad I kissed away her tears

My fond arm round her flinging.

When a foe, man's shot burst on our ears

From out the wild woods ringing.

A bullet pierced my true love's side

In life's young spring so early.

And on my breast in blood she died

While soft winds shook the barley.

But blood for blood without remorse

I've ta'en at oulart hollow.

I've lain my true love's clay like corpse

Where I full soon must follow.

Around her grave I've wandered drear

Noon, night, and morning early.

With breaking heart when e'er I hear

The wind that shakes the barley.

====END======

◎译　　名　忠奸人/惊天爆/绝地危机
◎片　　名　Donnie Brasco
◎年　　代　1997
◎国　　家　美国
◎类　　别　犯罪/剧情/惊秫
◎语　　言　英语
◎字　　幕　中文
◎IMDB评分 7.6/10 (30,131 votes)
◎IMDB链接 http://us.imdb.com/title/tt0119008/
◎文件格式　RMVB
◎视频尺寸　800 x 336
◎文件大小　2CD
◎片　　长　02:06:37
◎导　　演　汤姆 沙迪亚克 (Tom Shadyac)
◎主　　演　约翰尼·德普 Johnny Depp  ....  Donnie
　　　　　　安妮·海切 Anne Heche  ....  Maggie
　　　　　　阿尔·帕西诺 Al Pacino  ....  Lefty
　　　　　　迈克尔·麦德逊 Michael Madsen  ....  Sonny
　　　　　　格雷琴·莫尔 Gretchen Mol  ....  Sonny's Girlfriend
　　　　　　George Angelica  ....  Big Trin
　　　　　　Madison Arnold  ....  Jilly
　　　　　　Val Avery  ....  Trafficante
　　　　　　Sandy Barber  ....  Siger
　　　　　　格里·贝克 Gerry Becker  ....  Dean Blandford
　　　　　　Edward Black  ....  Wiseguy
　　　　　　Dan Brennan  ....  FBI Photographer
　　　　　　James Bulleit  ....  U.S. Attorney
　　　　　　Laura Cahill  ....  Communion Party Couple
　　　　　　
◎简　　介

剧　情：

　　为打击黑手党势力，美国联邦调查局委派探员乔皮斯通化名道尼布拉斯科打入黑帮卧底。通过一次珠宝生意，乔结识了黑帮头目本尼罗杰洛，并得到他的赏识。为取得罗杰洛的信任，乔不得不无恶不做，参与了一系列犯罪活动。但随着与罗杰洛接触的越久，乔竟对罗杰洛产生了友谊，为人处事的态度也发生了变化。由于工作的过度投入，更忽视了家人的感受，令妻子与其产生了隔阂。在心意彷徨的这段时间里，他没有按时间向联邦调查局发出情报，而罗杰洛已按奈不住抢班夺权的野心与道尼谋划干掉老大的计划。不料，联邦调查局由于长时间与乔失去联系，另派人进行跟踪监视，致使罗杰洛的计划败露。形势发生急转直下的变化……

　　一部出色的卧底警探电影，根据真人真事改编，由迈克·纽威尔导演。约翰尼·德普饰演联邦调查局的探员乔，他奉命混入黑手党犯罪集团卧底。左撇子鲁吉洛是乔的顶头老大，两人在朝夕相处中产生出父子般的感情。为了取得黑帮的信任。乔完全将妻子和三个孩子置于不顾，经常参预偷窃抢劫的犯罪行为。最后，乔由于鲁吉洛的感情投入过深，以至几乎迷失了自己的警探身份。全片拍得相当紧凑动人，尤其对介于黑白之间的边缘人心境着墨甚浓。阿尔·帕西诺饰演意气风的老江湖鲁吉洛表现甚湛，特别是他明知难逃一死时却仍装作若无其事离家的一幕处理得极为感人。

　　基本没有什么动作场面，主要着重于刻画黑白之间边缘人物的心态。全片根据真实事件改编，历史上确有此人，据传黑手帮至今仍悬赏50万美金捉拿此人。影片拍的相当紧凑动人，两位好戏之人更是将角色演绎的栩栩如生。阿尔帕西诺的演技自不待言，而性格派小生强尼戴普更凭此片确立了其在好莱坞的地位，由最初的一心破案，到之后的逐渐对罗杰洛产生感情，并视其如父，这一系列心理转变过程的表演，强尼戴普均处理的极佳。其实，卧底人的心态，局外人是绝对无法了解的，而乔皮斯通在破案后所得到的奖励也不过是500美元和一个奖章而已，付出的却是下半辈子隐姓埋名的代价。

一句话评论：

In 1978, the US government waged a war against organized crime. One man was left behind the lines.

帕西诺和德普的出色表演相得益彰。

——《滚石》

迈克·内威尔的天赋让演员们在银幕上奕奕生辉。

——《纽约时报》

幕后制作：

　　一部出色的卧底警探电影，根据真人真事改编。全片拍得相当紧凑动人，尤其对介于黑白之间的边缘人心境着墨甚浓。阿尔·帕西诺饰演意气风发的老江湖鲁吉洛表现精湛，特别是他明知难逃一死时却仍装作若无其事离家的一幕处理得极为感人。

　　影片改编自约瑟夫·D·皮斯通(Joseph D. Pistone)与理查德·伍德利(Richard Woodley)携手所著的《唐尼·布拉斯科：我在黑手党的卧底生活》(Donnie Brasco，My Undercover Life In The Mafia)。本片制片人路易斯·狄吉亚莫(Louis DiGiaimo)在上中学时就认识皮斯通，而且成年后也经常在一起，但狄吉亚莫从不知道他朋友的工作真相，直到看到报纸的头条标题。狄吉亚莫回忆说：“我根本不知道他曾为联邦调查局工作。那时我们每周都会在一起玩两、三次篮球，直到他有一天突然消失得无影无踪。大约6、7年后，所有纽约报纸都刊登出一名联邦调查局特工在黑帮卧底的头版故事，而且他们用的是真姓--皮斯通。起初我以为是个玩笑，我在想真的会是他吗？几天后他挂电话给我，我们共进晚餐，我才相信这一切是真的。我告诉他这段经历可以写进书中、拍成电影，他说没想过，要等到审判结束才行。然而这一等就是4年。”

　　《唐尼·布拉斯科：我在黑手党的卧底生活》出版于1989年，本片制片人马克·约翰逊(Mark Johnson)回忆道：“当时我们正在拍摄《雨人》，路易斯·狄吉亚莫把这本书拿给我们，这让人着魔的故事很适合改编成剧本。”随后，约翰逊的搭档、制片人盖尔·穆特鲁克斯(Gail Mutrux)找到了《幕后谎言》和《叛逆性骚扰》的编剧保罗·阿坦纳西欧(Paul Attanasio)，请他来改编剧本。

　　在选择导演时，制片方采用了逆向思维，不是在擅长黑帮题材的美国导演中物色，而是找到了以美好和幽默著称、曾执导《四个婚礼和一个葬礼》和《情迷四月天》的英国导演迈克·内威尔。制片人约翰逊说：“我们都认为迈克·内威尔能够理解影片中最重要的东西，那就是鲜明的人物和他们所处的有趣而又悲凉的境遇。而且英国导演的优势在于，他能够以一个局外人的视角看到和发现很多美国人会遗漏的东西。当我和他第一次去布鲁克林选择拍摄地时，就像一次社会学考察，一切调研工作都进行得很深入。”

　　内维尔甚至融入了美国人的地下生活，深刻理解到唐尼·布拉斯科对鲁杰罗的爱恨交织，他说：“我在布鲁克林犯罪人群聚居的地方呆了一段时间，他们赌博、放高利贷等等。每周末我都会来到他们的社交俱乐部，一起推杯换盏，很明显，他们不会把所有都展现给我，但我会尽力观察。他们对我很慷慨，我开始喜欢上这帮家伙，我必须提醒自己，他们还在做着可怕的事，我们曾经一起度过美好时光，对于其他那些，我真的不想知道。”

　　全片在纽约、新泽西、佛罗里达拍摄，一部分场景出自布鲁克林的摄影棚。每个地点的布景设计都有所不同，用色更是根据人物心理而定。在服装方面，服装设计师彻底体现了70年代特质，即当时没人穿着真丝、棉毛类衣服，占据主流的是涤纶材料，而且影片中的人物并不富有，有时甚至会带着商标招摇过市。

花絮：

·在小说原作者、前FBI探员Joseph D. Pistone的文章中，"Lefty"," Lefty Guns," "Lefty Two Guns", "Half Cocked", "Horse Cock"皆是Benjamin Ruggiero(阿尔·帕西诺饰演)用过的假名。

·"Fuck"这个词在片中出现了185次。

·最开始乔·佩西(Joe Pesci)是导演心中Nicky的主要人选，但当1990年他主演的《好家伙》上映以后这个念头就消失了。

·汤姆·克鲁斯原先是扮演Joseph D. Pistone的人选，但是由于影片的发行由于《好家伙》而推迟，于是角色最终落到了约翰尼·德普头上。

·Lefty("左撇子")的真名叫Benjamin，而Benjamin在西伯莱语中的含义是"son of the right hand"(右手之子)。

·约翰尼·德普曾跟Joseph D. Pistone多次会面以学习角色的专业知识。他还参加了FBI的枪击培训。

·片中赝品宝石的黑帮术语是"fugesi"，这是一个当地出租车司机的名字。

·片中Joe Pistone练习射击的片断是制片商坚持要求加上去的，因为他们想要制作一个含有约翰尼·德普开枪镜头的预告片

精彩对白：

Lefty: I never hear from my boss until he dies, then my whole life gets turned upside down!

Lefty:直到我上司死了我都一点消息没有，然后我的生活变得天翻地覆。

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Lefty: When they send for you, you go in alive, you come out dead, and it's your best friend that does it.

Lefty:当他们送你进去时你就别想活着出来，而这一切是你最好的朋友干的。

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Sonny Black: Hey, will you fuckin' stop that?

Sonny Black:嘿，你他妈就不能停下来么？

Lefty: How am I gonna get this thing open?

Lefty:我怎么才能打开这东西？

Lefty: Open Sesame!

Lefty:芝麻开门！

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Sonny Black: How can John Wayne die?

Sonny Black:约翰·韦恩是怎么死的？

Lefty: Fuckin' Indians got him.

Lefty:该死的印第安人住捉住了他。

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Lefty: A wise guy's always right even when he's wrong, he's right.

Lefty:一个聪明人总是正确的，即使他错了，也是对的。

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Joe Pistone: All my life I've tried to be the good guy, the guy in the white fucking hat. And for what? For nothing. I'm not becoming like them; I am them.

Joe Pistone:我一辈子都想做好人，带着该死的白帽子的好人。为什么？不为什么。我并不是变得像他们，我本身就是他们。

《忠奸人》：在分水岭上告别一个时代和一个演员

作者：flyerzeng

　　偶好像从来没有专门为《忠奸人DONNIE BRASCO》这部电影专门费过什么笔墨，事实上虽然这片不赖，但是在娱乐电影异常活跃的96、97、98年，这样的电影也很容易被忽略，所以一时有感，却很容易被其他更多劲爆影片的肾上腺素所取代。。。。

　　按照通用的说法，《忠奸人》是一部被人为延迟了几年的影片，当年巴里·李文森买下它的原著电影版权并打算拍摄的时候，已经选的卡士，来自《教父三部曲》的当然黑帮大哥、“迈克尔·科里昂”阿尔·帕西诺+大帅哥汤姆·克鲁斯！那正是在1990年，当时阿尔·帕西诺刚刚结束自己在《教父三部曲》中的最后演出，汤姆·克鲁斯在前一两年的《雨人》等影片中在拼命向演技派靠拢。。。。。多么值得意淫的组合啊(那个年代这种组合也很流行哦,别说《雨人》，像《华尔街》、《金钱本色》这样的组合都是堪称经典的)！可不凑巧，这时候马丁·斯科西斯插了一杠子，这年，他的黑道大哥班底--罗伯特·德·尼罗、乔·派西等的《盗亦有道》和科波拉的《教父》谢幕作--《教父3》一前一后均上映了，而且票房均以失利告终，其中《盗亦有道》居然不敌史蒂芬·史葛的垃圾动作片《杀不死的勇者》，而《教父3》当年也好不到哪里去，在年底奔着OSCAR档期上映的该片，口碑与商业均不算成功，很多年后不断重映才算赚回了5千4百万的拍摄成本。。。。90年到91年成为传统史诗型黑帮电影的最后晚餐，那个年代，吴宇森的香港辉煌时期也日落西山，香港的黑帮电影也让位给了一个叫周星驰的死跑龙套的喜剧小子。

　　所以《忠奸人》在这种商业前景险恶的情形下被搁置，也是很无奈但明智的选择，90年代初，是电影工业的一个重要转型期，这一阶段是美国电影奠定全球霸主地位的决定性时期，91年上映的《终结者2》不仅是毫无争议的年度票房霸主，同时也昭示了此后好莱坞电影技术+娱乐的基调。不过《忠奸人》躲得了初一，却没能躲过十五，当七年之痒发作，《忠奸人》再度上路，这回又遭遇到了詹姆斯·卡梅隆，这回的打击更大，居然是《泰坦尼克》！别说是《忠奸人》了，1997年里几乎所有的电影都要慨叹，既生偶，何生泰坦尼克。。。。。其实这年的好电影并不少，其中也包括偶最喜欢的怀旧警匪作《洛城机密》，而要让人对票房TOP 50开外的《忠奸人》能有啥非同寻常的深刻印象，那就未免太过矫情和造作，虽然这片没有赔本。

　　过去的十年，从VCD、LD到DVD，其实都算看过《忠奸人》，但有些不同的是，虽然看得很少，但是每次看，都像在看一部新电影，因为次次都会有不同的感慨和发现。最早看《忠奸人》的LD和VCD，是冲阿尔·帕西诺去的，虽然片中70年代的打扮看起来十分古怪，黑帮都梳着苍蝇都会滑倒的油光可鉴的大背头，可是好歹也让人看看喇叭裤或者爆炸式吧？可惜没有。。。。阿尔·“大哥”·帕西诺太让人失望了，完全对不起偶对他多年的景仰，至于那个什么戴普，抱歉，不怎么认识哦。DVD时代的《忠奸人》，偶只看过一次，是在某D5上看的，好象是JF的，其实那会儿真没注意电影了，因为大脑光和那个有亮边出现在屏幕下沿的字幕去战斗了。。。。其实以《忠奸人》一片的品质和水准而言，它在SONY DVD里的地位不应该只有今天的地位，它的DVD版本序列是少见的简单，到2000年SE版（特别版）发行就算嘎然而止，SONY给它的一大堆不知所云的垃圾片各种版本都洗出花来了，可这片，就再也没变化过什么，而在海外，它的境遇居然悲惨到除了正片，啥也没有，据说三区连封面都是COPY的一区SE版，可里面，还是只有一个光溜溜的正片。

　　前几天拿了一张FH的D9，找了昨晚这么个凉爽的夏夜（武汉的夏天能凉爽而不使用空调的夏夜只能用个位数表达）一个人怔怔DI看着。这才慢慢意识到，《忠奸人》对于很多事情而言，来得比它的票房收入、DVD版本等等重要得许多。如同歌舞片、西部片逐渐淡出银幕一样，在信息和IT的今天，刀口舔血的黑帮电影也越来越不合时尚，因此它逐渐淡出电影的主要舞台，也没有太多可以遗憾的，因为它确实非常辉煌过。《忠奸人》的时代，这种黑帮电影已经属于非典型的时代，昆廷或者盖·里奇们已经把黑帮当做符号学和类型化的标志去玩转暴力了，一本正经DI黑帮史诗已经不复存在，要不怎么说《无间道》会召集那么多拥趸呢？其实是用来怀旧，怀的不是黑社会的旧，而是N多人的群体电影经历的旧。《忠奸人》反映的黑道，是左右为难的黑道，既没有英雄主义的情愫，也没有热血沸腾的基础，没有威风凛凛的老大，也没有梁朝伟式迷人的卧底，游走在黑白两道之间的强尼·戴普很帅哥，但杀不死人。《忠奸人》找当时因《四婚一葬》而名声大噪的英国人迈克·纽威尔来拍一部美国黑帮电影，偶找不出什么理由来，如果纽威尔拍《哈利·波特》，这点无可非议，可是慢慢偶才明白，纽威尔不是来拍典型美国电影的，而是来引导演员们的。。。《忠奸人》里有一群黑帮电影的标志性人物，例如阿尔·帕西诺，例如麦克·麦德森，就像《四婚一葬》里有标志性的帅哥美女一样，但《忠奸人》又是非典型黑社会电影，不是史诗，也不是暴力美学，它更像卡赞式的作品，因此片中也会有船，有码头，但气氛却是萧瑟和晦暗的，在彩色的电影中，却不时会有黑白的单纯感受，好像FH的外包装，标致极了，这应该不是原版的DVD包装，但FH的自制包装却非常准确DI传达了影片的这种感受（这是偶近期最喜欢的一套DVD的平面创意）。

　　所以《忠奸人》不算是特别好的黑帮电影，或者说它的黑帮其实非典型，它也不是很美国的电影，FBI或者黑帮都只是故事里的角色，那看它的什么呢？答案是：看演员，看时代的交替，看一次交接仪式。《忠奸人》的奇特之处在于，它第一次让人真正看到了阿尔·帕西诺的老去，看到了属于他的那个经典演技时代的尾声，虽然有人说《情枭的黎明》才是帕西诺告别黑帮的作品，但是那部影片依旧还是他老帕的独角戏。老帕在《忠奸人》里的角色“老左”其实是个小人物，缺乏当大哥的天赋和气质，但他是影片的核心人物，即使在宣传品上，他还像大哥一样永远排在第一排，但《忠奸人》只能看到他衰老的影子，就和他的角色一样，从《忠奸人》开始，老帕再也不是银幕上让众人聚焦的中心。其实老帕的演技依旧出色，他最后一幕的表演依旧摄人心魄，但是如同隔年的《惊爆内幕》一样，虽然在海报上，他的名字总写在第一名，但戏，已经让位给排在他后面的那个人，虽然他们都还很年轻，大概只有像奇诺·李维斯这样的一些偶像小生，才没有能力抢他老人家的戏。

　　对，《忠奸人》的中文译名确实好，比《多尼·布拉斯科》要准确得许多，能勾引人进电影院去看以为是吴宇森或者梁朝伟式的黑帮卧底片，但是却很容易让人忽视了强尼·“多尼·布拉斯科”·戴普才是真正的主角。老帕的老，就是在诸如戴普、克罗这样的年轻新锐演技派们面前才显露无遗。多数人在《惊爆内幕》的时候，才意识到老帕时代的过去，可是在两年前的《忠奸人》里，老帕已经被年轻的戴普给吃得死死的，成为戴普最好的陪衬，这特别像头牌小生周润发在《辣手神探》里面对梁朝伟时的处境，而周的处境比起老帕，更是尴尬不已，即使周独霸着海报，可人们全记住了梁。。。。其实戴普的演技之深厚，可以用深不见底来形容，他所参与的影片，类型之古怪离奇，甚至让人很难把他归类，就像梁朝伟一样，属于那种通杀的类型。人们都说，梁朝伟有双“电眼”，可迈克·纽威尔也说，电眼不止梁有，所以《忠奸人》的第一幅画面，就是戴普的一双眼睛。

　　《忠奸人》估计不会是一部“最后的黑帮”电影，不过它还是奏完了一个属于黑帮的古典主义电影时代的最后一个音符，虽然今天还能看到各种各样的黑帮，例如刚刚看完的《神鬼转运》里的漫画式帮派或者《判我有罪》里档案照片式的黑道家族，但是当阿尔·帕西诺他们不可避免DI老去之后，连《纽约黑帮》这样的诗歌，都变得索然无味了。。。。

忠诚与背叛
来自: lenjianbinshuan
评论: 忠奸人| Donnie Brasco

我觉得最精彩的片段：Lefty被一个电话召唤，心知大限将至，临走前悄悄把身上所有值钱的东西摘下来，放进衣柜的一个小抽屉里，又把小抽屉稍微拉开一点。

这是一个根据真实事件改编的电影。不知这个片段是真的呢，还是剧组的发挥，如果是真的，他们从哪儿知道的呢？

Joe Pistone对妻子说：我没有变得象他们，我就是他们。正因为有这念头，他心中对背叛的痛才必定极深。不论是不是拿“这是我的工作”当挡箭牌，静夜问自己，良心最难欺骗。

中文名《忠奸人》虽然跟原名风马牛不相及，却传神之至。导演自己就说：这是一个关于忠诚与背叛的故事。

电影的缺点？我没看出来Joe为什么会和Lefty发展出那样深厚的情谊。

给它三星，因为娱乐性不强。不是fans可以不看。

信任与背叛的折磨--电影<忠奸人>

评论: 忠奸人

景星

强尼.缔普的早期作品<忠奸人>.

虽然碟早就买了,被我压箱底压了个把月,前几天才翻出来看,竟然没有看出来那个帅帅的FBI就是我家小强（- -|||这个名字取的似乎有些欠揍）。

看多了碟中碟，无剑道，原本该对这类情节不那么感冒了的。但看完的感触还是沉重那个良多。

警察抓小偷，潜伏卧底，最后一网打尽的俗套情节。

现在几乎抓到一个警匪枪战就是这种桥段，哪个会死那个该活闭上眼睛就能数出来。但这片子却不能叫我这么轻易的就去分类，划入这一刺激惊险的格调中。当屏幕上那个巨大的"the end"出来的时候，足足两分钟，我还在发呆……

脑袋里一直回响着最后那一声枪响。

然后告诉自己：莱弗缔是真的死了，真的死了，电影就完了。

这真的是警匪么？从头到尾，没有看见特别惊险的枪战，没有英雄勇闯火线，我所看见的，就是生活。只有生活。

莱弗缔第一次和道尼见面，因为窘迫的生活要卖掉一个从别人那里讨来的戒指。

他号称是这一带无人不知无人不晓，大名鼎鼎的小头目，看起来就是一个落魄的中年欧几桑，为了生活四下打点。倒是道尼，这个伪装中的FBI，为他殴打给他那个赝品戒指骗去3000美金的骗子时候，表现出不同凡响的黑社会老大的气质。

两个的相遇有些戏剧化，但必定不是偶然。

一个急着要钱，另一个则伪装着等鱼儿上钩。一个完全唯钱是图，另一个一开始就本着欺骗的本质。

然后 莱弗缔就开始打算把道尼拉入黑手党，这也是道尼接近他的本意。

加入黑社会，大家能联想到什么？一起去打架杀人，一起抢银行？看过太多的电视电影，无非是这么些桥段，而这里，却没有那么快就转入正题。

除了带着道尼参加了一个小小的头目聚会，就开始了他们各自的家庭生活。

作为一个黑道人员和白道人员，他们都有一个美满幸福的家。这一点如此接近，莱弗缔有他爱的老婆，和一个儿子，美中不足的是儿子吸毒，讲到这个儿子，莱弗缔透露出无奈，但这并不影响在大年之夜邀请道尼品尝他亲手做的炸鸡的好心情。

得意的炫耀着自己的手艺，喜欢坐在电视面前看动物世界，喜欢唠唠叨叨的诉说最近的苦恼。

我们看见的就是这样的一个黑社会小头目，感觉上就是邻居家的大叔，有些和蔼，更有些孩子气。

作为特工人员的道尼，肯定也一下被这么一个黑手党成员搞懵了。强尼的演技很好，这个不用我多说，最经典的是他从刚认识莱弗缔和到稍微熟悉他以后的表情变化，开始一直装大款，摆酷，装硬，强烈的想演绎出他自己心里的黑手党员的行为和做法。

结果碰见了这个莱弗缔，作为一个小头目，却连一个骗了自己3000美金的骗子都搞不定的大叔= =|||，还号称杀过7个人。

然后看见喜欢看动物世界的莱弗缔，愕然了。

再然后，近乎有些搞笑的看着莱弗缔义正严辞的告诉自己，他是他的保护人，他代表了他！再一脸委琐的向自己借钱。

开始的准备和伪装，都在这一刻显得做作了，道尼只能有些惊讶的，默默的看莱弗缔做这做那，恢复了自己和人交往时候，最原始和最笨拙的表情，长期的特工生活，让他冷酷和寡言，与人交往，不是欺骗就是撕杀，朋友，可能是自身定义以外的词语吧。以至于大部分时间，都是有些傻傻的看着和听着，倒是那个有些絮絮叨叨的莱弗缔在做一切的主导。

真是的，他真的是黑手党员么？

我们和道尼都是一脸黑线。

他们的感情，也就在这几近于温馨的居家生活中升华起来。

在真正出事情之前，除了像组织递交一些资料，道尼过的就是比较闲适了。因为没有家人在身边，莱弗缔就是他的长期据点，一个星期两次，即便是做为真正的黑手党内部朋友，也不会有这样亲密。

他们是真正在做着朋友。连道尼自己也没有察觉，感情这种东西，就这么在时间的推动下潜移默化了。

黑手党内部发生第一次自我倾轧的时候，真正残酷的现实的车轮就开始滚动了。

道尼这时候清醒的认识到自己的任务。作为一个出色的特工，他精彩的扮演着他在党内的角色，在莱弗缔之后又取得了上部的信任，并且凭借手段用船买到了头目的赞赏。他有能力，在哪里都不会甘于平凡，而也只有往上爬，才能更出色的完成任务。

这本来是一件好事。

但与莱弗缔的生分，却让他惊慌失措了。

被利用的道尼和莱弗缔把原本准备自己用的船拱手让给大头目以后，莱弗缔开始怀疑是道尼告密。被怀疑的道尼，和被背叛的莱弗缔一人在船头，一人在船尾，郁闷的喝酒。

当道尼被大头目拖下舞池的时候，看见莱弗缔那受伤的眼神，恐怕一辈子都不会忘记。

其实这时候，莱弗缔的信任与不信任都已经无关紧要，作为一个特工，他打入了内部，得到更高人士的赏识，这只有利而无害。然而仍旧可以感觉到，道尼看似平淡的眼睛里，有着深深的伤痛，为了莱弗缔的不信任。

两人的误会，在医院走廊上，莱弗缔一句“我爱你，道尼”冰释了。都不需要任何解释，解释根本就是多余。

莱弗缔的儿子要死了，他最无助的时候，把电话还是打给了道尼。即便他欺骗了自己，即便他现在步步高升，飞黄腾达。  莱弗缔还是只认这个朋友，可以一起喝酒吃年夜饭，听自己絮絮叨叨，借钱给自己的朋友。他就是这么单纯的一个人。

道尼从佛罗里达赶来，拥抱着安慰他。

他却让他走，那边的产业刚刚起步，他不想耽误了道尼高升的机会。意气的道尼死活不肯，“我要在这里陪着你！”他发脾气一样的大吼。

两人走到这里，如果没有那么多的背景，没有那么多纷争，就该是一生一世的朋友了。

该发生的事情还是要发生，道尼最后还是要背叛他们所有人，回到自己的生活中去，他有爱他的妻子，三个可爱的女儿，他们一年都难得见到一次面，特工的生活也许是他以前的兴趣和爱好，但和莱弗缔的接触，让他开始向往正常的生活了。妻子的抱怨，女儿的冷淡，他的工作和生活的矛盾在加剧。

黑手党再一次发生了倾轧。

道尼的工作也要渐渐进入尾声。所有资料都齐全了，上部让他尽早结束。

然而他还有事情要做，他在无私的工作中开始掺入了私人的东西，他几乎幼稚想，是不是只要能救莱弗缔一个人出来，再结束这工作就好呢？

他私藏了黑帮的钱，打算把它给莱弗缔，然后劝他离开。

莱弗缔却拿出一张照片，之前那船是FBI收捕品的证据。很早就传言他们之间有密探，而道尼就是那个密探。

无论是谁，看这这张照片，都会毫不犹豫的怀疑道尼，而莱弗缔不，他说：如果你是密探，我就……

他举起枪对准自己的大脑！

“如果你是密探，我就是史上最蠢的黑手党人。”他说。

强烈的感情在蒙蔽他的双眼，他信任着道尼，说服着自己去无视所有不利的证据。

在这样的信任下，道尼在痛苦，他无法像以前那样，作完自己的工作，丢开一切就可以走，当你在欺骗的时候，最折磨良心的不是被揭发和被抓出，而是爱你的人对你的信任。你永远无法容忍自己用那些信任将他们推下深渊。

道尼想要弥补。

这不再是简单的正义与邪恶的斗争，他再也无法一句‘我在行使公正和法律’就了事。

爱，会让一切条款扭曲。

只要还有一点时间，做完这次的任务，把钱给莱弗缔，然后一切就可以完美的了结。

就差那么一点点的时间。

“你的工作完成了，你结束了，可以回家了。”同行说着恭喜的话逮捕了他。换来他的咒骂和不甘！

身后传来同样被捕的莱弗缔的呼喊：“什么也不要说，我会请来最好的律师救你！什么也不要说，我一定会请来最好的律师救你！”如果我是那个黑手党员，听到这个，会全心的信任和放心。

是道尼的话，又该是怎样的揪心和沉痛？

从此两人再不会有机会见面，而他成了永远的背叛者。

回到家里的莱弗缔还是不能接受道尼就是那个密探的事实，然而他已经要为他的失误付出代价。

曾经多次，被总部电话的时候，他预感到自己会死，一次他对道尼说，保证这量车我老婆能拿到。这次的预感尤其强烈，他取下他的手表，钱包，信用卡，身上一切值钱的东西，留给妻子。若无其事的走出去，对她说：“如果道尼打电话来，你告诉他，我很高兴他是那个密探。”到最后，他就只是一个神经有些大条，爱着妻儿，单纯善良的大叔。

他毫无怨言的接受了命运

黑暗中一声凄厉的枪响！

镜头转换，却是练习打靶的道尼。

他们一家在空荡的礼堂里进行着只有7，8个人的受勋仪式，500美金和一个徽章。然后人们就离开了，留下一家人寂寞的站在那里。妻子和孩子拥抱着他，“我们回家吧，我们可以回家了。”

他眼中闪过一丝落寞。

惊险的特工生活，结束的也是这样的落寞。

心里，有什么地方，被撕开了，一直一直还在淌血吧。

两个人成为朋友,是巧合,也不是巧合.

他们骨子里,是一样的人,做着自己的工作,却都是一个向往着安宁和幸福的常人 .

所谓的常人,也就是莱弗缔并非是一个喜欢杀人抢劫,作恶一方的头目性格,他不以他的现状为满足.他和道尼说他的梦想,买回他的船,然后和妻子一起飘向远方,谁也找不到.道尼也是,他并非喜欢惊险刺激,生死边缘的特工生活.白忙之中他还要回家和家人过圣诞,还想着大女儿的长跑比赛,他向往安静平和的生活.

偏又都处在不平常的位子上.

两个人都是很会过日子的男人,温柔,可靠,即便是在最艰难的环境下,有了他们,你会觉得安心.会时不时带来惊喜和爱情.我可以想象,莱弗缔的妻子是怎样被夺得芳心,在他大大咧咧的和道尼说:"无论在哪里,世界上最好的厨师都是男人"的时候.而道尼的妻子,哀怨的度过一个又一个孤枕难眠夜,却又无法抑制的对丈夫的思念和爱,即便是大吵大闹,也都是无可发泄的爱的表现.

这不是冷酷的特工和黑社会杀手,他们只是丈夫,父亲和朋友.就像平常的上班族,工作是为了生活,而生活是为了一家人的幸福.

所以这个原本以为会有刺激血腥的电影,却看起来是那么的生活化.仿佛就是一个纽约地下活动分子的生活追踪报道,一点一滴琐碎的小事,勾勒出两个血肉鲜明的男人.

如果他们不是这样相遇，如果只是在街头巷尾偶遇,各自带着家人,经由某一次采购,或者某一次宴会相识,一起喝酒聊天,两家人一起去野餐,两个男人谈论工作,两个女人互唠家常,孩子在草坪上玩耍,多美的风景.这才是该属于他们的风景.

莱弗缔不适合黑社会,道尼也不是合格的特工,他们太多情,太感性.

而故事,也就在不适当的情况下,找来不适当的人才演绎出来的不是么?

当道尼将黑帮的赃款私藏的时候,他就知道,他做不了一个铁面无私的执法者,他只是一个人,一个有爱,有情,有着无限痛苦的人.

执着于感情的人已经很少了.这是两个特例.

对莱弗缔来说,他想不了太多,他的生活中,赚钱养家就是工作,再然后就是和这个年轻的朋友唠唠叨叨的说话,即便有些烦恼,很快就要丢开,他的思想还是单纯的像个孩子.

所以他也不会有背叛这个概念,也不会想到自己会被人背叛.

他看道尼的眼神,那是在看向自己的同类的眼神,完全的不带任何戒备,完全的交付身心的眼神.

也正是这种眼神,道尼产生了错觉,在这一刻,工作和生活似乎没有被分开,伪装和现实也没有被分开.他是在做特工,还是真的在作朋友?他自己未必就能明白.但是,感情在付出,即便他怎样否认,这都不会改变,当他会为莱弗缔的感情所左右的时候,当他开始因为莱弗缔而苦恼的时候,他已经沦陷.

最近在和一些朋友玩杀人游戏，玩完之后，再来看了这部电影，突然发现，在最后一刻，能深深的体会到道尼痛苦的情。就像是一个本着杀死所有人为目的的杀手，在利用着对方的信任杀人。

这个时候会无所谓公众的道义，无所谓法律的规范了，因为每个人心中都有着自己的准则，那是自己道德的底线。当这底线开始高于法律的约束的时候，做与不做就不再是单纯的问题。

道尼一向被灌输的都是正义和执法，可是当法律要求他利用别人的信任去欺骗和背叛的时候呢？

对与错都只在他一念之间。

从加勒比海盗到无间道

评论: 忠奸人

Zeon

间谍片永远是惊心动魄，Jonhny Depp其实在很久以前就拍过间谍片。当然和无间道是有区别的，不是两个间谍的争斗，关键在于黑手党 阿尔·帕西诺 对于Johnny“慈父般的”关怀，让他究竟何去何从。

非常奇怪，阿尔·帕西诺在这部片子的一些介绍里面怎么都没有。他看来是注定黑手党的命了，从《教父》走出来，这次在这里作为一个“小头目”，没有绝对的权力，但是非常关心Donnie这个卧底。直到最后他们是怎么都不相信Donnie会是卧底，影片最后的那一排排字幕也就是阐述一下结局。我想导演也不愿意把一切都说穿了拍出来给大家看，人性这个话题实在很难作评判。

Donnie除了在黑手党内做卧底，面对各种情况，还有一个重要的事情就是和老婆周旋——说警察，尤其是卧底的老婆很难做，这是前镇完全。好在Maggie虽然知道老公是卧底，起码没有和其他电影一样很俗套的被绑架之类，只是带着三个女儿有点艰难的过日子，让人有点心酸。中间他们起冲突，甚至要到了分开的程度，但是最后听说老公失踪好几天，她还是着急的不知道如何是好。幸好结局说“他们隐姓埋名过着普通人的生活”，没有让观众太难过。

至于主角Donnie，相比起Jack船长那邋遢的样子，他在这次电影里面好干净不少。如果说他是黑手党，还真有点太奶油了。可是他凌厉的眼神，结合着正义的FBI气质以及善良的内心，让这个角色丰满许多。

《忠奸人》(1997)

原型：

　　影片花絮里有一个藏在马赛克后的中年人，他就是那个真实的FBI探员——片中Donnie的原型。在破获这起重大的犯罪家族案后，200多人被指证，100多人入狱，目前黑社会团伙仍悬赏50万要他的人头。

比较：

　　如果卧底的角色让人不自觉地想起《无间道》，也可以做一些无谓的比较。因为除了黑社会的大背景，故事和风格完全不同。

　　《无间道》的情节复杂，错综到第三部的时候都有点牵强了。而《忠奸人》更想表现的是感情的复杂，相处后的信任给辨别是非带来的障碍。《无间道》想讲一个卧底、警察、黑社会之间的故事，所以确实也无法将卧底在黑社会中的生活浓墨重彩。有意思的是，港片总还是黑白分明的，好人从来都没有向恶过，坏人却会想着从良。说实话，看到梁朝伟或者黎明或者《黑白森林》里的小伙子一脸坚定地说“我是警察”，我总是有点想笑，教育片的架势又摆出来了。可是如果你真的在黑社会里生活两年，有一个把你当儿子和朋友一样信任的大哥，还能那么决绝吗？也许有此差别的原因是，“无间”是编出来的，“忠奸”是真事。

　　港片里的小弟获得信任总是需要一番浴血奋战的，听大哥的话去背黑锅，流点血、会打架，把小命保住了以后，大概就差不多了，考验你是不是卧底就看你砍不砍警察。西片的犯罪团伙很复杂，家族性质的，不但要和FBI斗，自己内部还矛盾重重。也许在美国弄到枪太容易了，所以难的不是杀人，而是杀人的动机。

　　港片里的老大要不到处寻花问柳，要么女人干脆也参政，要不孑然一身。而《忠奸人》这部片子里无论是卧底还是族长，都有家庭。也许是对危险太过熟稔，他们懂得如何保全妻儿，对家人感情的真实流露让故事更加真实，也使他们内心更加矛盾。

演员：

　　Al Pacino的表演实在令人惊叹！他可以是第二代教父，也可以是黑社会家族中潦倒垂老却比较明智仍想争权夺势的尴尬族长。特别是在他预感到死亡的那一段，和妻子的吻别， 把身上尽可能值钱的东西放在抽屉里，怕妻子注意不到抽屉而把它轻轻拉出来。这一段表演干净利落，既没有煽情地去留恋每一个物件，也没有故意地表现出沮丧。当他把手表、挂件、 戒指、钱包一样样的摘下来，因衰老和无奈的笨拙动作让人心酸。

　　Depp的表演也十分出色，他把内心矛盾的FBI探员表现的很到位。这个角色一直都是情绪控制型的，控制自己不要对族长有太多感情，控制自己不要忘了自己的职责。只有过三次爆发，对FBI的同事、对妻子、对族长。三种不同的形式，三种不同的感情，很精彩。

对白：

　　片子中有一段非常经典的“forget about it”。Donnie用四种不同的语调说这句话，表达四种不同的意思，令人叫绝。片子最后的时候，族长在急匆匆行动中对他说：“如果你是卧底，那我真的是最大的傻瓜”后，Donnie也无意识的回了一句“forget about it”。真想仔细揣摩一下当时的语调究竟是怎样的，也许是同意，也许是不同意，也许只是“得了吧”。

译名：

　　我很喜欢《忠奸人》这个中文译名。做卧底的恐怕真的无法说忠奸，对一方的忠诚必然是对另一方的背叛。如果你迷失其中，恐怕只能是一个中间人——警察和黑社会的中间人，理智与感情德中间人。就算身处黑道，也无法说清楚什么是忠奸，他们也许在做一个错的行当，但也许他们同时是个好人。

读解男人：《忠奸人》

残阳渐渐吞噬了整个天空，大海安详地张开血红的翅膀，托起瘦弱的一叶孤舟。这个场景无数次地出现在莱弗蒂迷失的思绪里，在最爱的船上偎着最爱的人，幸福逃离。即使是这片刻的虚幻也变得奢侈，湮没在疲于奔走的生活里，若隐若现，渐行渐远。

　　 想起了一句话：年轻的时候我也有过梦想，现在看来，还真他妈的是个梦想。

　　 莱弗蒂拖着单薄却沉重的躯体，步履蹒跚地行走在荒凉的街道，那颗略低的头颅是如此苍老，衬得稍慢一步的唐尼手足无措。莱弗蒂是一个落魄的黑帮底层成员，打拼了三十年还是在角落里无人理睬的蚂蚁，被人玩弄于股掌，随时可以一脚踩死;唐尼是FBI的卧底，赖莱弗蒂的担保得以混迹于戒心极强的纽约黑帮。他本是个出色的特工，却渐渐迷失在自己的角色里，无力自拔。他敬莱弗蒂若父，莱弗蒂爱他如子。

　　 莱弗蒂曾经那么接近他的梦想，他站在迈阿密海滩上背靠着心爱的船，恭敬地向黑帮首领介绍自己时，满面春光神采飞扬。可是首领只问了一句话：“桑尼呢？”他明白了，自己终究摆脱不了失败的命运。莱弗蒂寂寞地呆在船尾，在歌舞升平中把自己深深地坐下去。他平静地看着桑尼接纳了唐尼，生活夺走了最后一件他赖以蔽体的衣裳。老天爷啊，你抢吧，你抢走了他的儿子，他的财富，他的唐尼，甚至──他的最后一个梦想。

　　 接到那个索命的电话，他神色镇定，披上大衣，吻别女友，他说：“如果唐尼来电话，你告诉他，如果说真的有一个卧底，我很高兴是他。”是的，他爱唐尼，纵使因其而死，亦不能改变。

　　他轻轻地把零钱、手表、钱包、挂件放在抽屉里，摘下项链温柔一吻，也合进了抽屉。走出一步，又回头把抽屉拉开一些，因为怕女友看不见。再见，我的爱人，这是我值钱的所有东西。

　　 枪响了。

　　 阿尔帕西诺是我最喜欢的演员之一，如果说白兰度的性感是烈火喷薄中耀眼逼人的光华，是试图冲破一切世俗的不羁，是匪气；那么帕西诺的性感就是深度寒冰中凛然一振的鹰隼，是傲视天下群雄的不甘，是霸气。

　　 若演员也可修炼，帕西诺早已是戏精。他是一手遮天的黑手党首领唐克利昂尼，他是潦倒街头的黑手党底层成员本杰明莱弗蒂。

　　 强尼德普的眼睛，是这部戏的第三个主演。他生得那样漂亮，几分邪气，几分灵气，叛逆又桀骜不驯，用多少华美的词汇来形容他迷人的气质都不为过。但是不得不承认，帕西诺在这部电影里的表演要略胜他一筹。

被捕食者——记《忠奸人》

看两大演技派影星同台飙戏是件很爽的事情，尤其这两个人都是你非常喜爱的偶像时。Al Pacino和Johnny Depp，这两人的表现都堪称完美，在这里，我主要说一下Lefty，说一下Al的表演。

《忠奸人》不算是完全的警匪片卧底片，它刻画了复杂的人性心理。这部电影算是Al后期非常成功的作品，Al显得越来越沧桑了，但这正适合人物的经历。Al通过《忠奸人》告诉我们，他不仅能演好冷酷的黑帮老大，不仅能演好愤世嫉俗的劫匪，演起这种充满无奈与痛苦的身份低微的小人物也同样是信手拈来。

Lefty是黑手党成员，他给黑手党干了几十年，却从未受到器重。他杀过很多人，他干过很多坏事，但他不像我们想象的那样凶神恶煞，他就是个市井小人物。他不争气的儿子吸毒，Lefty挣的钱还不够，只能去找组织借钱用来买毒品。他在组织里其实是个无足轻重的小人物，任何人都能对他颐指气使，因为他欠他们的钱。

Donnie不知道Lefty，不知道他的组织，所以Lefty抓住一切机会吹嘘着自己。当他第一次和Donnie对话时，他很生气Donnie居然不知道自己，他压低声音向Donnie说着自己的丰功伟绩——杀过26个人。当他将要把Donnie介绍给组织的成员认识时，他喋喋不休的向Donnie说着组织的规矩，告诉Donnie“a friend of mine”和“a friend of ours”的区别，要Donnie刮去那撮小胡子……尤其是当Donnie掏出钱包拿钱时，Lefty一把抓过钱，带着几分不满的教训Donnie：“喂，你是怎么回事？黑手党从不把钱放在钱包里，你要把钱卷起来，像这样，把100块的包在外面……”我第一次看到这儿的时候忍不住笑了，多么可笑的话！再看的时候就再也笑不出来了，天知道Lefty受过多少别人的气！他一直是个饱受压迫的角色。

Lefty在车里向Donnie抱怨着他的组织，他为他们干了那么多，却从未被提拔过，他看着周围的一个个升职，他压抑，他无奈，他只能忍受着。在Lefty内心，他也想让大家注意到他，认同他，提拔他。他曾不满的说Donnie在讨好他们的头子Sonny，其实最想往上爬的人就是他自己。Donnie后来受到Sonny的器重，跟那些大人物们交际，而Lefty看着他最好的朋友春风得意，而自己仍旧匍匐在底层的时候，他眼神中的茫然，孤独，对比着Donnie的笑容，让人们心底对这位不得志的小人物油然而生一股同情。

黑手党也是人，也会有自己的痛苦，对于Lefty来说，他那不争气的儿子一直折磨着他的身心，他担心他的儿子，但他管不了他的儿子。当他的儿子因吸毒过量不得不住进医院靠仪器维持呼吸时，Lefty的心都碎了。他坐在医院走廊的椅子上，失声痛哭。Al把那种父亲对儿子的爱，对儿子的担忧，把Lefty和内心的悲哀和脆弱，一一展现在观众面前。

Lefty也许是最不像黑手党的黑手党，他单纯的信任着Donnie，他每周请Lefty到家里做客两次，他给Lefty做着自己的拿手菜，他对Donnie完全没有隐瞒。他的渺小，他的贫穷，他的无奈，他的痛苦，他的悲伤……Donnie知道Lefty的一切。其实最后Lefty已经怀疑Donnie是卧底了，他已经和Donnie摊牌了，但他仍旧信任着Donnie，仍要和Donnie执行对他们的前途来说至关重要的任务，甚至在任务失败时，他仍旧冲着被FBI带走的Donnie的背影喊着：“什么都不要说！Donnie！我们会在24小时之内为你请律师的！”难怪Donnie想帮助Lefty远走高飞，他怎么忍心看着这样对他的Lefty因为他而死呢？

最后说说Al在Lefty知道自己即将死亡时的表演。深夜，Lefty接到了他打过26次的电话，他知道，对他的判决将要执行了。他没事人一样的安慰女友，今夜不要等他了，他很可能很晚才回来。他平静得对女友说出他最想告诉Donnie的话，“If it was gonna be anyone, I’m glad it was him.”他站在门边，等到女友回屋后，他悄悄溜到客厅，拉出抽屉，一一摘下他的手表、戒指，掏出自己身上带的钱，摸索出自己身上拥有的一切，还不时观察着，担心女友听到声音。他很贫穷，他并不能给他爱的人留下什么。最后，他戴上帽子，打开门，坦然面对死亡。Al实在是极为擅长运用眼神、表情和一系列肢体语言来反映人物的心情。

Lefty喜欢动物，Donnie第一次去他家做客时，电视上的猎豹正捕食着羚羊，Lefty最后接到电话时，电视上的猎豹正被一群土狼追逐。

世上永远存在捕食者与被捕食者。捕食或者被捕食，这就是大自然的法则。

桑阅尽不成诗------浅释(忠奸人)

作者：声声蛮

英雄末路或许能感受到诗性的悲壮,一个老混混的末路亦能让人无比凄酸,非关成功失败,善恶黑白,非关生或死.正义或罪恶,当你选择了你的生活方式,你就要尊守着生活中那些约定俗成的潜规则.　　

镜头伊始,约翰尼.德普紧闭的双目占据了整个屏幕,背景是街上混杂的嘈音,慢慢地.小提琴SOIO接过混杂的嘈音,德普微微张开的眼神忧郁得让人心碎.接着一幅幅档案式的黑白照片陆续闪过.随着艾尔.帕西诺老迈的身影出现,弦乐群响起,哀伤的旋律缓缓地笼罩了一切........ 　

在教夫三部曲中老帕的眼神就是酷和冷的代言,一举手一投足都付带着浓烈的雄性标签,此片中老帕对著名的虎眼迷离颓散,神情落魄,他镌刻的是个年老力歇,郁郁寡欢,在黑道里打拼了三十年仍得不到大老板器重的小头目. 　　

影片的格调从开场起就游浮着挥之不散的苍凉和强烈的宿命感,难得带点温馨的是老帕和德普在圣诞夜一起进餐时那一幕,老帕架着老花眼镜,笨手笨脚地在烧菜,一边配料时,一边和众人调笑说:"这个世界,把菜烧得最好的总是男人,这个道理你就是搬去火星仍是真理”.镜头拉后,饭毕,温馨感褪尽,老帕在和德普坦露心菲:"我的生活一蹋糊涂,就象我爱赌马一样,我下注的那匹马总是输家”. 　　

老帕片中有着一个忠诚的女友,一个常年吸毒的儿子,背着或许一辈子也还不清的各式债务.他对着德普时所说的梦想是存够钱买一艘游艇,然后带着女友远走高飞.但内心言,那种黑道的宿命感已是深烙在他骨子里.在黑衫尼荣升后和老帕重逢那幕,和桑尼他们走近那个可能是枪杀他的机场仓库时他神色绝望,但脚步仍毫不迟疑......当他儿子吸毒过量在进行急救时,他并不显得急躁不安,而是淡漠地对德普说:"他廿八岁了,当年就在这间医院出生,廿八年前和今天一样.一点变化都没有,他在病房里面生死未卜,我依旧在病房外头无能为力”.那失败者的口吻凄酸得无以复加,他所感触的是近三十年如一日的事业.青春粉碎,辉煌难觅,无论是他或是其亲人,生或死根本也不在他所能预料的范畴内. 　　

当德普后来在桥车上要给老帕买游艇的钱,暗示老帕可一走了之时,老帕一脸茫然.那段桥车上的戏极尽沧桑,德普是个卧底或许他早以猜到,但他一直以来对德普的信任已是超出了一种兄弟式的感情,他在德普身上找到了他的寄托,德普年轻.能干,他把德普当成了自已的希望,他在他身上看到了他或许一辈子都达不到的高度.然而命运给他开了一个最无情的玩笑.他最为信任的人却是他命中天生的对头,那刻,他不断地把玩着手枪,时而萌发着自杀的念头或干掉德普的念头不断交替,那种矛盾的表情把老帕的演技发挥得淋漓尽致. 　　

剧中德普对老帕的感情和老帕对他的感情不同,他对老帕本身是出于是一种同情,哀其不争,哀其不幸,后来演变成了那种各式笔墨或逻辑推理也分析不了的,自远古以来.只会出现于男人身上,有别于女性的那种最为纯粹最为直接的信任之情-------义气.但不幸的是,德普的工作和目的就是要出卖这义气.作为一个人,违背着人格上最为纯洁的天性, 当一个人的工作就是出卖别人给他的信任,无论其藉口是多么的大义凛然,可想而知,在良心的遣责上是一件多么痛苦的事. 　　

德普的演技于此片中可谓惊艳.他镌刻的是一个性格异常复杂的人物,他是一个战绩斐然的特工,和老帕一样,他的生死不在他所能控制的范畴内,他承受着常人难以体会的种种压力,他整天都是活在无形的惶恐中,他对妻儿不能尽爱.对将身家性命付托及其的兄弟不可能尽忠,对着整天只要求他完成任务的上级,他也渐渐从心里也产生了潜意识的底触,在影片的尾段,巨大的压力让德普一度是迷失了,他的精神已临近崩溃,其思想和身份陷进了虚无的地步.他到底是个卧底或是个黑帮成员他已是渐趋模糊............ 　　

结局,老帕的宿命无可更改,因引荐了德普这个卧底的错误注定要被帮会处决,从他接到电话到出门那两分钟,老帕的表演将那种悲凉无奈的气氛演到了极致,我感到了一股摄人心魄的冷,非教父中那种力沉千钧,孤独的冷,此刻是一种完全丧掉了生命力,悲哀绝望的冷.看着那幕老帕在抽屉边廿十来秒的戏,听着耳边忽然响起,能把人心揉碎的小提琴旋律,整个天地象忽然也阴霾了起来...... 　　

这部电影讲叙的是一个老套的黑帮和卧底的故事,两个多小时的影片中没有史诗般的镜头,也找不到直接刺激肾下腺素的暴力情节,一切都看似平淡无奇,德普演的特工和老帕演的黑帮小头目各怀鬼胎在唠叨的家常中相互利用,相互工作.最后彼此信任,惺惺相惜........结尾也能让人很轻易地猜到,就是特工完成了任务.黑帮分子惨遭灭亡. 　　

这是两个男人的电影,关于责任,关于信任.关于家庭,关于宿命.......日渐苍老的艾尔.帕西诺和风华正茂约翰尼.德普这两个一老一嫩,可能是地球上两个演技最好的银幕男人为你演绎着一个平淡得令人心悸的故事.

看<忠奸人>，记录一段沉重压抑的心理历程

fivefire(北京)

　　下载这部影片,主要冲着阿尔帕西诺和强尼德普这两位我喜欢的演员.但当看懂这部戏时,感觉非常心酸.
　　以前也看过几部香港的卧底电影,<无间道>.<弃卒>，这两部影片在欣赏过程中你总能感觉自己是局外人，清楚自己是在看一部戏，但<忠奸人>让我深入进去了，这种过程很难受。
　　为了卧底的工作，亲情、友情和爱情都要舍弃，每天在无法把握自己本性的边缘徘徊，这是种多么心醉的状态。

　　我现在还不知道影片的结局，但能感觉到这部戏的结局肯定以悲剧收场。

　　欣赏电影时深入角色内心是种很微妙的心理历程，尽管心情是沉重压抑的。

　　这部戏中两位主角都与以往看到的形象不一样，阿尔帕西诺没有教父、盗火线、女人香中的飞扬跋扈（以前以为他只会演这类角色）；强尼德普也没有墨西哥往事、加勒比海盗中的那种神经质。两位大明星完全颠覆了他们过去在我心中的形象。

　　影片中印象最深的一个镜头是阿尔帕西诺撕掉准备给强尼德普象征友情的卡片，那时，我能深深理解阿尔帕西诺所饰演的那个人物的内心。

　　戏还没有散场，故事还要继续，电影我还得接着看......

　　BTW:给四颗星,理由和上面评论的朋友一样:不是因为电影拍的不好,实在是因为太残酷.这部电影把商业娱乐片的提材做成了文艺片.

al pacino和johnny depp的精彩表演

来自: wangxxl[pass] (杭州)

Donnie Brasco的评论

提示: 有关键情节透露

这部片子是我最喜欢的黑帮片之一，al pacino的表演经历了教父、女人香、情枭的黎明等片之后，已经洗净铅华，全片al几乎没有多少煽情的场景，但凭着不着痕迹的表演，把一个没落的黑手党老党徒的无奈，和他对于Donnie（johnny depp饰演）的关爱体现的凌漓尽致。

al依旧是那类熟悉的形象，熟悉的大嗓门，絮絮叨叨，粗俗调侃的言谈。在johnny面前，他是黑手党大哥，要摆出前辈形象，指点他的小弟。但圣诞节在al家中的那一场戏，似乎又把黑帮的一切抛开，展现在眼前的是完全普通而温馨的一个小家庭，al和johnny俨然是慈父与儿子。当后来看到了johnny作为探员的照片时，你可以清楚地看到al眼睛里的复杂。而影片最后离家前的一小段，相信每个看过的人都印象深刻。

johnny depp在片中的角色，受着两方面的桎梏，这样的角色也决定了他在大部分时间中都是一幅面具般的拘谨表情，但他眼神方面的表演是成功的体现出了其“忠与奸”内心的变迁。只有在那一段关于“forget about it”的小议论中，他才从长久压抑中小小地舒了一口气。片尾他与al被捕时，那一段眼神也是令人回味的。

谁是那个特工，我很高兴会是他。

转贴一只文：

作者：蓝色在线

他是特工，在卧底的过程中，可能是人格魅力太强了，他被左右了。当目标信任了他，把他带入了黑手党，并为他作担保。直到最后被提示出最信任的人是个政府特工，黑手党付出了巨大代价，而他，也会此付出了生命的代价。

赴死时，他甚至也并未责怪他，“谁是那个特工，我很高兴会是他。”

一切，来源于一个男人对男人的欣赏。这是一部值得花上2个小时品味的电影。

电影《忠奸人》取材于真实事件，讲述的是一个联邦探员在黑手党的卧底生涯。提到卧底，很容易令人联想到《无间道》系列电影。将这部拍摄于1997年的《忠奸人》与《无间道》作对比，可以看到，在故事的情节性上，《无间道》要胜于《忠奸人》。在人物形象的塑造以及影片深度上，《忠奸人》则要高于《无间道》。警匪对立是《无》中从始至终贯穿的主线，一切的情节也是随之展开，这完全是一种水火难容，你死我活的较量。在《忠》片中，导演把大量的篇幅放到了对黑手党的描绘中，除了片中主人公道尼，联邦调查局在片中完全处于一种辅助的地位。

这部电影最吸引我的是其中三位演员的个人魅力：约翰尼.德普，艾尔.帕西诺，迈克尔.麦得逊。约翰尼.德普——好莱坞有名的大酷哥，曾经挤掉布拉德.皮特，当选最性感男士，虽然同属于那种可以迷死女人的男星，德普的演技则明显要高于布拉德.彼特。在《忠》一片中，德普饰演在黑手党的卧底探员道尼，这个角色本身给了演员很大的发挥空间，一方面是工作，一方面又要面临着妻子儿女的抱怨，回到家后甚至女儿都懒得和他说话。与此同时，卧底工作的特殊性质，又决定着他要冒着极大的风险，每天处在一种紧张压抑中，而调查局上司不时得会给他一下更为危险的任务，面对着缺少支持的困境，道尼处在一种煎熬之中。在黑社会的圈子中，顶头上司莱佛蒂对他极为器重信任，甚至把他当成自家人，而更高一层的老板桑尼也看好他，把他时时留在身边，对充满了悲剧色彩的莱佛蒂，他始终抱着一种愧疚的心理，在影片的最后，他坚持要把私吞的百万现金留给莱佛蒂，为他完成梦想，买一条船。纵观整部电影，道尼处在三种主要矛盾之中，这三种矛盾的激烈碰撞，使他的精神上的压力处在崩溃的边缘。

迈克尔.麦得逊算不上一位明星，最早看到他是在罗伯特.德尼罗的电影中，所饰演的当然又是黑手党了。之所以提及他，是因为，无论是外形还是表演，他都像极了角色中的那个黑手党徒桑尼.布莱克。这是一个狠辣狡猾胆大包天的人物，用莱佛蒂的话来说，他是一条隐藏在草丛中的毒蛇，他可以策划杀死老板，然后自己上位。他可以为一点小事杀人，同时他又极为自负，当证明道尼是联邦探员的证据摆在他面前时，他依然固执的说，道尼不可能是卧底，这大概是影片中最精彩，也最具讽刺意味的一个片断。桑尼的声音低沉沙哑，与他那种阴狠毒辣的性格刚好吻合。这样一个人物，你会觉得无论有怎样悲惨的下场都是罪有应得。

艾尔.帕西诺——当年的第二代教父，在所看过的所有他主演的电影中，他永远都是锋芒最露的一个，你会很容易的感觉其他演员的光辉会完全被他抢走。与以往塑造的强者的姿态不同，在《忠》片中，艾尔.帕西诺饰演的莱佛蒂是一个黑手党的小人物，这个角色充满了一种悲剧色彩，为黑手党工作了30年，却一直没有上位的机会，他喋喋不休，总会重复说着他的“功绩”，他不够狠辣，不够绝情，这也决定了他会永远是个小角色。在另一方面他欠组织的钱，是因为儿子吸毒被迫借债，对于黑手党他早已经厌倦，留下的理由则是因为债务。对儿子他恨铁不成钢，那种又爱又恨的感觉在两个镜头中被艾尔.帕西诺诠释的淋漓尽致，一个是在圣诞夜，道尼来他家里作客，这时他儿子要出去吸毒，他抬起头看了儿子一眼，在看影片时，这个动作带给了我极大的震撼。在现实生活中，这个动作出现在很多的父母看着不成器的儿子出去胡混时情景中，帕西诺的演绎简直就是现实生活的一种展现。第二个镜头是在，莱佛蒂的儿子因为吸毒，被抬进手术室生死未卜，莱佛蒂在走廊的座椅中对着道尼失声痛哭，当时有一句话，他就在这个医院中出生，而我现在却要看着他进手术室，等着他生死的消息，帕西诺把那种对于子女的爱，自然而又真挚的表现了出来。莱佛蒂对于道尼，更像是种长辈的寄托，可以说他把道尼当成了自己的儿子，各方面维护他，同时他又把道尼当成了自己的希望，他在他身上看到了希望的但已经无法实现的东西，对于道尼的器重，集中体现了他对于理想的一种寄托，对于这样一个人物，只能哀其不幸吧

莱佛蒂并不是阿尔.帕西诺最经典的作品，但他在片中表现得浓郁的悲剧情节，却能让人回味无穷 。

刚刚看完这部电影开始想写点什么.也许对于我来说,电影前半部分不怎么合我口味,因为都是在讲一个FBI如何混进黑社会，情节上没有无间道那样紧张，所以看得有点拖拖拉拉的感觉．进入后半段，我似乎能感觉到这不是一部讲述黑社会和警察周旋的片子，而是讲述男人之间友谊和忠诚的片子，只是将友谊和忠诚放进了一个特定的环境里讲述给我们听．阿尔．帕西诺饰演的小头目的角色从一开始给我的印象就是一个迫于生活却渴望象正常人一样自由呼吸的黑社会成员，并非大奸大恶的人．他一方面爱着他的家人，一方面不得不因为家庭而去铤而走险，一方面渴望能大赚一笔或成为接班人，一方面他只想有足够的钱一走了之．他的形象就象是成千上万的小人物的投影，谁愿意冒着生命的危险去做那些不法的勾当，谁愿意杀人？如果不是生活的窘迫没有人会喜欢生活在这样的环境里面．而阿尔．帕西诺饰演的小头目流露出更多人性方面的东西．好比当他让道尼和他的家人一同过圣诞，好比他在描述他和道尼俩开酒吧的样子，好比当他的一切幻想成为泡影坐在船头失望而又无奈的眼神，好比他拿出那张新闻报纸时早已预料到一切的矛盾，好比他平静的穿好大衣，脱掉身上所有贵重物品等待死亡的平静．．．他最后说的一句话是：”告诉道尼如果真有密探，我希望是你．”其实他内心希望道尼是个好人，希望黑社会所有的罪恶能够被揭发，他希望一切都结束．因为他早已知道道尼是密探，而他却没有揭发，这也以为着身为担保人的他总有一天会为道尼送命，但他最终没有揭发，为了男人之间的友谊和忠诚．．．．

而道尼本可以在完成任务后脱身，他却无法脱身．因为他的手上掌握着另一个信任他，关心他的人的性命．在那次警察临检的时候他将计就计将３０万美圆藏在家中，他早已想好，要将这些钱给他的担保人，希望他能够带着钱逃得远远的．当他们在码头商量最后一次行动时，道尼突然对本说：”你还记得你说过的那条船吗？要多少钱？”道尼知道最后一次任务完成后也就是他离身份暴露不远了，而本离死亡也近了，他只想本尽快地离开这里．然后他说：”你不是说只要有３０万就远走高飞吗？你的梦想不就是这个吗？”他等不及了，希望本快点离开．而事实上最后一次行动还没来得及完成，他已被FBI带走，带着他的不安和遗憾，欺骗和内疚．

这的确是一部很好的片子．虽然年轻的Depp帅气逼人却无法盖过Al pacino的锋芒．不知道为什么，我看着Al pacino的脸就觉得他是一好人，就象我看着让．雷诺的脸时从不觉得他演的是坏人．他们都有同一种魅力．

忠与奸

桦茵雨

老实说，这部根据真人故事改编的《忠奸人》并非是我那杯茶。不过阿尔帕西诺和约翰尼德普的演绎还是可以让我安安静静在电脑前坐两个小时。

阿尔帕西诺一改形象，在这部电影中扮演着极富悲剧色彩的人，一个小小的黑手党。这样的人物注定了他性格中不适合作头目的缺陷，心软，喋喋不休，不够心狠，但正是这样的性格，让潜入黑手党内部做卧底的东尼（约翰尼德普饰）与lefty（阿尔帕西诺饰）产生了一种难以名状的深厚感情。无关身份，无关地位，只与信仰与良心有关。

其中一个情节，让我难忘。当东尼在圣诞节来lefty家做客时，lefty的儿子毒瘾犯了，要出去吸毒，lefty抬起头望了儿子一眼。就是这一眼让我有了一种心寒的感觉。这就是生活，无奈的心酸的，都统统融入了这抬头的一望。

真实的故事是残酷的，影片一直压抑着，真实的生活永远比电影让人唏嘘。

电影的两位男主角都是我相当喜欢的，尤其是约翰尼德普。约翰尼身上有一种天生忧郁的气质，他总是迷惘困惑并积郁着，我想着应该是他本身所属的特性，非电影要求。但就是因为这种气质，让他来演卧底东尼是十分合适的。因为东尼本身就是一个充满矛盾迷惑而无法摆脱的人。他有着“我不是像他们，我本就是他们”的信仰基线，于他而言，他所要肩负的不止是FBI的任务，还有对他担保人lefty的责任和良心。正因为如此，他是否身陷黑手党与否，他都必定是一个忠人，而非奸人。

结局并没有亮点，顺利进展着，只是lefty最后的诀别也的确让人心酸。

忠奸人

来自: 俺是卷太阳。俺要作向日葵。 (武汉)

Donnie Brasco的评论

青蛙说：“我现在生活很简单——点一只烟，静静的坐在电脑前，看着阿尔·帕西洛的电影。”

知道阿尔·帕西洛是因为《教父3》，但随后就再也没看过他的电影，青蛙很喜欢他的电影，说那里可以找到真真男人的感觉，于是花拉一个晚上的时间看完拉阿尔·帕西洛97年的影片《忠奸人》。

影片由迈克·尼维尔导演，阿尔·帕西洛（剧中饰演‘莱弗蒂’）和约翰尼·德普（剧中饰演“乔”）主演。故事发生在拉云集着美国两大黑社会的旧金山，而莱弗蒂就是来自于其中一个黑帮——黑手党的一名小人物，而乔则是FBI的特工，作为卧底来收集美国黑手党的组织“小意大利”的犯罪资料，化名为‘道尼’。故事的走向似乎是《无间道》的底本，乔为拉完成任务，放弃拉自己的家庭，而当拉莱弗蒂的手下，最后乔陷入拉有如刘德华的境地……

《加勒比海盗》中的Jack船长‘约翰尼·德普’很好的诠释拉一个进退两难的特工角色，但给我留下深刻印象的却是阿尔·帕西洛的表演！与《教父3》不同的是这次他带给我们的是一个心灵忠仁，外表却极度奸恶的两面人所有的一切都自然的流露与于表演之中，在家里你很难看出他是一个黑帮的老大，可是当他一走上街去，那个穷困潦倒的匪徒形象就立刻征服拉观众！

影片最令人难忘的部分是它的结尾，没有任何音乐的起伏，没有任何的镜头转换，只有阿尔·帕西洛的表演！“此时他接到拉‘小意大利’的电话，30年的黑帮生活告诉他那是死神的召唤。他知道他会因为‘担保拉一个FBI’而被点名，所以在临出门的时候，他和女友做拉简单的告别，并告诉她，若是道尼来电话就告诉他‘自己很希望那个特工就是他’。之后他在出门后有折进拉屋内，取下拉身上所有值钱的东西：手表、项链，甚至是一美圆……虽然并不值多少钱，但是他还是留给拉他的女友，因为他爱她，在确定她没有看见的时候，他才转身，捋拉下自己凌乱的头发，然后迈着蹒跚的步伐走出拉家门！‘砰！’一声枪响……”阿尔·帕西洛用其丰富的肢体语言和传神的面部分表情完成拉对一个悲情人物的特写，这也使得约翰尼·德普在整部电影里精致的表演显得是那么的苍白！

现实的社会似乎并没有绝对忠和奸的人！似乎每个人都在扮演着一个两面的角色，只是倾向不同而已！莱弗蒂似乎是值得社会去同情的角色，但实际上他却是一个值得我们尊敬的人……

——青蛙说：“阿尔·帕西洛演一千个黑社会老大可以带给我们一千种感受！”

P。《忠奸人》根据FBI特工乔·皮斯通的自传改编，他在结束此案后和家人一起过起拉隐居的生活。据说黑手党至今仍悬赏50万美金通缉他！

◎译　　名　战争与和平
◎片　　名　War And Peace
◎年　　代　1955
◎国　　家　意大利
◎类　　别　剧情/爱情/战争
◎语　　言　英语
◎字　　幕　中文
◎IMDB评分 6.6/10 (1,236 votes)
◎IMDB链接 http://www.imdb.com/title/tt0049934
◎文件格式　RMVB
◎视频尺寸　704 x 400
◎文件大小　3CD
◎片　　长　208 Min
◎导　　演　金·维多 King Vidor
◎主　　演　亨利·方达 Henry Fonda .... Pierre Bezukhov
　　　　　　奥黛丽·赫本 Audrey Hepburn .... Natasha Rostov
　　　　　　Anita Ekberg .... Helene
　　　　　　梅尔·费拉 Mel Ferrer .... Prince Andrei Bolkonsky
　　　　　　Vittorio Gassman .... Anatole
　　　　　　赫伯特·洛姆 Herbert Lom .... Napoleon
　　　　　　Giuseppe Addobbati .... (uncredited)
　　　　　　Mario Addobbati .... Young servant at Rostov's (uncredited)
　　　　　　Marisa Allasio .... Matrosha (uncredited)
　　　　　　Luciano Angelini .... Young soldier at Borodino (uncredited)
　　　　　　Cesare Barbetti .... Young boy (uncredited)
　　　　　　Vince Barbi .... Balaga (uncredited)
　　　　　　Patrick Barrett .... Russian soldier (uncredited)
　　　　　　Sean Barrett .... Petya Rostov
　　　　　　Michael Billingsley .... Russian soldier (uncredited)

◎备　　注　片源：美一区数码修复收藏版

◎简　　介　

剧情：
　　1805年，俄法战争一触即发，但俄国上层社会却依旧歌舞升平。女主人公娜塔莎是一个贵族小姐，年轻貌美，天真活泼，能歌善舞。哥哥尼古拉是一名英俊的骠骑兵军官。娜塔莎的朋友皮埃尔也是贵族，他刚从法国留学归来，对未来尚无打算，常出入于社交场所和在赌桌上消磨时光。不久被一位公爵看中，并被安排与公爵女儿海伦结婚。但婚后不久，两人隐性格不合而分居。皮埃尔的挚友安德烈公爵是库图佐夫属下的一名军官，一次他来到娜塔莎家，对娜塔莎一见钟情。娜塔莎接受了安德烈的求婚，订立了婚约。不久，安德烈又回军队，海伦的弟弟阿纳托里骗得娜塔莎的爱，唆使其与他私奔。俄法战争开始，担任总司令的库图佐夫将军决定暂时放弃莫斯科，在撤退途中，娜塔莎遇到受重伤的安德烈，安德烈谅解了娜塔莎，但他却因伤势过重而离开了人世。战争胜利结束后，皮埃尔回到了莫斯科，此时的莫斯科已是满目疮痍，但对娜塔莎和皮埃尔来说却是新生活的开始。

幕后：
　　本片是是赫本首部彩色电影。根据俄国文豪托尔斯泰名著改编拍摄的美国版，论艺术成就虽不及苏联版，但灿灿巨星和好莱坞式叙事手法则更能让本地观众接受这部通俗版本。气质高雅的奥黛丽·赫本饰演娜塔莎和文质彬彬的亨利·方达饰演皮埃尔都是不错的选择，他们之间的爱情故事也成为剧情的焦点。但其他有如八国联军的演员组合却难以忠实地重现拿破仑挥军进攻俄国时的大时代动荡，导演金·维多显然大幅度简化了原著的情节和内涵，但战争大场面还是拍得相当认真可观。1967年的苏联版更长达403分钟，据称当时耗资一亿美元。

一句话评论：
Conflicts, Loves, Passions, Drama, You Live Through a Supreme Experience as "War and Peace" Comes Alive On The Screen!

幕后制作：
根据俄国文豪托尔斯泰名著改编拍摄的美国版，论艺术成就虽不及苏联版，但灿灿巨星和好莱坞式叙事手法则更能让本地观众接受这部通俗版本。气质高雅的奥黛丽·赫本饰演娜塔莎和文质彬彬的亨利·方达饰演皮埃尔都是不错的选择，他们之间的爱情故事也成为剧情的焦点。但其他有如八国联军的演员组合却难以忠实地重现拿破仑挥军进攻俄国时的大时代动荡，导演金·维多显然大幅度简化了原著的情节和内涵，但战争大场面还是拍得相当认真可观。1967年的苏联版更长达403分钟，据称当时耗资一亿美元。

此情可待成追忆——电影《战争与和平》

作者：无水

此情可待成追忆

安德烈和娜塔莎是互相错过的两个人。

他们两个互相错过，不是因为尚华（安德烈的父亲老公爵）那样尖锐偏执的叫：“门第高啊？人挺好啊？啊，我那个小孙子要有后妈了！” 不是因为杨晓（阿纳托利）那充满诱惑和激情的声音：“我爱你爱到发疯了，还能见面吗？” 不是因为苏秀（娜塔莎的母亲）那无可奈何仿佛已经预料到结局的口气（那是作母亲才会有的敏感）：“去吧，去见他，他向你求婚呢。” 不是因为孙道临那一语道破天机的旁白：“此刻安德烈心中原有的对娜塔莎的激情消失了，……只留下对娜塔莎幼稚和软弱的怜悯，以及她对爱情是否能够忠贞的忧虑。”甚至不是因为他们要分开一年。不，全都不是，只是因为他们自己。 他们是两个截然不同的人。

安德烈出场的时候，他对自己的婚姻感到失败和厌倦，“永远不要结婚，朋友，这是我对你的忠告。”而娜塔莎吸引他的，是她和他的前、和整个上流社会完全不同的纯真，她给他带来的是“幸福、希望、光明”。

那么娜塔莎爱安德烈什么呢？她只是想爱，当在舞会上安德烈穿过大厅向她走来时，她就爱了。那是一个和她周围的男人——她父亲、哥哥、鲍里斯、彼埃尔都不同的成熟男人，严肃、不苟言笑，他最大的优点就是有自制力。在一个小女孩看来，探索这样男人的内心有着无穷的吸引力。

安德烈和娜塔莎从一开始就南辕北辙。对方身上那显而易见的区别恰恰成了各人眼里最具吸引力的地方。

于是，爱情在安德烈经历过生死对生活不抱希望的时候悄然而来的，在娜塔莎正想恋爱的时候从天而降的。

从一开始他们之间的关系就并不平等，娜塔莎总是仰望安德烈——“连我父亲都尊敬的聪明人”，还有害怕。娜塔莎打猎、跳舞，快乐的似乎忘了一切，可当尼古拉提到安德烈，她突然有些惊恐的怀疑安德烈是不是赞成、理解她的这种乐趣。娜塔莎对自己一向充满信心，她跳舞、骑马、打猎，样样都行，人人都夸，还有一副天生的好嗓子。但面对安德烈她却显得那么不自信。她在安德烈无形的压力下，唯恐自己不能符合他的要求。“可和他在一起，我总有点害怕。怎么回事？这就是真的感情吗?”而安德烈也满足于这种仰望。他认为阿纳托利只爱娜塔莎的肉体而非灵魂，其实他也还远没接触到她的灵魂。

安德烈习惯于克制自己的感情，他向彼埃尔倾诉时杨成纯的声音是那么兴奋，好像已经不能抑制了“我不能不爱光明，这不是我的错！”求婚时，他面对娜塔莎却又冷静的仿佛与己无关。在最炽热的感情下面还有块永不会化的冰。这就是安德烈，也是杨成纯。爱情就应该是激情澎湃，而当面对婚姻的时候，一切都要变得现实。求婚对安德烈不是第一回，他低头却不看娜塔莎，熟练的说着想好的词，“我第一次看见您就爱上您了，我能希望……”“您是不是爱我呢？”而对娜塔莎这是破题儿头一遭，此前她已经在没有如何消息的等待中熬过了3个星期，就在她觉得不嫁人也挺好的时候，接到了求婚。她怎么能不喜极而泣，激动得喘不上气。“还用问吗？您应该知道，干嘛还要怀疑？那些无法用言语表达的感情何必要说？”“多幸福啊!”但接下来的却是更加漫长的一年的等待。她又怎么能不产生激烈的反应：“一年！这办不到！”但安德烈却想不到这些，“怎么了？为什么要哭呢？”他没法理解娜塔莎的眼泪，反而加深了对她软弱幼稚的担心。

好像很自然的，杨成纯的淡淡的声音说出：“您是自由的，婚姻将保守秘密，要是您发现您并不爱我，或者爱上了别人……”怀疑已经开始了。他坚持不把婚约公开，不举行订婚仪式，说明他对娜塔莎没有信心，对这段感情没有信心。他有些自私的想，如果娜塔莎真的要退婚，他不至于成为全上流社会的笑柄。表面上他是给娜塔莎自由，实际上他爱惜名声到不在乎娜塔莎的感受。他甚至走之前会说：“我走以后天知道会发生什么事？您可能会不再爱我……”这种心理暗示对他、对娜塔莎都是致命的。

其实，上一段婚姻的失败，对前妻的愧疚都还在安德烈心里。他也在害怕会重蹈覆辙。丽莎的死和他的自私——坚持要上战场去追求自己的土伦有直接关系。这一次，“等待一年”显然不止是推迟他的幸福，也不止是让娜塔莎更了解自己，安德烈恐怕也把这当成是对娜塔莎的考验。然而他们的爱情也终究没能闯过这关，于是杨成纯的柔情消失了，他用我们熟悉的有些夸张的语气说：“请转告伯爵小姐，她过去和现在都是自由的。祝她万事如意。”此时他不再关心娜塔莎的情况，只想知道阿纳托利的下落，他要去决斗，那关系到他的名誉。

娜塔莎想要完美的爱情，像尼古拉和索尼娅，或者比那更加轰轰烈烈。安德烈想要一段由美好爱情带来的幸福婚姻。

婚姻和爱情区别的第一要素就是责任。娜塔莎也意识到了，“从现在起，我就是这个陌生的可爱的连我父亲都尊敬的聪明人的妻子了，这可能吗？从今以后，再不能把生活当儿戏了。我是大人了，我对自己的一言一行都要负起责任来。”可惜她还经历世事太少，还不明白“责任”——婚姻中的责任究竟意味着什么。在她心里安德烈还是个“陌生人”。

娜塔莎向往朝朝暮暮，如今却是远隔千里。她的身边愈是热闹，心里却只是愈孤独，愈不能停止思念，“现在他在哪儿？”她必须强迫自己“不想这个，不许想这个。” 然而如何能不想。这一切终于在新年的时候到了顶点，“他什么时候回来？也许他已经回来了，我忘记了。”（注意：她说的是“我忘记了”，而不是“我不知道”。这就是娜塔莎的语言。她始终没变，还是那个一心想飞上天的女孩子。）“真想他快点回来，真怕会失去他。最糟糕的是我会变老的，那时候我就不会这么美了。”——思君使人老。但不是使娜塔莎变得成熟，只是使她更加冲动、脆弱、更加混乱。思念使爱情的感觉不再是幸福，而成了折磨，使等待仿佛看不到尽头。

阿纳托利恰在此时出现了，就在思念已经击溃了娜塔莎的时候。“昨天晚上我的命运已经决定了，不是被您爱，就是为您死！”这才像一场娜塔莎梦想中的爱情，热烈的情书、炽烈的亲吻，和安德烈的不动声色都是那么鲜明的对比。何况还有私奔——浪漫到了极点。安德烈就要回来了，但对娜塔莎已经不再重要了，这次她一定要好好爱一回。她其实只差最后一点坚持，但她已经感觉不到能使她坚持下去的爱了。爱情来得越是突然和狂热，往往越不能持久，结局越不可预测。

直到面对死亡，爱才得到奇迹般的重生。女人对男人的爱里面是一定要有些怜惜的，那是自然而然产生的母性的爱，不应该只是仰望。不论什么样的男人在内心最深处都会有小男孩的一面，两个人经过这个阶段才可能产生真正的爱情。那是安德烈在死前、娜塔莎在安德烈床前才体会得到。杨成纯才能由衷又再一次那样充满柔情的说：“娜塔莎，我越来越爱您了。”

然而，太迟了，他们已经错过了那仅有的一次机会，他们和命运擦身而过。或者实际上，命运根本就不曾给过他们机会，只不过是让他们相遇而已，让他们更加深了对自己的了解，更清楚该如何去真正的爱。仅此而已。

只是当时已惘然。

拒绝托尔斯泰，来看赫本

Ex(北京)

每次看一个小时多，花了三个凌晨的时间，终于把它看完了。

结论是：从这部电影里，我没有看出托尔斯泰成为伟大作家的理由。

这是电影本身所带来的问题吗？还是小说原本就这样。不清楚。对于原著，我一点兴趣都没有，身边几乎没有人喜欢这个“伟大的作家”。

托尔斯泰还适合我们这个时代吗？？我想要一个现代的答案。

虽然我并不十分喜欢这个电影，但看点还是有几个的：

1.赫本饰演的娜塔莎可爱善良，是剧中的最大亮点。她出场时身穿黄色的长裙，活泼地跳来跃去，就像跳舞一样；拿破仑逼近莫斯科，娜塔莎一家被迫转移。为了照顾那些受伤的俄国士兵，娜塔莎毅然决然地说服爸爸妈妈，放弃了所有的家具。当然，她被花花公子勾引，准备午夜私奔时的她又有点可恨。不过，她那时毕竟太小，可以理解。

2.皮尔是个很酷的男人，很有风度，一直深爱娜塔莎。他不幸的婚姻是个令人诅咒的小插曲，而他的决断——及时阻止了娜塔莎和人私奔的蠢事，更令人欣赏。

3.安德烈是个很具悲剧色彩的人物，他临死时的那段独白尤其表明了这一点。安德烈很有高贵的贵族气质，也很勇敢，他为了父亲和国家的荣誉而几赴战场，最终在战争中牺牲，确实勇敢。但是，他和娜塔莎的爱情并没有多感人。

4.影片中还有一个情节给我的印象很深，就是戏里的军服特别好看，尤其是俄军的。

5.就像“很不错的电影”的作者所说的那样，影片最后确实有点拖沓。还有就是，托尔斯泰在其中夹杂的基督教思想实在让我觉得不舒服……会有人有同感吗？？

《战争与和平》的爱情观

作者: huangzzg

在《战争与和平》里，其貌不扬的玛丽小姐嫁给了英俊的尼古拉伯爵。自卑的她总觉得丈夫冷淡她。当她向丈夫说出她的感受时，丈夫说：“我爱我的手指头吗？我不爱它，不过试一试切掉它吧！”

书中的女主角娜塔莎婚后不肯遵守“聪明人们鼓吹的金科玉律”-----女人婚后要更注意外表，以便让丈夫还象在与她结婚前一样为她神魂颠倒。她认为抖松鬈发，穿时兴衣服，唱浪漫歌曲来诱惑丈夫，“就象把自己装饰起来引诱她自己一样奇怪”。

这两个人的说法都集中指向一个观点：夫妻之爱就象是自己对自己的爱，与对自己以外的人或物的爱是不同的。托尔斯泰的这种说法比以往任何对婚内爱情的比方都来得恰当。说婚姻是爱情的坟墓，太消极阴森；说结婚离婚就象冲进冲出围城内外，过于恐怖剌激；说女人是男人的一部分，是男人的一根肋骨，又尽显不平等；至于说夫妻是把两个单独的泥人打碎混合，重捏成两个你中有我我中有你的泥人，好象比较恰当了，不过感觉浸透力太强了，毕竟每个人都有自己独立的意识和观点，夫妻两个再怎么恩爱和睦也总有见解不一的时候，能保持婚姻幸福的夫妻一定是懂得理解和容对方的异已见解而已，当然前提是对方没有对不起或伤害自己的违背伦理道德的观点和举动，更没有摆出故意挑衅对方忍耐限度的姿态。

谈恋爱时，大家自觉不自觉地都有“女为悦已者容”“士为知己者死”等等炽热情怀，但是一旦进入婚姻，无数的夫妻不知如何将婚内爱情进行到底，激情消退之后，见解相异矛盾产生之时，难免对爱情对婚姻对自己的选择产生了怀疑，或想逃避重新选择爱人，或想拼命抓住婚姻甚至于大打婚姻保卫战，搞什么要留住男人的心先留住他的胃，不遗余力地大学各种技巧来诱惑吸引自己的爱人，以为这样可以免遭第三者的抢劫，可惜战胜者似乎不多，离婚率只是日渐攀升。而能成功地将婚内爱情进行到底的，往往是那些夫妻俩都懂得爱对方就象爱自己的道理的人。

◎译　　名　天堂电影院/星光伴我心/新天堂乐园
◎片　　名　Nuovo Cinema Paradiso
◎年　　代　1988
◎国　　家　法国/意大利
◎类　　别　剧情
◎语　　言　意大利语
◎字　　幕　中文
◎IMDB评分 8.3/10 (20,163 votes) top 250: #103 最新排名
◎IMDB链接 http://www.imdb.com/title/tt0095765
◎文件格式　rmvb
◎视频尺寸　800x464
◎文件大小　4CD
◎片　　长　174 Min
◎导　　演　吉赛贝·托纳多雷 Giuseppe Tornatore
◎主　　演　Antonella Attili .... Maria (Young)
　　　　　　Concetta Borpagano ....
　　　　　　Enzo Cannavale .... Spaccafico
　　　　　　Salvatore Cascio .... Salvatore (Child)
　　　　　　Franco Catalano ....
　　　　　　Tano Cimarosa .... Blacksmith
　　　　　　艾萨·丹尼埃利 Isa Danieli .... Anna
　　　　　　Nicola Di Pinto .... Village Idiot
　　　　　　布里吉特·福斯 Brigitte Fossey .... Elena (Adult) (director's cut only)
　　　　　　Mariella Lo Giudice ....
　　　　　　Turi Giuffrida ....
　　　　　　Leo Gullotta .... Usher
　　　　　　Turi Killer ....
　　　　　　Nellina Lagana ....
　　　　　　Roberta Lena .... Lia

◎简　　介　

　　著名电影导演萨尔瓦多·迪·维塔，在罗马接到母亲从故乡西西里打来的电话，得知老放映员阿尔夫莱多谢世了。他回忆起逝去的岁月：第二次世界大战期间，在一个名叫姜卡尔多的小村庄里，8岁的托托因父亲失踪不得不到教堂去干活。教堂里，放映员阿尔夫多经常为当地电影审查官阿代尔费奥父放映即将公映的影片。每当银幕上出现了“****镜头”时，神父就在观众席上摇铃。阿尔夫多就把纸条作为记号塞进本来转动着的胶片里。托托总是饶有兴趣地边看边观察片过程。他请求老放映员将剪下的胶片送给他。一夜，托托珍藏的胶片起了火，险些将他的小妹妹烧死。后来，阿尔夫多安排了托托跟随自己放映影片。
　　为了让更多的观众看到电影，阿尔夫多搞了一次露天放映，结果胶片起火，烧瞎了他的双眼，也烧毁了天堂电影院。从火中救出阿尔夫多的托托，长大后当上了新建影院的放映员。他开始拍一部纪录本镇生活的影片。出现在镜头前的少女艾列娜引发了托托的爱情。后来，托托去军队服役，艾列娜离开小镇去上大学，他们的爱情便就此结束。托托听从了阿尔夫多的劝告，离开了故乡，成为一名电影工作者……

本片所讲述的是一个成长在意大利西西里岛詹卡多村庄中小孩子的故事。主人翁多多是个古灵精怪的小孩子，而艾费多则是“天堂乐园戏院”的放映师，因为电影的穿针引线，使得他们建立起来亦师亦友的感情。放映师所扮演的是个引领者的角色，在多多的童年、青少年、成年，甚至是老年，一直带领着多多成长。在他死后，他留给多多一盒胶卷，重新串连起多多遗失了三十年的回忆与情感。
　　这部片借着淘气的多多来诉说着人们童年的回忆，一种欢笑与无忧的美梦。片中特有的“意式幽默”，令人不禁联想到《美丽人生》，同样是部欢乐的电影，却在结束后，令人有无限沉思。我们是否已将过去的理想遗弃在心中不知名的角落中很久了呢？无论现在的你是如何，让我们再重新出发寻找那尘封已久的自己。

关于影片

本片是意大利导演朱塞佩·多纳托雷的成名作，也是欧洲当代艺术电影中最为中国观众熟悉和感动的一部。影片有一种温暖人心的酸甜，让电影的无穷魅力得到释放。本片是为热爱电影的电影工作者、电影观众而精心制作的一部关于电影的礼赞，荣获戛纳影展特别评委奖及奥斯卡最佳外语片奖。

对生活于俗世的人们，电影院也许正是一座尘世的天堂。《天堂电影院》中出现的人物，无论是著名的电影导演、放映员还是观众，都呈现出一种特殊的生活态：与电影的联系远远超于日常生活。他们活动的中心场景是电影院。与此相关，似乎他们生命的主题也是电影。动人心弦的是，电影中的爱情镜头被一一剪断，当人们把它重新连接在一起时，这个令人怀想、沉思、感慨的主题显得更加悠远而有力。

回忆形成了影片的基本构造。缅怀之情又自然而然倾泻于回忆之中，成为一种绵长的格调。天堂影院的兴衰，极为确定而又充满情感地与一种文化的兴起与衰落相对应。不断的闪回镜头与现在时空镜头交叠映现，小托托成长为大导演，当年的放映员已辞别人世，昔日爆满的影院在一瞬之间化为灰烬。这种极为强烈的对比手法，使影片中的时空变化获得了展露时空本身的强大魅力。

从童年的多多开始回忆，然后是青年的多多，直到多多离开小镇，回忆结束，闪回到现实，多多坐飞机回到了小镇。这就是影片叙事结构的骨干，需要说明的是，回忆部分一直如流水般发展，没有一次闪回到现实。影片选择简单自然的叙事结构目的很明确，回忆往事时，人们往往选择一个安静之处，不希望被打扰，记忆最深处的碎片需要慢慢梳理。影片的各个环节处理得自然流畅，比如中年多多躺在床上回忆时，海风吹到屋内，屋内的风铃叮当作响，这时镜头一转，闪回到童年多多，他在教堂里睡觉，手里拿着祭司用的摇铃，比如阿尔夫莱多的手抚在童年多多的脸上，再展开时，多多已经长大。

在叙事的主干上还生了几个生动的枝条，与主干相映成趣。比如阿尔夫莱多仿佛象征着电影的发展历程，他从默片时代就开始在电影院放片子，当他和多多相处最快乐的时候，恰恰也是人们最热爱电影的时光，当他在大火中失明，多多替代了他，继续为人们制造快乐，穿插期间的电影也在向我们展示着电影在技术、形势和内容方面的的发展（比如胶片的发展，比如吻戏被删到色情片，比如从黑白片到彩色片等等），当多多陷入情网，电视诞生了，开始对电影院悄然发起进攻，阿尔夫莱多离世后，天堂电影院被炸毁，那似乎象征着一个时代的结束，电影不再是人们生活的重要部分。

关于导演

朱塞佩·多纳托雷是意大利写实电影流派的新贵导演，1956年出生于西西里岛靠近巴勒莫（Palermo）的巴格里亚镇（Bagheria）。朱塞佩·多纳托雷在年纪很小的时候就开始了工作，最初的职业是当摄影师，他拍的照片被刊登在不同的摄影杂志上。16岁时他参与了皮兰德娄（Pirandello Luigi）和菲利波（De Filippo）的两出戏剧，这以后他开始涉足电影，初期主要是拍一些纪录片，应该说这段工作经历对他以后的电影风格的形成有很大影响。

从1979年起朱塞佩·多纳托雷和意大利国家电视台RAI电视台开始了紧密的合作，他为RAI制作了大量的节目，同时他还参与剧本的编写和导演助理，无疑这也是为以后的亲身上阵积累了宝贵的经验。1986年托纳多雷执导了他的第一部剧情片：《被称教授的男人》，这部让他一鸣惊人的影片使他获得意大利电影记者协会最佳导演的银带奖以及金球奖的最值期待新导演奖。真正让朱塞佩·多纳托雷名震江湖的是1988年的《天堂电影院》，这部温馨感人的影片，不但让人们见证了电影的魔力，也使得我们能以一种轻松的心态去省视各人儿时的梦想。影片的推出只能用空前成功来形容，不但获得奥斯卡和金球奖最佳外语片，在欧洲各大电影节上同样也屡获殊荣。朱塞佩·多纳托雷的影片数量不多，大多以家乡西西里岛为背景，题材也偏好少年的憧憬和老年的回忆，但几乎每部都是精心锤炼的作品。

花絮：

·大火烧毁了放映机房之后，安装的新的电影放映机是模仿维多利亚四世时代，由意大利米兰的Cinemeccanica S.p.a的手工制作完成。

·吉乌塞皮·托纳多导演这部电影的初衷，认为本片是一个讣告，宣告传统的电影院(正如该片电影里的)和普通电影生产方式的终结。但在本片大获成功之后，他对此缄口不提。

·塞尔瓦托回到家乡，看到他的母亲在为自己准备房间。在墙上的画是费多里戈·费里尼的一部电影《白酋长》Sceicco bianco, Lo (1952)，主演利奥波多·的里亚斯特在影片中扮演了Father Adelfio。

·在本片上映12年后再次推出导演加长版，比原版足足多五十分钟内容，主要是讲述青年托托的爱情故事，和成年托托回乡后与旧情人相会的情节。

精彩对白：

Alfredo: Living here day by day, you think it's the center of the world. You believe nothing will ever change. Then you leave: a year, two years. When you come back, everything's changed. The thread's broken. What you came to find isn't there. What was yours is gone. You have to go away for a long time... many years... before you can come back and find your people. The land where you were born. But now, no. It's not possible. Right now you're blinder than I am.

阿尔夫莱多：在这里居住了一天又一天，你认为这里就是世界的中心。你相信一切都永不会改变。然后你离开了，一年，两年，当你回来时，一切都变了。那条线断了，你所寻找的并不是这里。你只能再次离开很长时间……很多年……直到你能回来寻找你的人们，你出生的土地。但是现在不可能。现在你比我还要瞎。

Salvatore: Who said that? Gary Cooper? James Stewart? Henry Fonda? Eh?

萨尔瓦多：这些是谁说的？加里·库帕？詹姆士·斯图尔特？亨利·福达？嗯？

Alfredo: No, Toto. Nobody said it. This time it's all me. Life isn't like in the movies. Life... is much harder.

阿尔夫莱多：不是，托托，没有人说过。这次是我自己说的。生活并不像电影，生活……更艰难。

《天堂电影院》：别样的风流

多少人爱你年轻欢畅时的容颜，假意或真心；只有一个人爱你那脸上苍老了的痛苦的皱纹，爱你那朝圣者般纯洁明净的灵魂。——叶芝《当你年老的时候》

无论是三十年前还是三十年后，多多都这样一如既往地守护着自己的爱情，这不同于象牙塔中的最真挚的情感。《天堂电影院》里的多多从来也没有放弃过等待与追求，那是一种任何岁月、任何破坏也无法抹去的永恒的印记。影片的结尾是多多独自一人看那盘童年时禁放的镜头剪辑的放映带，当一个个快乐或悲伤或感怀或调侃或忧郁或深情的接吻镜头在屏幕上纷至沓来时，不禁感叹时光荏苒，年轻时曾拿着摄像机拍艾琳娜的一颦一笑，在无数个夜晚等待艾琳娜的窗子朝自己打开，在三十年后初见酷似艾琳娜的女孩时的心动与刺痛，在海边静静地说出“你还是那么漂亮”，一点一滴都重回心头，我终于理解了片末在只为他一个人放映影片的影院里哭泣的多多。导演在片末的处理确实有其强烈的艺术表现力与震撼力。

这部影片借着淘气的多多来诉说着人们童年的回忆。那是一个单调，平静的小镇子。多多是一个酷爱电影的孩子。人们在多多的身上看到了多多对电影的热爱，他把被剪掉的胶片偷偷拿回家，存放在铁盒子里，和爸爸的相片放在一起，是什么造成了多多对电影的热爱，这和当时的社会背景是分不开的。影片开头就自然流畅的阐述了当时人们的生活状况，单调，乏味，战争刚过后的百废待兴，电影业的刚刚兴起，在一个老旧的电影院里，老人，年轻人，孩子聚在一起，看期待中的电影，电影似乎是小镇人们生活中惟一的乐趣。多多在这样一个环境下成长，会热爱电影是有依据的。

整部影片似在写多多对电影的追求对爱情的追求，是一个个人的奋斗历程的展现；但在我看来，影片却是在通过一个人写一部辉煌的电影史。影片描绘了小镇上空泛的日子，在一天一天中，慢慢提到了多多的父亲，那是一个参战的男人，通过对多多父母的关注，展示了战争给人民带来的苦难，爱情的葬送，生命的流逝，都通过那不经意的提起完全的表达了导演对战争的看法。而整个电影史也就是这样被展现的。先是老神父审查影片，有吻戏的统统剪掉，人们在这过程中被禁欲思想束缚着；老艾费多变戏法似的将影片投放在广场上那一场戏，人们对电影的热爱表露无遗；在老艾费多眼部烧伤后，戏院变成了新影院，不单是设备的翻新，整个经营体制到审查制度都有了新的改变，人们开始接触到以前所接触不到的电影。多多正式接手放映影片的工作后，片子的内容有了转换，禁欲主义再也不能横行，而在这个前提下，无须经过审查的片子更多地被放映，小镇人们的生活也不再是以前那样单纯又单调。这个时候，影院的影片和观众是呈互动情势出现的。影院里会有这种情况，比如性场面等等。再后来，多多外出寻梦，回来后，记忆中很新的电影院又成了断壁残垣，在那个时候，正是电影业萧条的时候，因此，与我个人而言，最佩服的便是这精巧的构思，用一个小镇电影院的兴衰来展现一部宏伟的电影史的兴衰，在这之中，还将别有风格的“意式幽默”独具匠心的贯穿始终。不得不说，《天堂电影院》是有其极高的美学研究价值的。

一种欢笑与无忧的美梦，一段醉心又伤心的爱情，说不尽的风流隽永，写尽电影史的激情跌宕，离合悲欢。
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情浓半生的《天堂电影院》

文/东郭先生与狼共舞

　　战后冷清的街道、无所事事和无所寄托的人群、无邪天真的孩童、铅灰色有些伤感的天空。难怪我说《天堂电影院》里的意大利西西里岛上的小镇怎么那么眼熟！原来它真的和《玛莱娜》（Malena）一样，出自同一位导演之手！意大利导演吉斯皮。托那多利(Giuseppe Tornatore)当初就是凭借《天堂电影院》在国际上屡屡获奖，并奠定其在国际影坛的地位的。拍于上世纪80年代末期的这部电影，今天才看到，似乎有些迟，但跟着导演有着自传色彩和怀旧情绪的镜头，惊鸿一瞥了“电影”和电影的放映所经历的一小段历程，也考验了一遍自己，在阅尽千百部电影、自以为心已经是铜墙铁壁刀枪不入之后，是否还会轻易感动。剧中的老放映员曾伤感地说“技术的革新总是来得太迟”，但，看到一部心仪的好电影永远都不会觉得太迟。让我们抛弃权威的仲裁吧，那些直指内心深处、触动灵魂里最敏感的神经的电影永远是经得起时间考验的真正的好电影。

　　如果说《玛莱娜》中的西西里少年对于年长的美女只有“发乎情，止乎礼”地暗恋的话，那么《天堂电影院》中的多多似乎就根本是为了电影而生，对于电影的热爱也可以尽可能地宣泄。小小的放映窗口竟可以变幻出那么多的人生！光与影交织的就是现实和理想的梦境。对世事的似懂非懂的年纪，但已经开始有等待（等待参战的父亲归来），有执着（喜欢电影），能够挤进电影院看免费电影，这对于多多无异于天堂。----设在教堂里的电影院，是跟上帝最接近的地方。可以说放映员艾佛特影响了多多的一生。多多与艾佛特的友谊便因为“电影”开始，并日复一日，年复一年，在别人的台词和悲喜中延续，在光影的交替中年华逝去。直到谁家少年初长成，直到前程莫辨的爱情的降临。

　　艾佛特说得没错“真实的生活跟电影是不同的”，爱情承载了太多暗藏的条件，仅凭一腔热血是远远不够的。拒绝平庸，就一定得放弃些什么。《卧虎藏龙》中李慕白对玉蛟龙说：“握紧拳头，里边什么都没有；松开手，你拥有了整个世界。”这样的道理，老人的岁月固然参悟得透，然而怀春的少年哪里会明了这一切？！艾佛特似乎有些无情地将多多推拒在了爱情和故乡之外。谁说为电影胶片失明的艾佛特行将就木？他才是真正杰出的导演，他为多多导演出了一幕精彩的人生大戏！小镇失去了一个放映员准接班人，却成就了未来的一个电影名导演。只是，在这个过程中，多多将要经受相思、求之不得的寂寥，但既然不是一切美满都必须和可以象电影中一样轻易地上演，“道是无情却有情”，于是，当初艾佛特那机缘巧合的棒打鸳鸯散也绝对值得原谅了。

　　电影，就像是母亲手中的线，剪不断，理还乱，牵扯出别离和重逢。艾佛特和多多的忘年友情、多多与情人的半生缘，其实并没有随岁月流逝，还一直尘封在记忆的“天堂电影院”。沧海桑田，离合悲欢，故乡的小镇即使再变，电影院即使不复存在，而这生蕴藏于心深处浓得化不开的浓情，又怎么会和年久失修的电影院一样，某月某日轰然夷为平地呢？！

　　整个电影的95％，导演都没有哭天抢地地煽情，原以为电影会就这样在淡淡的缅怀中结束。却没料到，在最后，导演来了个重拳出击，砸得我有些猝不及防、晕头转向。-----导演和艾佛特一起，联手把最精彩的谜底放在最后揭晓！！！“雨飘风同舟，苦中可忘忧，以歌解忧，疑惑我想透”记得有歌中唱道。当看见从前因为迫于教会势力而剪掉的一些接吻画面，被艾佛特重新拼接在一起，作为给多多的最后礼物，黑白镜头斑驳地出现在名导演多多的试映厅的时候，人世间最美丽的两性之爱，被剪接和尘封的故事，是电影的历史，也是多多的历史。“层层华渐喧，重现碎片段”已经无意去猜度艾佛特的后半生究竟是愧疚还是欣慰，抑或二者皆有之，剧中人得失刹那释然，观者亦尝试再度原谅！象我这样不轻易为电影感动落泪的人居然也在别人的故事里泪流满面。人世间一切都在变，但一定也有些什么东西永远都不会褪色，就如同故乡，就如同不可还原的童年，就如同刻骨铭心的那场初恋，还有那个关切的人。却原来“悠悠浮云望穿，人事看厌倦，惟独情不变”。爱和理想都以某种形式实现了，艾佛特说，那就是-----电影。

　　吉斯皮。托那多利确实如同童年的多多一样，对电影的倾心溢于每一个镜头，他以电影院放映电影的方式，将镜头对准屏幕，他甚至点出阿伦。雷乃、安东尼奥尼等大师的名，传达了他对大师的致敬，因为电影院是他最初的学堂；然而他似乎更尊敬诸如艾佛特、影院老板这样普通的“编外”电影工作者。电影业受到的冲击，影院没落的忧患也都无声地从镜头中传递。所以我说他是真正酷爱电影、为电影而生的人。“能够大声说出来的爱就不是爱了”。这也是为什么国产电影《花眼》中那个梦呓一般絮絮叨叨地述说自己如何如何热爱电影的电影院领位员这一角色（其实就是导演自己的代言人）除了让人心烦之外，还有就是觉得画虎不成反类犬了。

　　吉斯皮。托那多利的镜头有着非常独特的美感，他诠释的乡愁不是塔尔科夫斯基镜头下那样氤氩的冷酷仙境，他的乡愁因为“电影”这一确切的事物而具象化了，这个时候的乡愁和怀旧，还不像后来的《玛莱娜》那样空洞和矫情；辅以匀速和对称的美学支撑的画面，使得他的故事有着从容的大气，也是，“天堂”里从来就不应该有局促；不仅故事叙述出色，导演还运用了一系列象征的手法，例如海边锈迹斑斑的铁锚（小镇一成不变枯燥的生活）、追赶火车的神父（告别旧世界）、母亲的毛线（时光流转）等等举不胜举。并没有太多让人眼花缭乱的技巧，朴实和真诚是这部电影的最大特点。只是有一点我有些不明白，导演为什么后来会让多多与女友在海边真正相见呢？电话亭隔着纱窗相见那幕已经很完美了，倘恍迷离得一若隔世！导演是不是定要忍心残酷地“十分钟，目睹美人年华老去”？我心下有点牵强的解释是，也好，难得有机会当面澄清，盈盈一笑尽把恩仇了。纠缠半生的心结，也终于有了个交代和释怀。

　　这一点未免看上去有点画蛇添足，令完美打了折扣，不过好片子终究是瑕不掩瑜。我很喜欢这电影！特别是它的结局深深触动了我，选择在高潮中嘎然而止是在冒险和赌博，但是吉斯皮。托那多利，他成功了。

　　深夜想起来，中国佛说，人活着就是“苦”：生、老、病、死乃人生常态；爱别离，求不得皆属“心”苦。意大利人看来比较属于乐天派的民族，也许是宗教信仰的关系吧，再凄苦的年代，再凄苦的等待，在用“电影”表现出来的时候却绝少看得见泪水，他们自有他们“乐”的方式。然而不知道，假如西西里小岛没有电影，没有电影院，那么多多的童年是不是还会有天堂？！

《天堂电影院》：生活和电影不一样，生活比电影难多了

正在为要写一篇这部电影的影评发愁。这样一部出色的电影，它带来的影响是用文字无法形容的。

关于西西里

　　导演朱塞佩托纳托雷就此出生在意大利这个美丽的小岛上。我想这也是他偏爱这个地方的原因。《西西里的美丽传说》的背景就是这个小岛。这里不繁荣，这里不古老，但这里是孕育故事的地方，因为这里的真实质朴的人。在《天堂电影院》的人物角色里你找不到一个所谓的坏人，即使是那个无意中中了彩票的爆发户，他也只是爱炫耀而已。这里的人哭笑都写在脸上，你不用费尽心思去捉摸。这也是为什么这部电影从头到底都是干干净净的，小岛周围就是海，毫无城府的大海，它是一面镜子，照出每一丝瑕疵。

关于电影院

　　那个时候的人们很可怜，也很幸福。没有灯红酒绿的娱乐城，没有歌舞升平的午夜场，他们只有一个信仰：电影。他们随着它欢笑，随着它痛哭，完完全全沉浸在这个天堂里，而他们不知道，其实，他们的人生就是一部电影。也许不够精彩，也许不够浪漫，但真实，伸手可及。对于镇上的人来说，这里是天堂，对于阿尔弗莱多来说，这里只不过是一部部机器，他自己是一枚齿轮，一刻不停地在旋转，直到有一天，他随着破旧的机器一起垮掉了。但是对于多多，这里是他向往的地方，有阿尔弗莱多神气的魔法，牧师无谓的苛刻，有人们的欢喜哀愁，像是一个另类的世界。

关于爱情

　　我就知道，长大了的多多会让我失望的。无论他多么帅。因为孩子时那股天真与灵气被岁月抹灭了。他学会了忧愁，学会了倔强，学会了伤害。在他第一次遇到喜欢的女孩时，阿尔弗莱多只是给他讲了一个故事，一个关于等待的故事。年轻的我们总是不会轻易地放弃，哪怕知道自己是错的，多多用自己的行动去实践这个故事，哪怕他知道结局是悲伤的。当多多决定和女孩私奔的晚上，谁也没有想到是阿尔弗莱多，阻止了他们，他是故意的，让这对恋人各奔东西。眼睛看不见的阿尔弗莱多，心却是那样的清醒。

关于离开

　　人总是在离开。无论是离开故乡还是亲人，甚至是离开自己，离开回忆。离开是生命中重要的一部分。是阿尔弗莱多让多多离开了。他舍不得多多，但更舍不得多多的未来。在军队的日子只不过是离开的前奏，当多多风尘仆仆满怀希望地回到小镇，眼前的一切让他再也提不起兴致。没有了心爱的女孩，没有了天堂影院，除了离开他还能怎样呢？在我们离开的时候总是以为我们是最值得感伤的人，可是为什么呢？妈妈总是把门开着，怕万一儿子回来了进不来门；阿尔弗莱多把多多的宝贝胶片连成一部电影，即使是昏迷中也一直呼唤着多多的名字~~~
后来，向每个故事的结局一样，我们的多多长大了，成功了，衣锦还乡了，和所有人重逢了，电影院要拆了，广场上的疯子在也不会绕着广场喊“广场是我的”了，导演毫不留情地把一切变化摆在我们面前，使让我们怀念吗，还是让我们做见证？

    个人认为：托纳托雷的这部电影堪称是他的经典之作，甚至传世之作，不仅仅超越了自己，也超越了哪个时代，甚至不可能被超越，以至于在托纳托雷以后的人生中，再拍不出什么好的电影了。

天堂电影院
又名: 新天堂乐园 / 星光伴我心

导演: 吉赛贝 托纳多雷 (Giuseppe Tornatore)
主演: Antonella Attili / Enzo Cannavale / Isa Danieli

上映年度: 1988
语言: 意大利语 /　英语
制片国家/地区: 法国 /　意大利

原声OST列表：
Ennio Morricone - Cinema Paradiso Movie Score
01. Cinema Paradiso - 3:00 [MP3]
02. Maturity - 2:20 [MP3]
03. While thinking about her again - 1:20 [MP3]
04. Childhood and manhood - 2:16 [MP3]
05. Cinema on fire - 2:48 [MP3]
06. Love theme - 2:48 [MP3]
07. After the destruction - 2:03 [MP3]
08. First youth - 2:16 [MP3]
09. Love theme for Nata - 4:07 [MP3]
10. Visit to the cinema - 2:23 [MP3]
11. Four interludes - 1:58 [MP3]
12. Runaway, search and return - 2:07 [MP3]
13. Projection for two - 2:08 [MP3]
14. From american sex appeal to th - 3:27 [MP3]
15. Toto and Alfredo - 1:21 [MP3]
16. For Elena - 1:49 [MP3]
 
天堂电影院-往事如烟 又近在咫尺！

天堂电影院----忆起往事，不仅是感动

天堂电影院，朱塞佩．托纳托雷回家三部曲中的顶梁柱，大家应该都看过了。

谈到这个电影时，往往说起自己的感动以及泪如泉涌，听说年纪越大，看这部电影越觉得深刻，我想其实大家感动的，应该是自己的人生之路吧。

本片将电影的发展史描述了一边，是电影的主时间线，主角多多也是跟随着电影的发展而成长，少年，青年，中年。少年时期的小镇上大家坐在封闭幽暗的电影院中，与身边所有人一起分享爱、眼泪、快乐、恐惧与忧伤，台上与台下的故事同时发生。欢快的节奏以及阿佛雷德和多多一老一少父子般的感情，一个故事娓娓道来。青年时期男主人公唯美的初恋成了一段忧伤的记忆，在阿佛雷德的建议下多多离家而去，寻找自己的理想。中年时期已然成为大导演的多多又是因阿佛雷德的死再次回到了故乡，依然是那些乡亲，就连旧爱都再次相遇，各种感情轻轻的交汇于此，直到最后多多看到阿佛雷德替自己剪接的所有爱的片段，才真真明白阿佛雷德的话，“激情过后，乘下的只有灰烬。”

其实我们很多人都是如此，童年时的美好记忆，留在心底最深处的初恋，离家在外，四处漂泊的闯荡，小有所成或大有成就的现在。人的一生都不一样，但很多事情大家都经历过。我在一个充满乐趣的小区里长大，后来搬家到了很远的地方。去年偶然的机会回到老家驻地，发现老家早已不在，耸入云间的只有新建的高楼，但仍然感到那种难以言说的激动，童年的一幕幕在脑海中慢慢回放的时候是那么的近，好象全世界的阳光都照到自己身上，照亮曾经生活的每一个角落。见到朋友时，两个儿时的玩伴簇膝而谈，谈过去的点点滴滴，谈某年某月似乎的偶遇对方，谈将来的打算，有没有机会再次在同一个城市落脚。时间往往在快乐中匆匆而过，离开旧地故友时，感觉仿佛回到从前，象一个不经世事的孩子，再一次踏上未知的旅程，又体会到曾经冲动。

思想穿过空间是思念，思想跨越时间是回忆。我们不一定要到老时才可以捻着胡子向儿孙将自己过去的故事。忆起往事，不仅是感动，还有幸福。体会自己曾经经历过的事，仿佛也能呼吸到新的空气。

《天堂电影院》电影与生活的不规则辩证

作者：罗南　来源：网易娱乐

“电影不是生活，生活比电影苦。”这句被我们经常念叨的言语出现在了《天堂电院》的对白中。心被狠狠地感动了一下，随即左眼与右眼不自然地分泌出丝丝盐涩。我们一直探索着情感最真处的起源点，好让神经获得短暂的突兀；我们一直追寻着灵魂最深处的交织点，好让思想获得永恒的烙印。感动是一把利器，刺透了人所有的伪装，使人不停地落泪。故乡在泪水中隐约依稀，有羊，有初恋，还有电影院。朱塞佩&#8226;托纳托雷的《天堂电影院》力量巨大，验证了影像是情感的凝聚体，是思绪的发散体。

《天堂电影院》几乎成为了学院影视鉴赏课程必看的影片之一，往往还是第一部观摩的影片。在影像中，我们得到了关于坚强的信息，关于执著的信息，关于生活真谛的信息。主题积极向上，给人信心，给人勇气。在影迷们的心中，《天堂电影院》是一座丰碑，后来的《西西里的美丽传说》与《海上钢琴师》虽也贵为经典，可是与前者相比还是有些差距，也许是《天堂电影院》根深蒂固的原因吧。

童年的托托挚爱电影，在他鬼灵精的眼睛里，仿佛也看到了自己曾经的愉悦。那时候，我大概十来岁左右，与邻居的玩伴经常溜进电影院看电影。“溜”是比较困难的，因为我们先要翻过铁门，沿着羊肠小道走上了1分钟，轻手轻脚地打开小门，过了小门，就是电影院的厕所了。然后要装作若无其事的样子躲过查票老头疑惑的目光，就大功告成。在无数次的“溜”中，我们没有被那查票的老头子抓住过，甚至有几次我分明看到他对着我微笑，难道他就是传说中的“阿尔夫莱多”？影像中的阿尔夫莱多是个和蔼的老人，是个放映员，懂得把自己的爱奉献给别人，也乐意把自己的智慧赠与需要有帮助的人。电影把托托和阿尔夫莱多联系在了一起，故事也就随着这条线缓缓展开，“电影与生活的辩证关系”也就开始了。

电影是个美好的物质，银幕中影像游离跳动，散发出众多的“酸甜苦辣”，使小镇的人们得到了情感的寄托。托托热爱电影，他把买牛奶的50里拉奉献给影院，宁愿找来一顿臭打也在所不惜，电影在孩子的眼里是最美最美的。由于电影过于美好，托托又深陷其中，他对周遭的环境就有所疏远了，做事情总以为可以达到完美，即使现在暂时不能成功，随着时间的推移也能够璀璨炫亮。他离不开家庭，离不开阿尔夫莱多。直到爱上了艾琳娜后，生活与电影开始有了隔阂。现实中，托托用了100天的夜晚，守候在艾琳娜的窗外，一颗炙热的心在一年中的最后时刻惨淡离去。这是生活不是电影，生活是有失败和磨砺的。幸亏，艾琳娜改变了初衷，在放映间与托托深情相吻相拥，把生活从苍白拉到了鲜红。可是朱塞佩&#8226;托纳托雷不愿意让生活那么快屈服于电影，因而后来的情节由于艾琳娜父亲的阻碍，使托托的初恋痛苦收场。

生活是个复杂的物质，不光有美好，痛楚也是夹杂其中的。阿尔夫莱多为了让托托了解更多的生活真谛，毅然地要求他远离小镇，去罗马生活，而且途中不能返家。这些镜头告诉我们，要把生活握在手中，首当其冲的是要培养自己坚强的意志。托托终于在白发年代成为了知名的电影导演，可情感生活依旧不如意。电影不是生活，生活比电影苦。感情生活变成了一道鸿沟，不能够随着自己的意志力而发生转移。就跟姜文说的：人世间的事儿什么都是人事儿，唯独这爱情，它不是个“人的事儿”，它是个“神的事儿”。

电影是单一美好的，生活是复杂波折的。在电影中我们享受“酸甜”，在生活我们体会“苦辣”。电影与生活在绝大多数的时间里是不能统一在一起的，因而就谈不上相辅相成了。可也有例外，那就是托托与阿尔夫莱多成了忘年交，比电影愈加美好，给人一种莫名的震撼力。《天堂电影院》给了观众太多的思考，“电影与生活”只是其中一个话题，更多的话题早已被疯狂的影迷逐一肢解分析。细细咀嚼电影，如同品尝一杯冰凉摩卡，把盛夏的午后装扮地缤纷妖娆。

附《天堂电影院》中出现的老电影资料

01、Les Bas-fonds 《地下》（1936）

法国电影大师让&#8226;雷诺阿（Jean Renoir）作品

02、Stagecoach 《关山飞渡》（1939）

美国导演约翰&#8226;福特（John Ford）执导的经典西部片

03、La terra trema: Episodio del mare 《大地在波动》（1948）

意大利电影大师鲁奇诺&#8226;维斯康蒂（Luchino Visconti）的新现实主义杰作

04、The Knockout 《击倒》（1914）

卓别林最早期的喜剧短片之一，导演Charles Avery

05、In nome della legge 《因法之名》（1949）

意大利导演佩特洛&#8226;杰米（Pietro Germi）作品

06、Riso amaro 《粒粒皆辛苦》（1948）

意大利导演朱塞佩&#8226;德&#8226;桑蒂斯（Giuseppe De Santis）作品

07、Dr. Jekyll and Mr. Hyde 《化身博士》（1941）

美国导演维克多&#8226;弗莱明（Victor Fleming）执导的恐怖片

08、I Pompieri di Viggiù 《消防员》（1949）

意大利导演马里奥&#8226;马托蒂（Mario Mattoli）执导的喜剧片

09、Anna 《欲海慈航》（1951）

意大利导演阿贝托&#8226;拉图达（Alberto Lattuada）作品

10、Catene 《羁绊》（1949）

意大利导演拉法洛&#8226;马塔拉佐（Raffaello Matarazzo）作品

11、Et Dieu... créa la femme 《上帝创造女人》（1956）

法国导演罗杰&#8226;瓦迪姆（Roger Vadim）作品，法国性感女神碧姬&#8226;巴铎引起 轰动之作

12、Seven Brides for Seven Brothers 《七对佳偶》（1954）

美国歌舞片大导演斯坦利&#8226;多南（Stanley Donen）执导的歌舞喜剧片

13、I Vitelloni 《浪荡儿》（1953）

意大利电影大师费里尼（Federico Fellini）早期作品

14、Poveri ma belli 《比坚尼女郎》（1957）

意大利导演迪诺&#8226;里西（Dino Risi）作品

15、Ulysses 《尤里西斯》（1954）

柯克&#8226;道格拉斯主演的古装片，导演Mario Camerini

16、Il Grido 《呼喊》（1957）

意大利电影大师安东尼奥尼（Michelangelo Antonioni）早期作品

《天堂电影院》，电影就是天堂

作者：dongrinuan　来源：网易娱乐

一　电影与父亲

电影的第一部分主要叙述了多多童年的生活。在天真活泼的童年，电影在多多的生活中扮演了重要的角色。他是如此的热爱胶卷，然爱电影，电影与他的生活融合在了一起。

但在童年的生活中，还有一个重要的元素，那就是父亲。父亲已经好久没有回来，多多已经连父亲的面容都记不起来了。关于父亲，在电影中被提及的并不多，然而也在多多走向电影的途中其了重要的作用。正是当艾佛特老人看到被多多放在一起的烧毁的父亲的照片于电影胶卷，我们才从他的眼神中看到了一丝若有所思。这时，是不是他才对这个顽皮的小孩多了一份深沉的思考，然后才让他接近放映机。在电影中，童年生活的结束实际是以得知父亲死去的消息而结束。在得知这个消息后，多多与母亲走在路上时，看到贴在墙壁上的电影海报时，我看到他的脸上仍然露出了一丝丝的笑容。

失去父亲对于一个儿童来说，应该不是一件轻松的事。但我们在电影中看到的却是一个活泼可爱，没有丝毫悲伤的小孩。当他大部分的心灵被电影所占据时，另一部分隐秘的角落则被隐盖了起来。不知这对于可爱的多多来说，是有意的还是无意的呢？

二　电影与爱情

童年生活讲完，在接下来的过程中，则主要讲述了他少年时的一段恋情。这段恋情所体现出来的，是少年特有的热情与执著。一个可以说是豪门，另一个则是穷小子。多多每天坚持在艾琳娜的楼下等候，也是特有的少年情窦初开的冲动。这些，无不带着纯美的浪漫色彩。

在这段中，老人所讲述的那个故事最令人感动。士兵在第九十九天潸然离去，只是为了维持幻想中第一百天的美好。生活是现实的残酷的。当美好的想像即将被现实击碎时，还不如不要去揭开那个谜底。让想像成为电影，在我们的头脑中时时放映，我们仍会感到充满希望与温暖。

可以说，是老人拆散了多多与艾琳娜。老人说：“烈火燃烧后只剩下灰烬。”接下来的，却是多多三十年的等待，他始终不能忘记那个女孩，却拍了电影。我们不难猜测，不管他的电影如何变换，其中有一个不变的主题会是什么。少年时那段刻骨铭心的恋情，必然是他所有电影的幕后主题。不知道，当他每拍完一部电影时，对艾琳娜的思念是增多一点还是减少一点，但思念却不会停止，而且热情不减。

我想，如果他们少年时真的走到了一起，在三十年后他们还会是如此的热恋依旧吗？老人说：“生活不是电影，生活比电影复杂得多。”他们少年时的恋情，更像是一部电影，却不是生活。他以后所拍的电影，就是对这部电影的重写。电影总是美好的，它能提供在生活中不可能的想像的世界。

三　电影与时间

到了中年，当多多作为一个事业有成的导演回到家乡时，他是疲惫与繁忙的，而家乡也早已是不复从前。时间流逝，任何事物都会改变。

当天堂电影院被炸毁时，一方面是老人们对过去凝重而有沉默的悲伤；另一方面却是新一代的青年们在废墟上的翩翩起舞与欢笑。这就是时间带给人的隔阂。一些人正在被时间抛弃，另一些人却正在时间中走向未来。

每个人都无法抗拒时间带来的变化，而电影却为留住时间提供了可能。在结尾处，当导演看着以前的电影剪辑时，虽然时间已使这些胶卷的意义发生了变化，但此时的导演无疑又回到了他的童年时代。一部感动人的电影必然是触及人们记忆的电影。每部在当下完成的电影，在未来都将会成为人们沟通过去的出口。因为电影上的影像不会改变，电影，传递着过去岁月的温暖。

《天堂电影院》：成长的故事

作　　者：老萨

对这部电影期盼已久，见到后马上收了。但换了两次碟，意大利原声都没有办法听，中文译音还凑合，只好忍了。也许是因为中文译音的缘故，我没有进入到意大利西西里小镇的氛围里面。

童年的时候，每个人都会有自己最的梦想。那种执着的信念竟有如此大的力量，让谁也没有办法阻拦。即使是母亲的呵斥与责骂，也不能阻止小主人公去电影院的念头。他一心想操作那个神奇的放映机。这种来自幼小心灵的力量也注定会影响我们的一生。问问自己，你还在坚持着儿时的梦想么？也许早就随着都市的红尘远去了吧！如果你对童年还有一点点眷恋，那么，你也一定能跟随导演的镜头慢慢回忆，挖掘起自己掩埋已久的纯真记忆。

还有年少的冲动，对于爱情的理解，那巷子里苦苦等待的100个晚上，都是导演对于自己年轻的回忆。老放映员在门前淳淳的教导，仿佛依然回响在我们的耳边。导演没有用太多的场景，片子更像是发生在天堂电影院的舞台剧。形形色色的人物支撑了整部电影的剧情发展。我仿佛看到一双小小的闪光的眼睛在默默地注视着影院中发生的一切。

影片的结尾，主人公长大后得到了老放映员的遗物，也是他本应得到的东西：所有被神父剪掉的接吻镜头。我又想起了人们在第一次看到接吻镜头的时候的欢呼生。此时，导演的心中也在一幕幕的闪过各种画面吧！我已经把主人公和导演弄混乱了。其实他们本来就是一体的。

《天堂电影院》里的“酱爆螺丝”

作者：DoioD　来源：本站论坛

对于我，一个初到南方工作的北方人来说，新添了些小烦恼，炎热的气温、夜里入睡时吵闹的蝉鸣声，相比之下，也有可以让我回味的，一种南方的美味小炒：“酱爆螺丝”就是其中之一。

我住处楼下的一间小餐馆烧制的“酱爆螺丝”，选料够精，配料够足，味道够正，享用这道菜时，我是一定要格外仔细的把手洗干净的，因为连手指上的汤汁我都不舍得遗漏，那个有名的三字美国快餐有个吮指鸡，我就称这个为吮指螺丝。

吮指螺丝是令我回味的，我称其为我饮食中的一款经典，这款经典使我想起了另外一个经典，一部我很喜欢的意大利电影《天堂电影院》，这部电影尽管长达3个小时，可我也是经常的欣赏这部电影的DVD，而且每回都是从头看到尾，不暂停，也不快进，每回看完都能有些新的感动、新的收获，从形式上讲，我看《天堂电影院》也是一种吮指，只不过用的是眼睛。

美味不常有，可以吮指的美味更是难寻，而我就一下子奢侈的拥有了两个：《天堂电影院》和“酱爆螺丝”，如果有一天我可以在一个正式的电影院里，一边享用“酱爆螺丝”，一边欣赏大银幕上的《天堂电影院》，那我的手指还不得被我吸吮的一塌糊涂，而我是很期待着那样的一塌糊涂。

经典是大众的，也是个人的，而那些属于个人的经典好象对我的触动更为强烈；而发现经典的途径可以是一种经历，也可以是一种兴趣或爱好，正是因为工作的调动，我发现了“酱爆螺丝”，正是因为我是个影视发烧友，才看到了《天堂电影院》。

“酱爆螺丝”我还会点的，《天堂电影院》我也会继续重温的，这些是我的吮指系列，在反复的“吮指”中我和一个个的经典有了一次又一次亲密的接触，使我无论是在北方还是南国，我都能和经典不离不弃、如影相随，我的生活也就离经典近了一些。

脸很寂寞

评论: 天堂电影院

wakaka

他们的眼睛清澈明亮

就像星辰一样熠熠发光

那是被胶片投影出来的光辉点亮的

亦摇亦曳

如同电影的开始和结尾一样自然

电影是生活仅存的意义。小镇上的人们用一部部电影维系着这种平淡无奇的生活，哪怕是一部部重复播放不已的影片。老人们从电影里获取温暖；妇女被迷人的爱情感动着，不断擦拭眼泪；男人们和少年们惊诧于外面世界另外的精彩和刺激的生活，在银幕上的每一个漂亮女人面前手淫，获得短暂的快慰。一切事物都可以在银幕里面和外面尽情上演。小小的破旧的天堂电影院，就是离人们距离最近而且最为美好的天堂。只要还有电影，生活依旧美好。

他不顾家人的反对，不顾朋友和其他人们的反对，毅然地爱上了她。没有理由的爱，冲动而没有理智的，但不管怎样，都是合理的，不可抑止的。第一次的经历的他，完全有理由放弃的，但是他没有，只留下一夜夜的等待，等待。等待，是一条多么漫长而崎岖的道路。如果可以有奇迹发生，哪怕一丝机会，他也要去争取。那一扇古旧的矜持的窗，她是否愿意轻轻推开。期盼的眼，就要望穿。目光是一把温柔又锐利的剑，穿透月光，刺破了疾风骤雨和灯影幢幢，深深地扎在木窗上。

会径直地闯入她的心么？

终于，他们都没有失望。在一个平淡却又特别的晚上，他们冲破了桎梏，两个年青的身体终于渐渐靠近。心脏高高飞扬起来！

以后的日子里，快乐像杯子里盛满的红色液体，激动得漫溢出来，汇成轻快的小溪了。他们可以骑着单车徜徉在无忧无虑的麦田里，在阴天也可以尽情欢唱，在冰凉如水的晚上互相温暖，在久久难忘的电影剧情再次上演的时候彼此激励和感动。多么希望时间能停留在快乐的每一刻，哪怕再多一秒也好。

可是美好的事物常常事与愿违，好像只有这样故事才能顺利的进行。我们不愿意看到悲剧的发生，但是却总是乐此不疲的接受它们，容忍它们的存在。这样的纯爱故事总像是虚构出来的，叫你不敢相信它的真实可信度。她终于离开了他，就像人们所预期的那样，可以为了种种莫可名状的原因就默然离开。他也离开了他，尽管是那么的不舍，但是生活总是要继续的，很多梦想也需要自己去完成。他甚至放弃了童年最初的梦想，选择走一条不知道结果的没有尽头的路。可人们都说那是一条好路。他载着全家乃至全镇人们的希冀走上了火车，然后深深地，回望了一下身后的人们和房屋，好像回顾了一下整个童年的青涩岁月，满眼酸楚。

天堂电影院重新开张了，富丽堂皇的展示给大家她的风光。电影院里还装上了最新的放映设备，电影更加流畅的播放着，带给人们无尽的欢乐和思索，只是那些发黄的胶片，再也不能播放一回了。

时间像脱缰的野马一样地开始飞奔了，你再也拉不住它那倔强的缰绳。一奔三十个春秋。不知疲倦。当他再一次踏上故土，看看曾经熟悉的街道和人们，似乎一切都还在，依稀可辨。不过，他就快要辨不出天堂电影院了。他心存怀疑的走进去，登上二楼，看看陌生的机器和放映师，抚摸一下雪白的墙壁，天堂电影院只能存在于心中，永久地在记忆中回忆。现在的电影院是那样的冷清萧条，新技术、电视机、更多有趣的崭新的娱乐设施分散了人们的兴趣。他们再也不愿意挤在热烘烘的喧闹人群里辛苦的期待一场黑白电影了。

人们为他的到来举办了热情的盛典，因为他的成功，他的富足，他的声望和权势。他早已经不是原来那个可怜巴巴的赖在电影院里渴求一部乏味的感情电影的小男孩了，现在的他是一位著名导演，亲自指导着一部部精彩好片的拍摄和制作的全部过程。人们仰慕他，巴结他，他都诚恳地回应。他们不曾知道，在他的心里，始终有一位美丽的姑娘占据着一个重要的位置，不弃不离，不曾改变，哪怕历经了三十年的风风雨雨乃至更久。现在，重返故地，他只想要再看一眼那女子执着迷人的眼眸。

他真的看见了她。在一个幽暗角落，他看见一个女人的落寞眼神，藏匿在一双双激动而闪光的眼睛里。他坚定地确定，那一定是她！他跟踪她到了一座房子前面，然后他打电话，然后他看见一个中年妇女的风韵犹存的身影，然后他们相见。他嘘寒问暖，他关怀至极，最后他试图用嘴唇去温暖她那被生活磨砺的冰冷的脸颊。那女子没有动容，依然平静而坚忍，甚至有透出些许的幽怨和责怪。但最后，他们再一次分别了，那一夜，什么都没有发生过。他们就像陌路人一样，各自分开，没有丝毫的眷恋。

最终你将明了：女孩只是搬了家，临走之前，留给他一张字条，在放映室的浅黄色墙上；他只是没有看到写在那上面的地址。

一张小小的纸条，竟让他们错过了一生。

命运精巧的安排，我们应该微笑还是哭泣，或者无动于衷，任凭时间摆布？

我们看到影片的结尾，无数的情侣接吻亲热，无数张满足而幸福的脸贴紧在一起。再也听不到小镇上人们的抗议了。他们曾经是多们希望看到这一幕幕啊。现在，他们的脸是分开的。很寂寞。

《天堂电影院》——人生不是电影

评论: 天堂电影院

性感农民

托纳多雷 (Giuseppe Tornatore)说“人生不是电影，人生比电影苦多了”，其实人生也比电影无聊多了。《天堂电影院》中托托的童年，故乡，亲情，友情，爱情，离别，重逢……让我也有机会用隽永这个词来形容这些东西。不光电影，人生中也就这些破事，翻来覆去。只是有人能感受，有人麻木；有人靠近，有人逃避。我的童年没有电影，以后也不会有天堂，但至少我是一个观众——虔诚的观众。福柯有条件去感受肉欲的极限，我却还不能触碰情欲和道德的底线。越想忘记，却记得更牢；越想离开，却靠得更近；越想逃脱，却陷入更深。人们总喜欢摆出一个美丽的忧伤的POSE，靠一些影像和文字来标榜自己的含蓄和敏感——当然包括我。看透了，就是一副贱B呵呵的样子。我们需要刺激，没有它就不能抵御忧郁（歌德说的，不是我说的）。所以托纳多雷另一部《西西里的美丽传说》中贝鲁奇的身段更提神。

对电影《天堂电影院》的点评

LinkinBz

《天堂电影院》是我最钟爱的电影，曾收过加长版，今年发行的维恩斯坦收藏版其实集合了加长版和剧场版两部正片，但九区作的仅仅是剧场版，这也好，正好填补了我独缺剧场版的空白。 《天堂电影院》这部电影加长版比剧场版多了整整50分钟，加长版其实也就是导演剪辑版，最初托纳托雷剪好的初片并未得到好评，甚至受到影评人恶评如潮的待遇，归咎于影片太长，过于浪漫煽情，托纳托雷不太情愿的进行了第一次剪，删去了约15分钟，可依然没有得到影评人的好评，随后托纳托雷第二次剪，索性删去中年托托重遇初恋情人等情节，这下就成就了在嘎纳首映后蜚声国际经久不衰的《天堂电影院》，影片洋溢浓浓的西西里质朴的民风、电影对于人心灵的深远影响、一段刻骨铭心的忘年交、一段无法割舍的浪漫情、那段亲吻的电影蒙太奇、那与电影融为一体的优美配乐。。。《天堂电影院》有太多让我感动难忘的内容。 平心而论，《天堂电影院》加长版和剧场版的确差异很大，几乎影响到了影片主题，剧场版没有过于留恋对于那段恋情的叙述，影片总体围绕着天堂电影院自身的变迁发展，是托托和阿尔弗雷多由电影而生的忘年交的见证，而加长版的最后部分比较拖沓，中年托托偶遇初恋情人后又有情节的展开，和影片前半段铺下的质朴情怀差异蛮大的，而且我们能看到一个重要的情节就是阿尔弗雷多让那女孩离开托托，让托托决心离开小镇出去闯天下，他为托托选择了正确的路但不可避免充当了情感上的“恶魔”，即使在天堂电影院，我们依然无法忽略残酷的现实一面。《天堂电影院》加长版没有得到垂青我们能理解，毕竟公映的版本无论衔接，还是主题的表现上来看都一脉相承，堪称完美了。

Cinema Paradiso

jj73

就是有这么一个片子 让我看了之后许久都无法为它写出什么来 实在是恐惧将它写坏了 或者写不出自己预期的感受

《天堂电影院》。就如人们给予它的任何一个称谓与褒奖一般 绝对不会让你失望

它以整体轻松的调子屏弃了矫柔造作的故做深沉。它却是严肃的 对人生的客观描述是严肃的 对生活与成长的主观情绪亦是严肃的。因你不得不觉得它 即便生命有太多脱离正常轨迹的插曲 在那些悲歌的背面 世界仍在淌着血朝你微笑

每一个智者都曾承认了生命的悲剧性 也因此 对待生命的强力变的尤其重要。Alfredo瞒着Toto欺骗了Elena。然后 少年真正踏上了自己的人生路 30年后 已功成名就满头白发的Toto再次面对自己一直爱着的初恋女友 真相已经不再重要 那个曾经将他当作自己的孩子一样对待的老人 其实直至临死都无法从自己曾经的谎言里释怀 而那隐瞒了30年的谎啊 饱含了多少看不到的爱与期待。

Toto听从Alfredo 整整30年不曾回过自己的故乡 即使是写信亦是被禁止的。假若没有老人的这般坚持 也许 Toto依然还在那小小的天堂电影院里做放映师 而后随着他的消亡而失业。生活不是电影 它很真实 很难。老人用一辈子的时间读透了生活 然后尝试着帮助他的孩子去实现理想 走远不同于他的另一种人生。

误解 宽容 成长 爱 以及生命。在这3个小时的时间里 竟是那么完整与精彩。而此刻 即使我清楚自己的语言远不能抵达生命的某个深度 只是想以至今仅有的20年的成长时光 拿自己的眼睛去阅读它 罢了

《天堂电影院》——关于梦的电影往事

老男孩

这是一场关于梦想的电影往事。

二战时期的意大利西西里岛，既流传着一段美丽传说，也孕育着这么一个孩子的梦想：关于理想，关于友情，关于爱情，关于亲情。

电影梦

这个梦想是多多的，也是阿尔夫莱多的，更是导演托那托雷的。我不敢妄称多多就是托那托雷童年的幻像，但我知道托那托雷肯定也曾做过多多类似的梦——关于电影的梦。同样，那也曾是阿尔夫莱多的梦。阿尔夫莱多知道自己再没有圆梦的机会了，他要多多去圆梦，也是去圆他自己的梦。他不希望多多圆梦的途中会被打扰，会半途而废，甚至不惜于破坏多多与艾列娜的爱情来表示对梦想的虔诚，为多多画出这样一个美丽的梦境，将多多送了出去。他知道人在梦里是不能被打扰的，于是他在车站送行的时候狠狠的抓住多多：不准回来！不准想我们！不准回头！不准写信！不准妥协！忘了我们！

友情梦

多多与阿尔夫莱多忘年的情谊，起源与古怪精灵的多多从阿尔夫莱多的放映室偷胶片开始。封建的神父作为影院的所有者，审片的态度一点也不马虎。胶片剪了又剪，多多的私藏也随着废弃胶片的增多而日益丰富，直至一天因胶片引发的意外火灾险些要了多多妹妹的命，阿尔夫莱多才意识到——这个小鬼原来有着和自己一样的梦，他要培养多多。但是阿尔夫莱多毕竟是成人，他知道多多不可能一辈子都做一名电影放映员，他告诉多多：“生活不是电影，生活比电影苦多了！”特别是在多多救了阿尔夫莱多的命之后，阿尔夫莱多更是将满心的希望都寄托在了多多的身上，他不仅像朋友，更像是父亲般的关爱着多多。最后当多多独自坐在影院欣赏阿尔夫莱多留给自己的遗物时，银幕上还能找到失落的东西，以作回忆的凭据，不免徒生无可奈何花落去的怅惘。

爱情梦

和大多数青春期男孩一样，多多邂逅了美丽的艾列娜，唠下了朝思夜想的心病。随后，寻着阿尔夫莱多故事中士兵足迹的多多，终于用毅力换来了艾列娜的爱情。可是在那样复杂的年代，怎么可能静的下心来谈爱情？何况多多还背负着阿尔夫莱多的电影梦。三十年后多多重归故里，慕然回首，看见梦中人伫立街头，斑斑银发随风飘舞，怎一个感伤了得。当天晚上，这对有情人终于圆了自己三十年前的梦。第二天多多要离开了，挂电话给艾列娜，刚要设想幸福的将来，却被艾列娜打住： “不，没有将来了，只有过去，昨晚只是一场梦而已，一个美好的梦。是我们小时候没实现的梦。。。我想，没有比这样更好的结局了。”

亲情梦

影片的开始就是多多的母亲在给多多挂电话。三十年了，三十年多多都没有回来，没有回来一次看望自己的母亲和妹妹。这次阿尔夫莱多去世，多多应该回来了。餐桌上，多多为自己三十年来对家庭的不闻不问进行忏悔，母亲宽容的摇摇头：“我从未要求，你也无需解释。”接着母亲给多多讲了他小时侯关于门锁的故事，多多沉默不语。三十年了，妹妹对他觉得陌生了，而母亲的爱，却始终没有改变。多多知道，母亲在梦了都盼望着他会在某一天的晚上突然回来。

梦终会醒，可是电影要继续，生活也要继续。引希区柯克有一句话：“电影就是将平淡无奇的镜头都剪去以后的人生。”

多多抱住了他的梦想。

阿碧小姐

背景：买这张碟确实有点偶然。最初是在一本杂志上看到和她相关的另一部影片介绍，说那是中国版的《天堂电影院》。某日逛街时还真让我看到，那就是来的早不如来的巧，顺手就买了。影片一直到回到学校了才开始看，带着破破的耳机，在XYZ同学朗朗的书声中默默地看。

以上的废话是背景介绍，感谢阅读。

下面进入正题。

多多是一个貌似单亲家庭的孩子，喜爱电影。我想对于儿时的每一个人来说，那会对于某一样东西的喜爱都只能停留在喜爱的层面上，而绝对提不到热爱这个境界。多多喜爱的是没有枯燥的仪式反复的来回的电影，用手摇的放映机，咯吱咯吱，烟雾袅袅。

是怎样一个方盒子放出如此迷人的画面？

一个孩子的好奇心他推开了一扇窗。他还是那样单纯天真和勇敢。在起火的时候是小小的多多冲进天堂电影院救出了阿甫烈特。像他父亲一般的阿甫烈特。然后站在阿甫烈特为他特制的木椅上摇着比他高大的放映机，聆听窗隔外整个小镇的欢声和笑语。

多多喜欢快乐的电影，喜欢让更多人一起分享他的快乐的电影。

多多长大了，有了朦胧的感情。

然而，初恋的失败，我想是每个人的经历。多多便在这个过程中痛苦地长大，长的很大。最后离开他心爱的西西里，走下他喜爱的放映员的阁楼，做别失去丈夫的母亲，在阿甫烈特“不准回来！不准想我们！让我们听到全世界都是你的声音！”的强硬的劝说中抹泪离开。

30年后，阿甫烈特离开，永远离开。多多成为了大导演，小镇上的人还是喊他“多多”，亲切的声音，柔软的回忆。路边的天堂已经破败不堪，但多多的梦想，多多从这里起飞的梦想已经拥有了华丽的锦衣。

阿甫烈特的愿望成了真，只是他合上了眼睛。

影片的结尾一段段被教会剪辑的接吻镜头出现，那是阿甫烈特留给多多的礼物。关于爱情的美妙礼物。所有被掩藏得近乎完美的回忆，在一个瞬间活生生地跳跃出来，蹦到你面前。所有被尘封的往事，“唰”地立起来，变得充实完整而立体。心里的防线开始崩溃，柔软的部分微微疼痛起来。

每个人儿时都有梦想，最后呢？在布满荆棘的逡巡的路途中，有人成了迷途的羔羊，有人伤痕累累地抱住了她。

多多抱住了他的梦想。

在静静的放映厅里，我看着《天堂电影院》，泪在不知不觉中落了下来。

　　 两个人的等待！三十年算不算太久，我不知道，但这样的等待让我动容，我本来是准备笑着看完整场电影的，却在退场时泪流满面。

或许，每个人都会害怕等待的落空，就像《天堂电影院》里的老放映师艾弗达讲的那个故事一样，一位发誓用100天的等待来换回一位公主的爱情的男子却在等待后的第99夜悄然离去，"因为他害怕当第100天来临时，听到的是公主拒绝的声音。"他害怕接受这样的结局，所以他选择了离去。与其让希望彻底破灭，还不如让自己存有一丝幻想。

　　与艾弗达讲的故事中的男子相反，影片中的主人公多多从来也没有放弃过等待与追求，他一直在积极地等待和追求着属于自己的爱情，无论是最初的相遇还是错失后的苦苦寻找……即使是三十年的久别。

　　三十年后，已成了著名导演的多多，重返家乡见到容貌酷似艾琳娜的女孩子时，那难以言述的诧异、激动和心痛汹涌而至，出现在眼前的仿佛三十年前摄影机中的艾琳娜的形象。酒杯自手间遽然而落，一地晶莹的碎片深深地刺痛了我的心。

　　终于见面了，在宁静的海边，艾琳娜仿佛有所预知般地来到了多多的面前，他们在汽车里寂寞地相拥。"你还是那么漂亮。"多多说。这忽然让我想起了叶芝最著名的一首诗《当你年老的时候》中的两句"多少人爱你年轻欢畅时的容颜，假意或真心；只有一个人爱你那脸上苍老了的痛苦的绉纹，爱你那朝圣者般纯洁明净的灵魂。"我想这才是世间真正的爱情，超越了时间的遥遥无期，超越了空间的层层阻隔，也超越了生命的无常和冷漠，这是一种任何岁月、任何破坏、也无法抹去的永恒的印记。

　　影片的结尾是一盘在多多童年时禁放的镜头剪辑的放映带，当一个个快乐或悲伤或感怀或调侃或忧郁或深情的接吻镜头在屏幕上纷至沓来时，我想起了很多很多已经放过了的情节：我想起了小时候好奇地争着要被剪镜头胶片的多多，我想起了初遇时那拿着摄像机拍着艾琳娜一颦一笑的多多，我想起了单恋时在雨中苦苦等待着艾琳娜能打开窗子给他一个微笑的多多，我想起了热恋时看艾琳娜在大雨滂沱中赶到他身边时兴奋的多多，我想起了因找不到艾琳娜而在艾琳娜家门口狂呼着艾琳娜名字的多多，我想起了悲喜交加时酒杯自手间滑落的多多，我想起了重逢时再次凝视艾琳娜说"你还是那么漂亮"的多多--我终于理解了片末在只为他一个人放映影片的影院里哭泣的多多。

(出像)

　　《天堂电影院》讲述的不仅仅是电影发展的历史，也不仅仅是ToTo的情感历程，它要告诉我们，每个人都必须经历成长。从天真无邪走向浪漫理想，再历经理想实现或者破灭，从童年走向青年、中年，直到老年，从离开家人到重返故乡，我们都在漂泊中寻找停靠，停靠过后又开始漂泊。有希望的产生，也有希望被打破，不变的只是这简单、反复的循环。

星光伴我心

Stannum(Sydney)

「星光伴我心」(Cinema Paradiso) 是一齣很多年前在香港時看過﹐令少年時代的我很感動的電影。最近知道有一個 Director's Cut 的三小時足本DVD﹐忍不住買了來看。

足本與十五年前的版本最重要的分別﹐就是中年男主角回到家鄉參加「瞎眼師父」Alfredo 的喪禮之後﹐加插了與嫁作人婦的中年女主角重逢的一大段。

這個版本更言明了當年女主角被父母逼離小鎮之前﹐其實沒有爽約，但卻是因為「師父」的勸告而離去﹐臨走卻又偷偷把聯絡地址釘在佈告版上。可惜男主角卻因為女主角不辭而別﹐對週圍的東西全不上心而看不到她的字條﹐結果失去聯絡三十年。

原版的重點在於懷舊﹐記憶中的童年往事：教堂﹐神父﹐師父的教導﹐戲院﹐電影的聲光﹐而初戀只是成長的其中一部份。三十年後以知名導演身份﹐重臨故鄉﹐發覺到成長時那段當放映員的日子﹐對自己日後導演事業原來是這麼重要。但足本卻把這段沒有結果的初戀加重﹐整部電影變成以愛情故事為中心。原來﹐三十年不曾踏足家鄉的原因是怕憶起舊情﹔中年男主角一直伴侶如輪轉﹐但心裡記掛的還是初戀情人。

我覺得如果當年上映的是足本的話﹐帶給我的感動一定較弱。畢竟﹐十多歲的我﹐對一段保留心底三十年的戀情﹐相比起自己成長過程熟悉的教堂神父﹐共鳴感當然較少。當時﹐看完發出會心微笑的﹐是一眾少年看艷情片時的興奮表情﹐遇到心儀女孩子時說話的詞不達意……今天看足本﹐這些微笑仍在﹐但看到兩人步入中年﹐在車廂中遲來地表白﹐遲來地親熱的情節﹐帶出的卻只有苦澀。

岁月·回音——[Nuovo cinema Paradiso]

来自: 故城 (西安)

天堂电影院的评论

平淡的日子，静如潮水失去波澜。但正式读懂了这平淡，一颗心才懂得去寻找安宁，寻找属于自己的生活方式，寻找自己脚下的路。

不经意间，我寻到了它。Nuovo cinema Paradiso

伴随着海天相接，伴随着漂逝的记忆，我看到眼前的这盆花，一盆承载着记忆的花。记忆，那是一传浅浅的足迹，醒目而亲切，那是青春旋律中永不能割舍的悸动，短暂而美丽。封尘的岁月在老多多脸上留下痕迹，又揭去岁月的面纱姗姗走来，像荡漾在空中风铃的声音...

意大利南部美丽的小镇，小多多那双会说话的眼睛藏在幕布后，感受着电影带来的paradise。教堂里的牧师是位禁忌接吻镜头的保守偏执者，银幕上的接吻镜头常被无情的剪掉，但这里，天堂影院，仍然是人们娱乐的天堂，也是小多多的天堂。他在这里认识了阿夫莱多。

阿夫莱多，一位智者，即使他没念过多少书，因为他在接受成人教育而参加小学考试时还要求助于聪明的小多多，这个场景让人忍俊不禁，有时候，默契才是忘年交中最宝贵的东西。小多多从小失去父亲，母亲也常常因为偏袒年幼的妹妹对小多多挥舞拳头，但是战争的硝烟没有湮没小多多对父爱的期盼，在阿夫莱多中，他得到了不仅是朋友的关怀，更多的是父亲的慈爱。伴随着小多多成长的还有一个地方，天堂影院，一个观众与银幕上的角色一起欢笑悲哀，甚至痛苦流涕的地方。借助天堂影院，影片和观众回顾了一段段银幕的经典，约翰·福特的关山飞渡，让·雷阿诺的底层，维斯康提的大地在波动，还有卓别林的喜剧，哈代的滑稽，丽塔·海华斯的美丽，碧姬·芭泽的动人...影片中有一个动人的场景，在放映一部感人至深的影片时，以为老观众早已将台词熟记于心，一边随着剧情啜泣，一边同角色一起讲台词，甚至将fine(剧终)也念成对白，在那个文化娱乐匮乏的时代，这里承载的太多太多。

胶片能放映出一幕幕感人的影片，也能将一切美好焚烧待尽。在一次胶片失火事件中，小多多救出阿夫莱多，但阿夫莱多从此双目失明，但就是这个失明的老人，内心的眼睛是最明亮的，他明白什么才是小多多所需要的。

成长中的多多最需要什么，艾莲娜。那是男孩和女孩之间第一次的相互倾慕，那时心灵相撞所产生的微微悸动。但初恋总是脆弱的，与其说是阴差阳错，不如说是命中注定，美丽总是伴随着忧伤，像美丽的樱花一样，总是转瞬即逝，但也就是这转瞬即逝，让它尤其的珍贵。

值得珍惜的东西很多，追逐成功，男人无法逃避的人生法则。阿夫莱多告诫多多远离小镇，去追逐自己电影之路，“生活和电影不一样，生活难多了。你如此年轻，世界是你的。而我老了，我不要再听你说话，我要听别人谈论你”。站台前一幕是感人的，挥动的双手，浸满泪水的面庞，远远驰去的火车，离去的是失明的阿夫莱多，憔悴的母亲，迎来的是赤子的未来，我不禁潸然泪下了。

30年后的相遇，随着老母亲手中的毛衣线跟出家门外，这长长的毛衣线正是母亲长长的思念，“慈母手中线，游子身上衣”；随着缓缓驶去的陵墓，十字架所蕴涵着的无限遐想，阿夫莱多走了，留下了一盘剪辑好了的胶片，它沉甸甸的，那是被剪辑掉的接吻的镜头，那是那个逝去年代的胶片，是盛满老人爱和希冀的胶片。

踏着脚下沧桑的古板台阶，放映厅窗前蜘蛛网被风吹得微微颤抖，那是30年后的天堂影院，随着惊人心魄的一声巨响，paradise的字幕轰然倒下，尘土飞扬的记忆和老人们的泪水，年轻人脸上灿烂的微笑，那是一个时代的结束，一段记忆的封尘。

一段记忆，当然还有艾莲娜，一段结局，当然还有艾莲娜。我不知道旧恋人多年后的重逢是什么样的心情，再美丽的童话都会随着岁月的流逝飘然逝去，年年依旧的只是那永不变更的季节。永不变更的季节里也永远会有飘飞的梧桐花，潇洒的雨丝，还有两个人仍然不老的心。于是我想起席慕容的一首忧伤的画外之声：

在夏天的夜晚

也许

还会有生命重新前来

和我们此刻一样 静静聆听

那从也空中传来的

极轻极遥远的

回音

天堂电影院，就这么倒下了

来自: 玉米^ō^麦兜

天堂电影院的评论

　　当天堂电影院轰然倒塌的时候，我还是强行止住了要流出的眼泪。这部片子毕竟还是没有让我失望，但谈不上更多美好的感觉。

　　本片里线索人物是Toto，他也是理论上的主角（但由于3人的分饰必然导致了主角地位的动摇，我指的则是纯粹意义上的Toto），但我觉得实际上Alfredo成了绝对的主角，不论是演技还是剧情，与其说故事的发展是由导演在控制，倒不如说是他，没有他的一些安排，Toto的未来不会如此发生。而主角错位的原因在于编剧的失误或者说是这个导演剪辑版的冗长篇幅。

　　我想，《星光伴我心》在当时之所以获得那么大的成功，在于当时电影业萧条所形成的反差心理所致，在大众又慢慢走回电影院的今天，心理（尤其是年轻观众）反差已经不是那么明显了。所以自然不能有更大的感受空间。更何况，在片子进行到Toto长大之后，已经明显背离了电影和电影院这条主线而转向了爱情，使天堂电影院更多的成为了一种象征（甚至是噱头）。一个从小爱电影的Toto怎么能在爱情面前就完全放弃了电影呢？那时，放电影已经成了他的一种习惯性的职业而毫无热爱可言了。还有到后来，他成为了著名的导演之后，我们也丝毫不能看到他对电影的天才和热爱，更多的好象是一种厌倦。反而又是黄昏恋占去了重大篇幅。我觉得这也是编剧的失误，把神圣的电影变成了交待故事的工具。甚至后来的电影院都不是为了怀旧而是用来找信物的地方。本来开始以为会看到的一个从小爱电影长大拍电影的美好故事就那么简单的铺了过去。从Toto离开家乡就突然跳回到了现实，一跳就是一个小时的时间，一个导演的成长经历就这么被模糊过了，而这正是我最想看到的。

　　当然了，或许导演主要是为了将人们带回电影上映的全盛期，让人们在温馨的电影回忆中回顾人类观影的最初体验和电影在欧洲由大众走向专业小圈子的动人历程。确实，这一点在影片里做的非常好，对于1970年代前出生的中国人应该是深有感受的。哪怕我一1980年代出生的家伙都看了那些电影院的人们观影的镜头而激动不已，现在学校也有露天电影，但愿我也能找回那种感觉吧！本来我最喜欢的观影方式是独自一人在家看DVD，或者是找人少的时候在电影院的小厅里独自霸着享用。但后来，习惯了露天电影，发现那种大家同呼吸的感觉也是很好的。当然了，不同类型的片子应该有不同的观影方式。在我来看就是精致的片子要独自细看，粗犷的片子就大家同乐。

　　最后我还抄下了电影里引用的近20部片子的名字（http://www.douban.com/review/1020274/），似乎有两部后来《真爱伴我行》也用了，不过是换了人头（就是“袒胸露乳”的两段）。而且我要是没听错的话，Toto参军用的那段音乐（不是原声音乐，也是引用的电影）在《真爱伴我行》里也出现了。

　　稍稍总结一下三部曲，按得奖来看是每况愈下。在我看来其实质是水准的失衡，没有导演固有的延续性。唯一延续下来的东西，只有精致的构图（这算导演的么）和Ennio Morricone吻合的配乐。如果说还有，那就是《星光伴我心》里的Philippe Noiret、《声光伴我飞》里的Tim Roth、《真爱伴我行》里的Monica Bellucci的出色演技。

无望的爱

来自: ubergine (香港)

天堂电影院的评论

《天堂电影院》，这次看的是导演剪辑版，长达2小时53分钟。Giuseppe Tornatore这“时空三部曲”中，我还是最喜欢《天堂电影院》。《西西里的美丽传说》像个春宵一刻的梦，它只能成为记忆中的闪光；而《海上钢琴师》，正如它的名字，是一个Legend，1900不是一个人，更像是一个影子，一个躲在世俗背后单纯的影子，一个无法脱离海洋无法适应陆地的影子。上岸，他不是偏执，而是害怕；《天堂电影院》是每个人的童年，每个人的家乡，每个人的初恋，是最后绵绵长长一直伴随到死，渗透到了血液里灵魂里的记忆和感觉。当老Toto30年后重新踏上这片熟悉的土地的时候，那感觉丝毫未变，但周遭的人，物，景却早已天翻地覆，阴阳两隔，回天无术。我最喜欢的也是头发发白，功成名就的老Toto返乡的那段，他只有回到这里，才回到自己的心里。

Alfredo

Alfredo和Toto之间亦父亦友的爱成为贯穿全剧的一条线。Alfredo帮拿了买牛奶钱看电影，被妈妈发现打的Toto解围，Toto帮参加资格考试不会答题的Alfredo作弊，对于电影和放映机的共同爱好，让这两人成了忘年之交。但是Alfredo不希望Toto跟他一样，局限在这个几平米的放映室里，耗上一生的时光。这就是他执意让Toto离开，甚至不惜牺牲了Toto的初恋的原因。他像一个父亲一样希望自己的儿子可以在更大的空间里施展拳脚，因为他知道这个小镇的恬淡和平静最终会锁住这个孩子的潜力。Alfredo说，不准回来，不准想起我们，不准回头，不准写信。如此深沉的爱，大致Toto老了之后，成功了之后才会明白的。

Elena和母亲

和Elena的旧爱重逢是长版和短版的最重要区别。显然，作为一部电影，短版恰到好处，长版就画蛇添足了。但是之所以有个导演剪辑版，大概是为了给刨根问底的人一个交代，当然，也是给自己的青春一个完整的祭奠。那一段，虽然看着动人，但是因为它的不可能，它的挽歌性质，让我觉得无甚于有。毕竟逝者已矣，越追究越无奈，越追究越无法释怀。还有，Toto和妈妈的亲情戏也是一个看点，刚开始的时候，觉得妈妈对Toto很苛刻，甚至有点野蛮和不讲道理，但是慢慢地，尤其是在取了父亲的阵亡书回家的路上，妈妈拉着Toto的手，走着，后来搂了搂他的肩，我才看见这个母亲的坚强。长版中有一段Toto和母亲的促膝谈心，颇为煽情。母亲说每次她都要等到他放映回来，看到他睡了才偷偷下去锁上门，自从他走后，她已经30年没锁过门了，她干脆把锁拿了下来。最后母亲还对Toto轻轻说了一句话，忘了她吧。那个她，就是Elena。母亲终究是母亲，无论相距多远，相隔多少年，还是能看到心里头的那个人。

士兵的故事

Toto刚爱上Elena的时候，Alfredo给他讲过一个士兵的故事：从前，有一个国王为他的公主举办宴会，有个卫兵看见公主走过，她实在太美了，他立刻坠入情网，爱上了她。但是卑微的士兵哪配的上公主？后来，他终于有机会告诉她他不能没有她，公主深深地受感动，她告诉士兵：你如果连续100个昼夜守在我的阳台下，我就以身相许。于是士兵等了1天，2天，10天……公主每晚都可以看见他，刮风下雨，他都不走，但是到了第99夜，士兵起立，搬起椅子，走了。后来，Elena和Toto分开，在海边，Toto告诉Alfredo他知道了士兵为什么要放弃了，因为要是等到100天，公主却毁约，士兵会心碎而死，所以他在前一晚离开，好让公主永远记得他。我是早就知道这个答案了，在很多年前看《东京爱情故事》，赤名莉香登上早一班火车开始就知道了，她也怕等到最后一刻，她的完子还是不来。她和完子注定只是两条只有一个交点的直线，完成了短暂的相遇就要离开。因为缺憾，所以美好。

影评，天堂电影院

影片片名叫做天堂电影院，影片讲述的一个名叫天堂电影院的电影院的往事，整个故事也是围绕着这个电影院展开的，影片中还出现了胶片、放映机、大银幕、看电影的人等等关乎于电影的一切。这些象征性符号不断重复出现，不知不觉间在观者脑海中建立起了，看电影如何讲电影的亲切感，这也许是托纳多雷的无心之举，也可能是他的有意安排。然而最难得的是看完这部电影，那种如在天堂的感受，导演用这样一部温暖、诙谐，叫人动容的影片将你缓缓托入天堂。所以在我看来，天堂电影院是有多重含义的，表意是作为一个名字出现，深意应该是这个电影院是村民的天堂，是佛瑞德的天堂，是多多的天堂，也是每一个观看这部电影的人的天堂。

电影院在影片中也扮演着不同的角色，开始它是村民们唯一的快乐源泉，之后它像是一个集合了众生万象的类似菜市场的地点，人们在这里嘻笑打骂，少年在这里抽烟，看着火辣的美女集体手淫，电影院甚至成为了妓女的工作场所。影片末尾，因为电视、杂志、广播的广泛普及，人们已经不再需要电影院，多多和村民们一起见证了天堂电影院被拆毁。电影院从兴盛到没落直至如今的毁灭，这也传达了导演对当今电影工业的一种哀叹。

导演的政治观点、宗教观点、等级观念都非常鲜明。

多多不愿意跟他的一个同学做朋友，因为这个同学的爸爸是共产党，这是那个年代的孩子被法西斯主义熏陶出的一种狂热。

影片在放给村民看之前总要先经过神父的审核，放映的影片中的接吻镜头一律被神父视为“色情镜头”而统统剪掉，这是西方宗教文化对人们思想的一种钳制，抨击了宗教给的出对文明的标准是多么可笑，村民们在即将看到令人激动的接吻镜头，却突然被简掉后的失望与不满的呼声，正是回应了神父的摇铃的愚昧，这也呐喊出了人民对美好与开化的渴望。

在天堂电影院中看电影的坐在二楼的都是一些乡绅和有钱人，坐在下面的是普通村民。导演把贫富矛盾、礼教矛盾集中在一个人身上体现，这个乡绅在对贫民不满的时候会对楼下吐痰，这个动作一共出现三次，前两次楼下都没有作出任何回应，时代变迁，当影片中这个乡绅第三次朝楼下吐痰的时候，村民们愤怒得讲泥巴拽到这个乡绅的脸上，由此我们可以看出民众的解放与翻身。

还有一个细节是，二楼的贵妇和一楼的普通村民，一楼和二楼，两个阶级两种身份，所以注定了两个人都心仪对方却不能表露真心，还是时代变迁后，两人不用再考虑门第观念得以相爱。

影片的最后，当多多重回村庄参加佛瑞德的葬礼的时候，多多已经是一个功成名就的大导演的时候，村民们一一和多多打招呼，那个乡绅已经老了，他伸出了苍老的手和多多打招呼想说上几句，多多却只是点头而应。这些一是刻画了有钱人喜富嫌贫的丑陋嘴脸，再者也阐释了人若是不友善早晚会不招人待见的道理。

影片中还有一个疯子的出现，他总是喊着广场是他的广场是他的，他不希望别人踏入广场一步，当村民们在广场上看电影时，他哄赶人群，不希望人民获得快乐，当天堂电影院被一场大火焚尽时，他在那里拍手称快，他从不体凉民间疾苦，当他年老衰微时，嘴里扔不忘嘀咕着广场是他的，这应该是独裁者与吝啬鬼的一种折射。

影片涵盖了友情、爱情、亲情这三条情感线，但是着重讲述的是主人公多多与老电影放映员佛瑞德的忘年交，友情是主线，从影片伊始一直贯穿到影片结束。爱情是副线，为影片曾添了浪漫元素，爱情是美妙的是每个人生命中都必不可少的，这勿庸置疑，但影片也向我们发出了这样一个信号，爱情事业两难全。多多经过一百个夜晚的等待得到了他的爱情，但这份爱并不长远，最后艾琳娜还是离开了他。多多决定寻找艾琳娜，多多写了很多信，但是艾琳娜的回信却都被佛瑞德扣下了。佛瑞德知道，多多一旦找到了艾琳娜，便会被满足感与幸福蒙蔽，而不会去外面更广阔的世界闯荡寻找自己的理想。亲情是影片中最淡的一条情感线，却也是一部热爱生活的影片中不可或缺的。多多把童年时最珍爱的电影胶片与自己父亲的照片放在小铁罐中，这阐明了什么是男孩在孩提时代最重要的，兴趣还有父亲。母亲对多多的关怀体现在多多的房间还保留着他离开时的样子。影片描述多多和佛瑞德之间的情感是友情，有时看来这更像是亲情，是父子情，实际上没有孩子的佛瑞德和年幼就失去父亲的多多在一起经历了成长和风雨，这使他们之间的情感超越了血缘的亲切，友谊的亲密，他们将这两者和二为一，催生出一种新的难以言明的情感。

影片的细节处理得非常巧妙。

教堂中多多手里的小铃转化为小镇的大钟，衔接得非常流畅。

电影院里放映口用一个张开口的石狮装饰，多多在电影院看电影的时候总要回头看一下这个装饰，有一次甚至看见了这个石狮在怒吼。我认为这个镜头的意思是，狮子的怒吼总是象征着力量吼声也总是能把人吸引，多多看到这个电影放映口装饰的石狮怒吼，说明了多多在看到那束神秘的光打在银幕的一刹那，便被由电影所引发出的魅力震慑、吸引。

我非常喜欢两个表现时间过渡的镜头，一个是佛瑞德捂住多多的脸，当佛瑞德把手拿开时，多多便已经长大成人，在这过程中佛瑞德一直在对多多循循教导，这样一个简单的镜头转化也交代了在多多成长的这几年过程中，佛瑞德不厌其烦的把这句的话说给多多听。第二个是多多离开家乡的时候，坐得是火车，然后直接是多多回来，乘得是飞机，一去一回，时间在交通工具的变革中流逝，时代在变迁，多多已到知天命之年，这一去一回火车飞机，也象征了多多麻雀变凤凰，这两个镜头的转化连接了多多从少年到青年再到壮年，一点不显生硬，很巧妙的衔接。

多多回家时，妈妈给他开门时的毛线脱落，预示着多多虽然离开了很久就像一只被放出去的风筝，在蓝天中翱翔，但总有一根线牵引着，终归会回来。

影片末尾，已是著名导演的多多拿着佛瑞德留给他的一卷胶片，这卷胶片有太多的象征意义，这可能是佛瑞德失明后千辛万苦为他剪接出来的，这是他和佛瑞德合作过的唯一一部影片，这是他电影人生的起点，这是他少年时期的美好记忆，当多多看着这些被剪接在一起的零散的接吻镜头放映时，就像看到了梦想的碎片被穿成了线，看到了打开他心门的钥匙。同时也唤醒了他对真爱的再次向往。这一刻，很多种情感同时迸发，观者释然。

影片以外的一片大海作为第一个镜头开始，这便奠定了整部影片的基调，同时也暗示了导演海纳百川般博大的胸怀，热爱海的人才有海的视野。整部影片的基色也如大海般充满幻想而又深沉，给人一种古朴的感觉。

佛瑞德的死是通过一个女人转达给多多的，这个女人如一个符号般存在，埋伏下了多多这些年来再没有找到真爱，或者是告诉世人导演身边从来都不缺女人。在影片开始，风铃出现了两次，一次是作为实物出现，还有一次是作为影子投在躺在床上的多多的脸上，我理解这个风铃的用意是，多多听到佛瑞德去世的噩耗躺在床上，窗外是电闪雷鸣的雨夜，这象征了多多内心的起伏与混乱，而正是那清脆的风铃声，将多多唤回了西西里岛上那个安逸的村庄，也唤起了沉寂在多多内心多年的往事。

影片的音乐我只记住了一处，有些村民没法进入电影院看电影时，佛瑞德将电影用玻璃折射到电影院对面楼的墙上，这时配乐变得欢快跳跃起来，象征了村民们的内心世界。

这还是一个关于期望与承诺的故事，多多要离开时在火车站，阿尔弗雷多狠狠的对他说：“你小子不要回来，三十年也不要回来，我不愿听到你的声音，我想听到别人议论你的声音”

当多多回来参加阿尔弗雷多的葬礼时，佛瑞德的夫人告诉多多，老人无时无刻的都在关注他，他的每一部电影,每一条简讯。

佛瑞德用一种近乎残忍的方式在爱着多多，支持着多多抵达梦想的彼岸。

这本是一部严肃的影片，但导演贯穿在其中的幽默桥断使整部影片充满生机，比如往睡觉的人嘴里放虫子，比如被影片折射光打在自己屋外的人从二楼出来，比如还有很多。

总之这是一部优秀得不能再优秀的电影。

你的东隅，我的桑榆－记忆中的《天堂电影院》

中国“失之东隅,收之桑榆”的成语，跟西方“上帝为你关闭一扇窗的时候,也同时会为你打开别一扇窗”的格言一起，不知使得多少失意的人，怀抱桑榆和另一扇窗，重新开始花样的人生旅程。在失去的时候，还能得到那么一点慰藉，尽管也只能算是“亡羊补牢”，可毕竟“聊胜于无”，当我们殷切的希望从梦想天空跌入现实大地，抛开彻骨的沮丧，知足的人们渐渐开始习惯于桑榆式的自我安慰。上帝的嘴角露出死神式的微笑，他狡黠的平衡法则再一次在人类身上应验。当我们挣扎于爱与痛的边缘时，他正在没事偷着乐。

不知道还有没有那些个夜不能寐的晚上，窗前“疑是地上霜”的皎洁月光，让你回忆起那“曾经沧海”的东隅。你紧握桑榆的手会不会颤抖。其实，东隅和桑榆都不是我们以为的实物。“失之东隅，收之桑榆”的典故出自《后汉·冯异传》，东隅是出太阳的地方，也就是指早晨。桑榆是西方，因为晚上日影落在桑树和榆树之间，故而得名。在上帝的法则下，它们是平衡的，可你心里的呢，也是平衡的吗？你扪心自问。

上帝的法则成就了人类的悖论。人类总是倔强的。我们要的东隅偏偏总比上帝恩赐的桑榆来得重些。这跟商品的价值无关，只关乎我们自己最最真实的心。西西里岛上那个叫多多的小孩可以证明。

当憨态可鞠的多多成长为渐知人事的小伙，在天堂电影院成长起来的他，看遍了荧幕上甜如蜜的缠绵爱情，很快，多多也觅到了自己人生最耀眼的那颗星，不管狂风大作，还是大雨滂沱，即便雷电交加，多多也都守侯在心上人的窗下，矢志不移地等待着她打开美丽心灵的那扇窗。精诚所至，金石为开。爱琳娜为多多的痴心所动，他们紧紧相拥，即便只是牵着爱琳娜的手，多多也能感觉到实现了他人生幸福的极点。他只希望这一刻可以永存。不再渴望未来的任何迁徙。他停驻于心灵上的满足，贪慕精神上的安逸，他对着奋发望而却步。唯愿在西西里的小镇上做一辈子的电影放映员，跟心爱的爱琳娜白头到老。

而这只是多多的一相情愿，即便加上爱琳娜的真心永恒，也对命运的嬗变无能为力。爱琳娜家要随父亲的调动迁移到遥远的国外，她发誓与多多永不分离以此跟父母抗争，在事情有转机的刹那，焦躁的多多和爱琳娜相互找寻对方无果，于是，轮船还是带走了美丽的爱琳娜，只留下了伤心欲绝的多多。痛定思痛，在看着多多成长的老放映员艾佛特的鼓舞下，

多多放弃了在小镇上做一辈子电影放映员的梦想，决心乘着西西里的温和海风去外面找寻自己的世界，凭借从小对电影的衷爱，三十年后，多多成为世界上著名的导演，艾佛特的逝世，让多多重新回到西西里岛的小镇，三十年了，物是人是，惟有青春不再。多多追寻年轻时的记忆，眼看着印象中的乌黑青丝，转为鬓鬓白发。他感慨良多。这时候，他的头一转，看见了梦里的影像，初恋情人那张美丽的散发着无穷青春活力的脸展现再他面前，跟记忆中的一模一样。多多不敢相信自己的眼睛里的神话，没错，这的确不是爱琳娜，而是爱琳娜年轻的女儿。随后，多多找到了魂牵梦萦的爱琳娜，尽管青春不再，岁月的篆刻也始终毁灭不了多多的幻想。伴着西西里的徐徐海风，和月光下的荧荧海面，多多和爱琳娜重续前缘，才得知隐藏了二十年的秘密。而一手策划这个上帝的秘密的，竟是多多的忘年老友和恩师，艾佛特。当这一对恋人因为分别在即，而焦急找寻对方时，已经盲了的艾佛特，分别向他们说出一个没来，一个不在的谎言。

是这个谎言，让多多和爱琳娜错过了二十年的青春不再。同样，也是这个谎言，造就了多多瞩目的现在。上帝借艾佛特之手跟多多开了一个玩笑，偷走了他的东隅，塞给了他桑榆。

因为，他要实现他的预期投资。

当多多沉湎于甜美的恋情，如梦如幻时，艾佛特已经准备好从中作梗了，他是爱情的过来人，他跟多多不一样，他阅尽浪漫爱情步入漫长婚姻之后，激情的波澜不惊和烦闷的与日俱增。他期望涉世未深的多多尽可能在年轻时不遗余力的发挥上帝恩赐的天赋，天赋不是智慧，而是特权。所以多多有权利也有义务将它们挥发的淋漓尽致，以实现自身的价值。同时，也满足上帝的预期投资。

他的愿望跟上帝的一样。所以他们一拍即合，改变多多的命运轨迹。或许他们是对的，没有他们当初的谎言，这个世界上就缺少一个天才的电影导演，只会多一个小小的电影放映员。然而，多多要说，为什么关乎我命运的事，不问问我自己，为什么要忽略我自身的真实感受，为什么不让我在电影和爱琳娜中间做抉择，为什么答案要是你们给的？你们眼中的东隅，不过是我“退而求其次”的桑榆而已。我想要的是我和爱琳娜的青春。你们谁知道，它们在哪？

多多离开小镇之后，不再是曾经纯真，曾经青涩的多多了，他成了著名的萨尔瓦迪维塔导演，他也隐约长起了白发，也不再专一，不要爱情，只要情爱。萨尔瓦迪维塔再也不是当年对着被删剪掉的电影胶片露出憨厚纯真笑脸的多多了，他把一切不再表现在脸上，都印在心里了，连当年引诱过他的妓女，他也微微报之一笑。这些都是记忆，可是有什么记忆，能超越美丽的爱琳娜呢？孤寂的放映厅里，多多独自一人坐在放映机前，观看艾佛特留给他的遗物，那些曾经被删剪掉的爱之吻镜头，纷至沓来，如雪花般，片片洒落，多多泪流满面。艾佛特用这些向他说声抱歉，是他自己的用心良苦，使得多多遍尝爱之深，痛之切的苦果。这些本来都不应是纯真的小多多所应该承受的，“人生不像电影，人生比电影苦多了”艾佛特这样教育多多，遗失的东隅跟遗留的桑榆，你选哪个？

多少人曾爱慕你年轻时的容颜，可是谁能承受岁月无情的变迁，多少人曾在你生命中来了又还，可知一生有你我都陪在你身边。他们留下来弥补遗憾，却不能修改结局。

原来，沉淀下来的，就是生活。

鱼与熊掌不可得兼的古语，真是放之四海而皆准的真理，此事古难全。可现实生活中，什么算是熊掌，哪一个又是鱼呢？更何况他人眼中的又不一定是你心中的，你心里的天平偏向哪边只有你自己清楚。三十年后的多多在车中重见初恋情人那张青春不再的脸，却依旧说你还是那么漂亮，只那一刻，多多是做了选择，遗失了三十年的爱情比什么都重要，可若真有那么一个机会，他们因为相爱而走到了一起，三十年来，他每日见证柴米油盐布满爱琳娜美丽高贵的脸，眼见着上帝精致的雕篆被岁月无情的沧桑所取缔，又会是怎样的结局呢，多多会后悔没能让爱琳娜在自己记忆中留下永恒的美的想念吗？有一种美，历久弥新。然而那是要经过沧海桑田转换的，而不是琐碎生活的洗礼。东隅和桑榆也像张爱玲笔下振保的红玫瑰和白玫瑰一样，一个不能相濡以沫，一个不会相忘于江湖。

说到底还是印证了那句俗语，失去的永远是最好的。因为失去，为结果的结果提供了无限可能性，也杜绝的最终结果的唯一存在性，同时它拒绝让你见证你期望结果实现后的种种不如意，它帮你把完美的构想包裹的严严实实，蛰伏于你的童话世界之中，每一次触碰到它，都如同在欲望的沙漠中掀开了一角清凉的绿洲。路上的行人是不用担心爱情的过于拥挤的，因为最好的爱早已 沉淀于回忆之中，至于路上的爱情，我们学会绕道而行。

那一组组接吻镜头，最终成为了被人们废弃的“天堂”的遗物。爱情也在遗失中成就永恒。

记忆的容量太大，像大象。可路过的人都知道，这个世界上记载的不都是欢乐，承载的却都是岁月。

多多母亲一针针缝织的毛衣，也会在不经意中一圈圈剥落了，犹如多多等待了爱琳娜三十年的伤痛岁月，不过如此而已。

逝者如斯，当时已惘……

影评：天堂电影院

天堂电影院，又名新天堂乐园和星光伴我心，

美丽的西西里岛上一个再普通不过的小村庄，沧桑确也精神矍铄的母亲焦急的打电话，她在寻找离家已30年的儿子。身在罗马的萨尔瓦多·迪·维塔拖着疲惫的身躯回到家中，床上的女人被她吵醒，说他母亲打来电话，想告诉他阿尔夫莱多明天入葬。阿尔夫莱多！？伴着风铃的摇曳，萨尔瓦多·迪·维塔在这个暴风雨的夜晚陷入深深的回忆……

在那个村庄，人们都亲切的叫他托托。托托在教堂里当神父的祭司助手，这个教堂前有座“天堂电影院”，放映的电影都要经过神父的审查，电影中的接吻镜头一律被神父视为“色情镜头”而统统剪掉。小托托饶有兴趣的偷看神父“审片”，他闯进放映阿尔夫莱多的工作间，要求将剪下的胶片送给他，而阿尔夫莱多却没有答应。托托因为好奇电影是如何被神奇的呈现在荧幕上的，经常去打扰阿尔夫莱多，自觉工作枯燥乏味的放映员也对这个机智顽皮，可爱聪明，执著于电影的的小机灵鬼很是喜爱，逐渐他们之间有了真挚的友情。在托托的一再要求下，阿尔夫莱多将电影放映技术教授给了他。

村里人热爱电影，天堂电影院是他们生活中唯一的快乐源泉。在阿尔夫莱多将快乐带给更多人的时候，自己却遭遇不幸，放映中的胶片起火，凶猛的火势蔓延到整个电影院，在人们纷纷忙于逃命之时，弱小的托托勇敢的从火海中将阿尔夫莱多救出，然而老放映员从此失明。

在一个彩票中奖者的资助下，新天堂电影院落成，年幼的托托接替阿尔夫莱多成为新的放映员。胶片缓缓转动，托托随一幕幕电影长大。青春期，美好而残酷的来了，托托爱上了银行家美丽的女儿艾琳娜，注定的，这是一场失败的痛苦爱情。阿尔夫莱多劝托托离开村庄，在更广大的世界里寻找自己的理想。

三十年深沉的爱，托托成为著名的电影导演，回到村庄已物是人非。最为亲爱的朋友谢世，初恋艾琳娜已为人母，天刚电影院也在一声巨响中夷为平地……唯有阿尔夫莱多留给他的礼物——那些当年剪下的接吻镜头让他含笑而泣。光影交错之中，托托理解了阿尔夫莱多说的那句“人生不是电影”。

《天堂电影院》是每个人的童年，每个人的家乡，每个人的初恋，是最后绵绵长长一直伴随到死，渗透到了血液里灵魂里的记忆和感觉。当老Toto30年后重新踏上这片熟悉的土地的时候，那感觉丝毫未变，但周遭的人，物，景却早已天翻地覆，阴阳两隔，回天无术。我最喜欢的也是头发发白，功成名就的老Toto返乡的那段，他只有回到这里，才回到自己的心里。

Alfredo

Alfredo和Toto之间亦父亦友的爱成为贯穿全剧的一条线。Alfredo帮拿了买牛奶钱看电影，被妈妈发现打的Toto解围，Toto帮参加资格考试不会答题的Alfredo作弊，对于电影和放映机的共同爱好，让这两人成了忘年之交。但是Alfredo不希望Toto跟他一样，局限在这个几平米的放映室里，耗上一生的时光。这就是他执意让Toto离开，甚至不惜牺牲了Toto的初恋的原因。他像一个父亲一样希望自己的儿子可以在更大的空间里施展拳脚，因为他知道这个小镇的恬淡和平静最终会锁住这个孩子的潜力。Alfredo说，不准回来，不准想起我们，不准回头，不准写信。如此深沉的爱，大致Toto老了之后，成功了之后才会明白的。

Elena和母亲

和Elena的旧爱重逢是长版和短版的最重要区别。之所以有个导演剪辑版，大概是为了给刨根问底的人一个交代，当然，也是给自己的青春一个完整的祭奠。长版中有一段Toto和母亲的促膝谈心，颇为煽情。母亲说每次她都要等到他放映回来，看到他睡了才偷偷下去锁上门，自从他走后，她已经30年没锁过门了，她干脆把锁拿了下来。最后母亲还对Toto轻轻说了一句话，忘了她吧。那个她，就是Elena。母亲终究是母亲，无论相距多远，相隔多少年，还是能看到心里头的那个人。

士兵的故事

Toto刚爱上Elena的时候，Alfredo给他讲过一个士兵的故事：从前，有一个国王为他的公主举办宴会，有个卫兵看见公主走过，她实在太美了，他立刻坠入情网，爱上了她。但是卑微的士兵哪配的上公主？后来，他终于有机会告诉她他不能没有她，公主深深地受感动，她告诉士兵：你如果连续100个昼夜守在我的阳台下，我就以身相许。于是士兵等了1天，2天，10天……公主每晚都可以看见他，刮风下雨，他都不走，但是到了第99夜，士兵起立，搬起椅子，走了。

后来，Elena和Toto分开，在海边，Toto告诉Alfredo他知道了士兵为什么要放弃了，因为要是等到100天，公主却毁约，士兵会心碎而死，所以他在前一晚离开，好让公主永远记得他。我是早就知道这个答案了，在很多年前看《东京爱情故事》，赤名莉香登上早一班火车开始就知道了，她也怕等到最后一刻，她的完子还是不来。她和完子注定只是两条只有一个交点的直线，完成了短暂的相遇就要离开。因为缺憾，所以美……

《天堂电影院》影评

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2小时47分的长度。这是一部关于平常但泛显着生命价值的成长史。铸就生命的各种喜笑怒骂，戏剧化的人生，人生化的戏剧，二者本来就是联体的，缺了谁都难就其词。忘了是哪个演员说的，她说：“拍了这么多年戏，回顾过去，真的分不清哪些是戏哪些是现实中真正发生过的。”从对放映电影感兴趣到最后成为著名导演，似乎就是导演的自传。天堂电影院里，多多认识了电影，认识了老放映师艾佛特。他们给予镇上人们娱乐、消遣，更重要的是多多踏进了电影的世界，尽管生活艰辛，但沉浸在电影中的那一段时间以及艾佛特的循循善诱，此时为多多撑起一方天堂，没有分扰，没有母亲恨铁不成钢的怨气。忽明忽暗虽一切还很混沌，这个天堂给予的引导、信任让多多年幼稚嫩的心中一片繁华明亮的天堂人生漫漫汲取营养。

因为是一部成长史，影片理所当然的融合友情、亲情、爱情。多多人生转折点共有三个：

1、 电影院失火，艾佛特失去了双眼。多多成为镇上唯一会放映技术的人。担任起放映电影的重任。旧的天堂在那时的灯火通明人头攒动一场意外之后，只剩安静陪伴。很快更先进更华丽的天堂影院在多多的一拉一摇中将什么都蔓延了，什么也都埋葬了，什么也都不曾离去。在新电影院的光芒投影下，旧的天堂正在上演着自己的落日剧目，没有观众，一切无声，好象从来不曾明媚。当然，小镇的娱乐生活在多多的继承下，舒服的消遣赢得大家的满足。旧的新的，新的旧的，延续和传承。

2、 遇见艾琳娜，却不能厠守一生。多多一生最大的不幸那无疑是没有与自己心爱的女人白头谐老。这样的结局有艾佛特故意制造的误会，他明白，他们是不会真正走在一起的，家族势力的强大怎么也不会屈服在他们之间单薄的浪漫之下。与其长痛不如短痛。如果继续抗争下去，对两人都是莫大的伤害，或者说对多多的疼爱更多。全片看完，艾佛特就是多多的上帝，在启蒙时促进多多坚定的走进了电影世界，在人生彷徨的岔口为他指明方向……一切都若安排就绪，只等多多登场。选择离去分明成为多多日后成为名导演的序曲。正如多年后遇见艾琳娜时她说：“如果当时我们在一起，你就不会离开，那也就拍不出这么多好看的电影。”再怎么样的悲怨交加，在渲染流走的时间面前，只有一个人的泪缓缓飘落，没有任何宣泄意义，只是对这么些年来一直惦念着的一种释怀的真正放下。什么是天堂，天堂就是不识庐山真面目，只缘身在此山中的陷落。就像人们常说的前生行善积德多死后才会入得了天堂，当然在什么都还没获得的时候，天堂自然是不存在，也不应存在。

当初选择离开，是为了忘记，谁知念的更深。

3、 艾佛特的死。多多终于30年后回家了。和艾佛特之间，不是为了重逢而是最后一次的饯行。有些自欺欺人的强装潇洒终于在回家后，被轻轻击溃。其实，自己就不曾离开过，至少心是这样。30年后与母亲的谈话，终于明白母亲为自己和妹妹一直苦苦撑起的是怎样的一片天地，无处申诉的血与泪，自己却从未舔舐一下母亲的心。似乎影片故意将观众的视线一直引导在艾佛特对多多一生的重大扶持。在影片结尾处揭示出的母亲给予一家人的天堂比天堂电影院能给予多多的更深沉更广袤，也更默默无声，才使得多多心中的天堂没有被生活实际牵拌，即使在离开家乡时，母亲也坚强的没有用一滴泪水释放自己心中的不舍。只是想在静静的送他一程就好了，因为母亲的天堂里没有眼泪，即使有也是甜的。

影片最后,多多在艾佛特为他保存的小时候全部不曾给多多的胶卷中笑着笑着就哭了,直致到头来分不清流过脸夹上的是哭还是笑.。随当年电影镜头结束的结束，回笼似的记叙为艾佛特的一生划上了圆满的句号，也将多多的心结完全铺张开来，没有褶皱，只有一道光滑的弧线将所有的天堂视野联结。

《天堂电影院》时光之爱 影评

《天堂电影院》是一个关于梦想、关于爱、关于时光的故事。托纳多雷用他细腻、怀旧的镜头，真挚、温暖的感情为我们讲述了这个发生在意大利西西里岛上的故事。

小镇上有一座叫天堂的电影院，在那个没有更多休闲生活的年代里，它就是这个镇上人们业余生活的全部内容。但对于艾佛特和多多，它则是生活的全部。艾佛特是天堂电影院的放映员，多多是一个失去父亲但并没有失去童年欢乐的孩子；艾佛特看了太多的电影，他相信真正的生活不在电影里，多多太想看更多的电影，他认为电影就是他的生活。电影让这两个年龄如父子的男人产生了真正父子一样的感情。有一天，天堂失火了，人群蜂拥而出，小小的多多迎着人群艰难地进入电影院救出了艾佛特。青年的多多在爱情中迷失而难以自拔，艾佛特毅然劝他离开，并告诉他真正的生活不在这里。在生命的路口，他们拯救了彼此。

艾佛特对多多的爱就是一个父亲对儿子的爱，这种爱隐忍、沉默，但却是倾其所有的关注与付出。就像是暗流涌动的火山，也许永远都不会爆发，但是蕴含的温度和能量只有火山自己知道。艾佛特把多多推向外面的世界，因为他看到了小镇年复一年的平淡和雷同，他知道如果多多一直生活在这里，就会像他自己一样被生活淹没。多多的梦想就是艾佛特的梦想，是一个关于电影有梦想。

三十年在多多的光影世界中是转瞬即逝的画面。而对于艾佛特和小镇上的人们则是寻找欢乐与丢失梦想的三十年，天堂电影院从繁华和喧闹走向颓败和毁灭，只是历史的一个瞬间。在这一个瞬间里却凝聚着人们对时光的追忆，对青春的怀念、对美好生活的生往。

人们总是被什么感动，似曾相识的故事和情感在银幕上变成经典，看电影的人在偷偷擦着眼角的泪水，其实他在重温自己温暖的情感理想。年过半百的多多坐在银幕前观看那些曾经被剪掉的接吻镜头而泪流满面时。怀念和感动充盈内心，是艾佛特帮助他完成了电影生涯中的第一次洗礼，和最重要的一次感动。

最后还想声明一点，我的这部电影是有中文配音的删节版，片长不到两个小时，看了其他影评谈到多多的爱情，而对于这个版本基本是个空白，感觉心中充满了愤怒，但很具讽刺意味的是影片中艾佛特剪掉电影中那些接吻的镜头是出于当时教会禁律。而半个多世纪之后的今天，我们的中国电影为什么不能通过电影分级制来引导观众，而是拿着一把可怕的剪刀，将电影的故事、结构、艺术、美感连同着他们认为的那些“糟粕”统统剪掉。这是不是也会在几十年后成为一个“不准人们看接吻的笑话”。

忘了遗忘的影画人生——《天堂电影院》

花了3个小时，将搁浅了30年的记忆拖出。往事风尘仆仆，如一历尽沧桑，经过无数颠簸流离的旅人回到故乡，置身儿时的天堂，所有的往事如潮水般涌现，记忆如影画，一幕幕在眼前滑过。有些事情不曾提起，并不是已经遗忘。总有些割舍不下、忘了遗忘的往事在我们的心中搁浅，放逐自己也许是因为害怕真正的承受和面对。

天堂电影院，刻录了多多最珍贵的影画往事。那里有多多的童年的欢乐，少年的苦涩，友情和爱情盛放的天堂；“天堂”也是小岛上人们的心灵栖息的角落。在这个庄严的教堂里，饱受战争苦难的人们，黑白影话带给人们片刻的快乐和宁静。“天堂”聚集了形形色色、大大小小的人，电影院不再是单纯的电影院，这里变成了人们栖息的家园。人们在“天堂”聊天、睡觉；嬉笑、玩闹；结识友情、等待爱情。漫长劳累的一天，在电影上映的那一刻忧愁与惊恐得以释放。天堂电影院，人们在苦难年代的避风港，这里收集了人们的欢笑与泪水，沉重的生活、颠簸的灵魂在电影中得以喘息，黑白影话带给人们希望与梦想。曰复一曰，年复一年。

　　老人艾佛特是小城中唯一的放映员，他总说放映机蹉跎了他的一生。但矛盾的老人，最爱还是他的放映机和他所熟悉的经典影片。老人的世界，由影画构成，漫长的岁月，从孩子到老人，电影和老人相携走过。老人的影画人生，累积了豁达、睿智、开朗，对生活老人看得更远也更清楚，即使在他失明之后。老人的世界很小，他有梦想，他也想走出狭小的天地，影画里的世界是他想伸手触摸的。然而这些都是老人遥不可及的梦，于是他把自己所有的愿望和梦想寄托在多多的身上。

　　儿童多多对电影充满了无限好奇，睁着一双黑白分明的大眼，成天在“天堂”里打混。老人比较关照这个失去父亲对电影有着无限热情的小孩。一老一小在“天堂”建立深厚的情谊，他们似父子、似师徒、又似朋友，多多的童年和少年都在老人的陪伴下成长。老人看着多多成为放映员，看着多多恋爱，也看着多多失恋。失明的老人，不愿意让失恋的多多失去生活斗志，鼓励多多离开家乡，外面的世界更广阔更适合对电影满腔热情的他。站台的一席话，满载了老人对多多的期望与爱，也泄露老人不舍与留恋。从此，他的梦想和多多的似乎重合了。

　　多多的初恋，是他这一生不愿意回首的梦魇。所以当他逃离“天堂”，他将所有的一切都掩埋。不再凭吊，也不在怀想。他年少时的恨与爱，流浪在外30年，时时惦念着不要再揭开，也就忘了遗忘。当惦念和遗忘纠缠，苦涩的30年就在眼下悠悠荡过。逐渐老去的多多不曾真正的快乐过，功成名就的他不敢靠近搁浅的“天堂”，远远望着，记忆中的一切班驳了、尘封了。

　　老人的离世，漂泊半生的多多重返“天堂”。可惜“天堂”已经面目全非，只留下寂寞的记忆废墟孤立在广场上。当人们护送老人路过“天堂”时，大家都伫立了。望着经历无数风雨破旧的电影院，在“天堂”度过无数岁月的人们百感交集，记忆排山倒海，影画般的往事都浮现在大家的脑海。终究敌不过岁月的变迁，乐土已经成为过去，永留心中是那些断断续续不完整的影画，和残存心底那一丝曾经人与人贴近的温暖。残破的“天堂”，多多所有与“天堂”的记忆狂猛的宣泄，身边站着曾经是那么熟悉的人，他仿佛又回到热闹、温馨的天堂。

　　本来已经接受爱情的残酷，峰回路转，多多发现了让他辗转30年的爱情误会。他与恋人的错过，是源于老人的私心。怨恨？诅咒？宽恕？这些都已经不再重要，多多明白老人用心良苦。如果当初他和她可以相守，事业会走到辉煌的今天吗？一切的假想都是多余的。正如多多恋人所说，他们只有过去，没有将来。当“天堂”在轰隆的声响倒塌那一刻，多多终于明白，一切都已经成为记忆，一切只能留在心里。爱得很苦，等得也很累，就此放了吧。小城里那些曾经目睹“天堂”成长，陪着“天堂”老去的人们看着自己的记忆埋葬在曾经快乐的“天堂”，默默地落泪了。年轻的新一辈在废墟前无所顾忌地打骂嬉笑，一种强烈的悲哀席卷了在“天堂”驻守过的人，时代卷走了“天堂”，由不得人们站在它的面前怀想吊念。

　　影片的后半部很有争议，很多人认为多多发现的爱情误会是赘笔，影响影片的艺术厚重感。我个人认为这一片段是不可缺少的，影片主要陈述一个老人与孩子之间的友谊，爱情只是一个辅助，更多的是对于童年“天堂”的追溯。“天堂”里人们的笑声与泪水；海边横七竖八倒放、孤独生锈的船锚；多多母亲那条拉得很远的毛线。依然清晰。整部影片似煽非煽，导演拿捏得很准。全剧在多多播放老人给他的影带时最具爆发力，唏嘘之余爱象潮水荡漾开去，一波一波，冲击着多多。一幕幕爱的亲吻，从不同时代吻开去，从不同的国家吻开去，从不同的种族吻开去。

　　《天堂电影院》是一部很温情的影片，老人与孩子的情谊纯真质朴，男人与男人之间的友谊深厚澎湃。多多的影画人生，讲述了一个关于爱的故事。不只有爱情，更多的是友情和亲情。人生中，爱情并不是你的全部，拥有爱时别忽略身边的亲情与友情。多多到老，才明了母亲一路走来的艰辛与观爱，过去的伤痛似乎已经可以云淡风清。曾经纠缠了30年未完成的初恋将真正的尘封，“天堂”里的影画成为记忆的宝藏，再次翻开时，闪闪发光，辉映余生。

　　我们的生命就象停停走走的列车，穿过时间的隧道，领略不同的风景，感受各异的人情。乘客通常开始是自己一个人，中途或许会有人陪你一起搭乘。但你千万不要认为他一定会和你搭完全程，尽管你们这对旅客是多么投契。因为我们的人生有太多不稳定的因素，太多的突发状况。适时学会遗忘和放手，才会对生命中的突发状况泰然处之。

　　不想遗忘也好，忘了遗忘也好。我知道，有些爱，属于过去，一生相随；有些爱，属于未来，等待发掘与领悟。人生就是一个遗忘与领悟的过程。

后记：对于“天堂”，总感觉自己还有许多话要说，但却无从说起。每个人都有自己的天堂，每个人都有遗忘不了的往事。欲说还休，欲说还休。

《天堂电影院》那些光与影

作者：白腰雨燕

童年，迷恋于那些光与影。留连于那个叫“天堂”的电影院。最终一身生追逐着那些光影，因为自己、因为他还是……或许自己并没有一个答案。

战争年代，父亲战死，母亲带着儿女艰难度日。因为迷恋、因为热爱，他把母亲让他买牛奶的钱用来看了电影，换来母亲一顿毒打和一场伤心。母亲爱他吗？肯定！却不懂他的爱，所以她不许儿子看电影。孩子总是满足于现在的一点快乐而不会去想很多，大人是现实的，在大人眼里一瓶牛奶胜过一场开心。不是孰是孰非的问题，但家长的现实确实教会了或者强迫了多数孩子学会现实，泯灭了梦想，所以多数人现实的活着，所以多数人都是普通人。

小镇上的电影放映员是个和蔼的大个子，孩子好奇的看着大个子，看着那些神气奇的机器。他弄回了很多剪下来的胶片回来，那是快乐的片段，是理想的片段。在那个小镇上，看电影就是快乐。但其他人都在看，孩子在研究。

那些收藏的胶片，他的宝贝着火了，差点烧到他的妹妹。母亲的气愤可以理解，可是是孩子的错吗？是胶片的错吗？电影电影，该死的电影。母亲不许孩子再看电影，我可以理解母亲的心情，却听见了梦碎了的的声音。梦碎了，心也碎了！放映员看着他的眼睛，知道他的梦他的爱。却被迫答应他的母亲，不再让他看电影。母亲只想让她塌实过日子。

放映室是他和放映员的世界，他们在这里快乐，在这里看着别人快乐。那一天人群因不能看电影，不能获得快乐而愤怒。放映员竟然魔幻一般把电影从放映室移到广场上的房子了，快乐回来了。小小的孩子惊叹于这种神奇。然而放映员沉浸于人群的快乐时胶片着火的。所有人都在跑开，只有小小的孩子，放映员的朋友跑来救他，最终救了放映员的命。但放映员再也看不见那些光与影了，他盲了。但是，他还有清晰的心灵。

孩子成了镇上的电影放映员。不放电影的时候，他还是名学生。他渐渐的长大，他爱上了一个美丽的女孩，美丽的女孩也爱他。他们却错过了。后来放映员让他离开这个小镇，离开这段伤心，不要想他，不要再回来。因为放映员知道孩子的梦想，相信他能实现。

三十年后，放映员离世，孩子终于来生养他的小镇了。而今，他已是非常有成就的一名导演，他没有结婚，他还想着那个他最初也是最爱的女孩。女孩嫁给了他的朋友。这时候他才知道他们之所以错过，是因为那个放映员。我猜，原因是放映员不想让他的梦想有了牵绊。

这是部长达三个小时的电影，但是我没有觉得长。有时大笑，有时泪留满面。忆及自己童年那些片段，就象孩子那些胶片。那时的梦想已无几许踪影，成长又何尝不是在丢弃。一路上我们真的丢了太多太多。

是什么改变了我们的人生？——《天堂电影院》有感

很偶然地在一个夜晚翻出了这部电影，它已经在收藏盒里放了两年之久。

在毫无思想准备的情况下就慢慢地被它征服。

小男孩生活中的场景一个个漫不经心地展现在我们的面前，当我们发现影片中的一些细节是那样地拨动我们的心弦时，我们都已经泪流满面了。

人的一生有一些瞬间会令人终生难忘，就像电影，经过漫长的时间以后我们能记忆犹新的只有几个镜头。

人的一生也是由这一系列片断就改变了，看似偶然，实是必然，就象电影，将一些有选择的事件串起来，完成既定的主题。

电影可以蒙太奇，人生却是连续的，只不过有许多事情在经历的当时是无知或懵懂，甚至是被蒙蔽，这样，当回头时，人生也变得象电影一样了。

人生中有一些人会离你很近，也很重要，他们会慢慢影响你，改变你。小男孩遇到了这样一个善良的老人，后来，他又遇到了一个会改变他一的女孩。老人决定不让男孩被感情和地域所局限，于是，男孩的命运改变了。

当男孩也变成老人时，他看到的是另一个事实。在别人眼里，他是一个奇迹，然而在他自己认为，这或许是一个悲剧。

是什么改变了我们的人生？什么能够改变我们的人生？谁能替我们做出决定？这不应该是困扰我们的问题。

[观感影评]年华里痛的记忆----再观《天堂电影院》

突然想起许久，没能在电影里看到过感动，为了那些记忆里曾有过的感动，又翻出这部《天堂电影院》，去重温多多的爱断情伤。而当看到了多多重回到家，打开陈旧的放影机，当泛黄的影像带着记忆的划痕，在墙上跃动的时候，沉浸于那陈旧却鲜活的青春身影，和那追随着的真挚的爱恋的视线，才发现：年华也是一件充满着遗憾，和伤痛的记忆。

你曾经错失过多少人？有过多少人，出现过在你的视野——轻轻浅笑、惊若翩鸿？而就在转瞬之间，就消失在偶遇的路口；只剩下无限的遗憾，在记忆里流转——我曾经遇到过这样的一个人。

坐在镜头面前，觉察逐渐老去的年华，在寻觅着消失青春神采惘然间，恍惚又坐回了青春：记忆开始在这岁月的残影中流转起来，如同跳跃着划痕的电影片段，在脑海回溯起了，曾经遇到过的：那些鲜活的面容、那些不经心的偶遇、那些欲言欲止的接触、那些起伏纷乱的相对、和至今仍然无法彻底言语的爱情……

偶尔都会想起，那些遗憾、那些流失的邂逅；也曾试想：在当初能不能改变？

如果，也许。

或许是在偶然的场合：体会的出的你的关注；言谈的交流也看得见你眼光里的试探；更能隐约觉察出彼此心里的遗憾。也许是走在路上：我看见那等人的你误解的笑容，我知道不是我，所以我走过，但是在身后仍能体会你追随的眼光。但剩下的唯一的是相遇的匆匆，人海噪杂，都在心里被温柔所残废。

回忆里会有很多搀杂的假定，追想那些已经惘然的结果——也许心意坚决一些，能有不一样的结果？想着也许真的不一样了，会有怎样的境遇？

人生始终是，和不同的人和不同的事相遇的过程；但错过的始终是，一种不可言喻的遗憾。

在纷乱盲动的疲惫生活中，人都逐渐变的浮燥、缺乏细致的耐心，去体会和把握自己和别人的情初意动。生活的节奏和变化太快，还来不及让人习惯，就转瞬的消失了踪影……

痴情空留痕，春梦了无痕，鸿飞哪复计东西。

只有在，忽然看见的夜色阑珊的疏离，或是酒醉失神间的清醒中：才会偶然想起那些，或有的，失望的难忍、和痛的记忆。

在电影结尾的那些，接连不断的泛黄的相吻中，有一种连绵不断的伤逝触感。那些，曾以为无尽的青春和悔恨，都来不及细细回味，就一闪而逝……剩下自己面对，年华错失后所有的空白……

年华的流逝，是一件想起来是

专业影评：《天堂电影院》

来源：世界经典影片分析与读解  作者：潘桦

【分析解读】

一、时   间

《天堂电影院》这部影片，是一部缅怀电影历史以及个人的情感历程的怀旧之作。影片采用倒叙结构，以萨尔瓦多的视角展开回忆，因此一开篇就给人带来一种绵长、悠远的怀旧气息。这种倒叙的结构也确立了影片的两条时间线索：一条是现实中的萨尔瓦多的生活流程，表现在影片中是短短的几天；另一条是回忆中的历史变迁、人物成长的时间流程，表现在影片中是十几年。这两条线索交错进行，而又以后者为主。

影片以（现实）中年萨尔瓦多回到寓所——> （回忆）童年托托看电影、放电影、影院着火——> （现实）中年萨尔瓦多在回忆——> （回忆）青年托托恋爱 ——> （现实）中年萨尔瓦多在回忆——> （回忆）青年托托参军、离开故乡——> （现实）中年萨尔瓦多回到故乡的方式展开全片。

第一条时间线索上的叙事对第二条时间线索上的叙事互相照应，使得第二条时间线索的长度由可见的十几年（童年—青年），潜在地延长为几十年（童年—中年）。

几十年的时光，表现在文学作品中可能是：“三年过去了……暑假过去了……冬去春来……20年的光转瞬即逝……”这些字眼。但是在电影中，时间的脚步必须化为观众看得见的画面，也就是，最好用镜头来说话。《天堂电影院》一片的时间发展体现在银幕上，主要是以下一些人物和时间的发展：

萨尔瓦多的成长

因为影片是一部半自传性的作品，是在历史的个人化书写中再现一种文化的兴衰起落，所以主人公萨尔瓦多的成长经历是影片的故事主线，也是影片时间线索发展的主要依据。值得一提的是，影片中萨尔瓦多的成长经历不是一个简单的顺叙的故事，而是以中年的萨尔瓦多回忆的叙事形式，在倒叙中完成。回忆这种叙事形式带来的好处是：节约影片篇幅、可以自由地对故事详略进行取舍。我们根据自己的心理常识就知道，回忆是种跳跃性的思维，它会徘徊在那些给我们烙下深刻印记的事件上，而略过那些当时对自己来说是无关痛痒的事情。

在《天堂电影院》里，萨尔瓦多的一生其实只展现为几件事，而且几件事也是有详有略：童年萨尔瓦多看电影（略）、学习放映电影（详）；青年萨尔瓦多拍纪录片（略）、恋爱（详）、服兵役（略）；中年萨尔瓦多回故乡参加阿尔夫莱多的丧礼（详）。至于童年的小托托是如何成长为青年的萨尔瓦多，离开故乡的萨尔瓦多又如何在罗马创业，影片就没有交代。这种省略，丝毫不给观众以跳跃、突兀或叙事不完整之感。其原因就在于，影片采用了回忆这一叙事形式，在回忆中，一切省略或详述都是有心理学依据的。

另外，《天堂电影院》一片在表现“时光飞逝”时，其镜头语言的运用也十分巧妙。以“托托服兵役”这一事件为例，“军队生活”是萨尔瓦多青年时期为时不短的一段生活经历，但是导演只用了半分钟的影片长度，就圆满地展示完主人公这段毫无欢乐可言亦不值得铺叙的时光。

镜头号 —— 景别 —— 拍摄角度 —— 内容 —— 音响效果

镜头1   特写； 平摄、侧面；   一对对军人的穿军靴的脚齐步走过； 军乐

镜头2   特写； 正面、稍仰；   萨尔瓦多向长官汇报：“第三营第九队报告员迪维达准备完毕”；军乐继续

镜头3   特写； 正面、平摄；   邮筒口，一只手投入一封信；军乐继续

镜头4   中近景； 正面、平摄； 萨尔瓦多给故乡的朋友打电话，得知伊莲娜离开了小镇；军乐继续

镜头5   全景； 俯摄；         萨尔瓦多蜷坐在床边，床上的被没有叠，有人进来将两封信扔到他的床上；军乐继续

镜头6   特写； 俯摄；         两封信上注明“地址不详”，萨尔瓦多把它们放到枕头下面，那里已经有一打类似的信件；军乐继续

镜头7   近景； 正面平摄；     萨尔瓦多站在队列的前方，举枪瞄准、射击；   军乐、四声枪响

这个段落过后，便是已经长出了胡子的萨尔瓦多从部队回到故乡。七个镜头，简洁流畅，让时光飞逝而过，完满地承担了必要的叙事任务。

天堂电影院的几度兴衰

建筑的生命往往比人的生命更长久、更坚韧，即便是一座灰土破板的小屋，也可能是爷爷那一辈传下来的。所以，人们常常能在建筑的一些不起眼的变化中感觉到时间的流逝。这种变化，可能只是改了一道栅栏，或者换了一扇门板。在《天堂电影院》中，电影院的兴衰变化，同样支撑了影片时间线索的发展，形象地展示时光流逝、人事变迁。

具体地说，这座电影院的历史是：看客盈门、座无虚席 ——> 一场大火、变成废墟 ——> 重新修建、再创辉煌 ——> 年久失修、破旧漏雨 ——> 门可罗雀、被迫关闭 ——> 夷为平地、改建停车场。

第一次变成废墟，是因为看电影的人太多（阿尔夫莱多为了给进不了电影院的人在广场上放电影，不留神让放映机故障起火）； 影院第二次变为废墟，却是因为没有人要看电影了。天堂电影院这两种不同意义上的衰落，折射出一种文化在人们的生活中从兴盛走向衰落的过程，倏忽之间，一个时代已成为记忆。

“戏中戏”的发展脉络

在《天堂电影院》中，影院里上映的影片，不仅是一个重要的道具，也是一个重要的叙事、表情的元素。导演通过一系列经典影片的片段表现了电影艺术的发展历程，这里出现了让?雷诺阿的《底层》、鲁奇诺?维斯康迪的《大地在波动》、弗立兹?朗格的《狂怒》、约翰?福特的《关山飞渡》，还出现了卓别林、基顿、劳莱尔、哈代、艾立克?冯?斯特劳亨、丽塔?海华兹等等曾经令无数影迷倾倒的影星们。他们顺序地出现在电影银幕上，好似历史极富人情味地在从头搬演。

如果把这些影片看作是一个整体的话，它的命运也随着时代的发展经历了有趣的变化：技术上由易燃胶片到不燃胶片到被电视、录像带取代；内容上从接吻镜头被删剪到出现接吻镜头到出现色情镜头，最后到接吻镜头被连接成片。从电影的命运变化上，观众也在回味着科学技术的发展、人的价值观念的演变，时间的车轮不断前行。}H?荣光无限论坛

二、空 间 环 境

《天堂电影院》的导演兼编剧渚塞佩?托尔纳托雷曾经说过，“天堂电影院并不仅仅是间放映厅。对我来说，这是一个奇特的、文化与社会启蒙的地方，一代意大利人曾在这里受到熏陶。我倾向于认为，电影院对于一个人来讲或许可以说是一种生活目的，在影片和他本身和他的愿望、期待之间，也许就存在着一种联系。” 托尔纳托雷对电影的这种态度，表现在影片中便是： 人们的生活中同时并存着电影与现实这样两个时空，片中出现的“电影院”与“广场”这两个空间环境就分别代表着人们的这两种生活场景。

电  影  院

在《天堂电影院》中，电影院好似生活在尘世中的人们建构的一座“天堂”，它使人们超脱了现实生活中的种种艰难和困扰，而沉浸在欢乐中。《天堂电影院》用大量带有喜剧色彩的生活细节，展现了在电影院这一梦幻天堂中，一代意大利人特殊的生活状态。

电影中恶魔要杀人了，观众吓得纷纷闭上眼睛，这时偏有一个小伙子含笑回身而望。镜头从他身上摇至二楼的观众席，原来有个姑娘正与他相视而笑… 到了下一个观影场景中，两个人已携手共坐在二楼的观众席上…… 到了再下一个观影场景中，两个人已经是抱着孩子在看电影了。

有个男人一直把影院当作他最好的睡觉场所，不管别人多热闹，他的鼾声一如既往，结果屡遭孩子们的捉弄。

有个老人在看惊险片时捂着心脏倒下，在下一个观影场景中，他坐过的椅子上放了一束鲜花。

影院正在放映一部已公映过的悲情影片，一个男子泪流满面地在片中演员开口以前就背出了全部台词，甚至包括最后的字幕“End”(结束)。

从片中可以看出，电影院不仅仅是一个供人们娱乐的场所，人们在其中体验种种生命情感，还在影院中撒播爱情的种子，哺育小生命的成长，甚至度过生命的最后一刻…… 影院曾经成为人们生活的中心环境，电影也似乎超越了现实生活，成为人们的生命主题。这或许才是“天堂”的真正含义（Paradise 除了天堂以外，其实也可以泛指不同信仰的人们的理想国度）。它与人的生命和梦想息息相关。

广      场

与电影院这一空间环境相对存在的，是西西里的现实生活环境。40~50年代的西西里，贫困、落后、生活艰辛、苦难。当电影放映着“六年后，春回大地，风和日丽，大地充满阳光和生机，再也不像打战时那么紧张了，人们呼吸着清新自由的春天的气息……” 与之相对比的现实生活是，意大利政府又要公布一批阵亡名单，其中就有小托托的父亲。现实让人无法回避。在电影散场之后，人们不得不回到现实生活中去。在《天堂电影院》中，广场这一空间环境就是现实生活的缩影。

据说，导演渚塞佩?托尔纳托雷曾花了四个月时间，在六个不同的小镇拍摄出姜卡尔多乡村背景的一系列镜头。其良苦用心营造出的“广场”这一空间环境，确实渗透了浓郁的生活气息。比如广场上小贩在大声地叫卖尼龙袜子，妇女们肩扛水罐到水龙头前排对打水，老婆婆用心地踩着纺车捻羊毛，男人们给小孩子理发的同时，也忙着给驴子剪毛…… 以上的这些场景在影片中都不承担什么叙事功能，但却让人感到一股满怀深情的怀旧气息，看似闲笔，其实韵味无穷。不过，这只是白天的广场，当黑夜降临时，广场就没有这么可爱了。

如同在现实中，电影中的黑暗是与光明伴生的。在夜晚的广场上，天真、聪慧的小托托第一次挨妈妈的打，因为他把本应用来买牛奶的50里拉换成了电影票（丈夫征军去了前线，生S未卜，自己带着两个年幼的孩子艰难度日，50里拉足以让这个母亲揍自己的爱儿一顿了）； 在广场上，资本家云信祖解雇了一个加入共产党的工人，并且对其他工人叫嚣道：“你们都给我好好地干，从早到晚，至于薪水是多少，就不是你们的事了。谁要是多嘴多舌，就趁早给我滚蛋”；在广场上，一个疯子常常跳出来，大声地嚷嚷着：“广场是我的，广场是我的！”并企图把大家全都赶走……

在这个夜晚的广场上，也曾有过一次短暂的欢乐，就是阿尔夫莱多把广场上一座建筑物的墙壁变成电影的银幕时。可惜在现实生活中，这种欢乐是不能长久的，厄运随之而至，影院成了废墟，阿尔夫莱多失去了双眼。

当电影散场后，人们便回到广场；当人们被影院拒绝以后，他们聚集到广场。广场与影院，是那个时代意大利人生命中现实与天堂的对列，苦难与快乐的隐喻。

放  映  间

在影院与广场之间，不要忘了另外一个极为重要的空间环境，那就是电影院的放映间。尽管放映间不是一个人人能进入的空间，但它却是片中两个主要角色：萨尔瓦多和阿尔夫莱多最主要的生活环境。

放映间是为天堂电影院带来欢乐的地方，虽然它并不直接生产影片。老放映师阿尔夫莱多说过：这里“夏天闷热，冬天能让人冻S”，但是这里的工作又让人上瘾，因为“有时影院座位全满了，当你听到观众嘻嘻哈哈的笑声，你会感到欣慰的。听到他们高兴，你也快乐，就好像这快乐是你给他们的一样”。创造欢乐远没有享受欢乐那么轻松，放映间的生活让两代人体验到了这种工作的辛苦与欣慰。放映间，吸引着萨尔瓦多从台前走向了幕后。在一次电影放映过程中，小托托从观众席上回头向放映窗口望去，这时影片用特技手法形象地再现了他当时的心理：窗口是一只狮子头的造型，从狮子大张的口中喷射出了耀眼的蓝色光束，镜头旋转着向狮子头推上去，狮子的口开合了几下，发出声声兽吼。在小托托的眼中，是放映间为电影带来神秘的魔力，他想方设法走进放映间，就是为了能掌握这种魔力，令人快乐的魔力。"

反过来说，尽管放映间为天堂电影院带来了欢乐，它的作用实际却是非常有限的。有一次，因为一部影片的拷贝要等别的小镇放映完才能取回，结果是影院里的人们陷入焦灼烦躁的等待，萨尔瓦多也只能束手无策地看着人们越来越愤怒。对于这一点，老阿尔夫莱多是看得最清楚的，虽然他的命运使他没能离开这里，他却能指点年轻一代的萨尔瓦多离开这个狭小、封闭的空间，到更广阔的世界去。放映间成为萨尔瓦多从观众走向导演的中转站，所以它很重要，但，却不应该在其中滞留。

三、人      物

阿尔夫莱

在《天堂电影院》中，阿尔夫莱多这个人物承担着双重角色：其职业角色是乡村影院的放映员；其生活角色是影片主人公萨尔瓦多的好友和导师。

作为一个电影放映员，阿尔夫莱多和他的观众代表了电影黄金时代那种最淳朴、最彻底的电影文化倾向。从10岁起，阿尔夫莱多就走进了放映间，等他走出放映间时，他的生命也似乎结束了。对于放映间，他的情感态度是爱恨交加，又始终不离不弃。放映电影是他存在的全部意义，而他所能做到的最辉煌的一件事，就是想到一个办法让更多的人看上电影。富于象征意味的是，当阿尔夫莱多的灵车从破败的“天堂电影院”前经过以后，这座建筑也很快就结束了它的生命。

作为萨尔瓦多的好友和导师，阿尔夫莱多是一个与“新生代”相联系、相对比而存在的“老一代人”的形象。他指引、督促着萨尔瓦多的前进、变化。他自己却又是一个不变的、缺少行为主动性的形象。他一生都没有离开那个狭小的放映间，离开那个封闭的乡村小镇。但，他能清醒地看到这种命运的悲剧性，并且指导年轻一代的萨尔瓦多去追求更美好的生活。

当童年的小托托当上放映员，想要放弃上学时，阿尔夫莱多语重心长地告诉他：“不，别这样，不上学你将来会后悔的。这并不是你真正的工作，现在天堂需要你，你也需要天堂，但这只是暂时的。有一天，你会去做其他事情，更重要的事情。相信我，世界上还有许多比这更重要的，重要得多的大事。”当青年萨尔瓦多从部队回到故乡，感到一阵茫然与失落时，阿尔夫莱多又指点他：“生活和电影中不同，现实要艰难得多。离开这儿吧，回罗马去，你还年轻，世界是属于你的。” 阿尔夫莱多把他用一生换来的经验教给了萨尔瓦多，年轻而不知世事的萨尔瓦多于是超越了阿尔夫莱多，一步步走向更广阔的天地。可以说，没有这个守候在故乡的阿尔夫莱多，就没有日后著名的导演萨尔瓦多。是老一代人“不变”的主题，催生了新一代人“变”的主题。

值得称道的是，影片中阿尔夫莱多这一形象并非一个简单的符号化的人物，而是一个血肉丰满、极有性格的形象。法国著名演员菲利普?诺瓦莱对这一形象的精彩演绎，更使得观众对他过目难忘。这个老人正直、善良、充满智慧、又带有几许孩子气的天真俏皮。影片从许多生活细节多侧面地表现了这个人物的思想和品格。比如，在影院门口为托托“找回”50里拉，在考场上低声下气向托托求助，变戏法似的让电影穿越墙壁到达广场，缠住神父以给萨尔瓦多争取表白爱情的时机…… 在这个默默无闻的小人物身上，确是倾注了导演和演员很多的情感。

萨尔瓦多

影片主角萨尔瓦多是一个属于新时代的人物，但他永远也不会割断和过去的联系。老友、母亲、旧日的电影、失落的爱情，成为他生命中剪不断的红线。这根线在他离开故乡20多年后又把他牵回故乡，让他在成为导演以后又让他坐回到观众席上。不过，萨尔瓦多的“返回”并非是飞了一圈后又回到原地，而是完成了一次螺旋形的上升。

与阿尔夫莱多的“固守”不同，萨尔瓦多的行动总是具有改变命运的主动性。当他只是一个小观众时，他就试图走进放映间，尽管一次次遭到老放映员的拒绝，他最后还是达到了目的。当他爱上了社会地位比自己高的银行经理的女儿时，老放映员带着宿命式的悲观给他讲了一个“军人爱上公主”的悲剧故事，但萨尔瓦多仍然勇敢地去等待，而且最终成功地赢得了伊莲娜的爱情；当阿尔夫莱多守在故乡终老时，萨尔瓦多踏上了通向罗马的旅程，在一片更宽广的天地中奋斗成为电影导演。萨尔瓦多是一个不断前进、不断变化的富于生命力的形象。他是渚塞佩?托尔纳托雷自己的写照，也是意大利人年轻一代的形象。

著名演员雅克?佩兰和在外景地发现的小演员萨尔瓦多?卡西奥的表演精彩准确，同样也为萨尔瓦多这一形象倍增光彩。中年的萨尔瓦多，沉静而热切，有点不动声色的表情中饱含着深沉、丰富、难以言说的情感。童年的小托托天真、有趣，大大的眼睛里流动着机灵狡黠（xia2）的神采，即使他犯下再大的错误，相信观众也会毫不迟疑地原谅他。人们几乎不得不相信，只有在他的身上，才会发生那些可爱的、令人忍俊不禁的事情：当祭童时站着打瞌睡，偷看阿代尔费奥神父审片、拿着废胶片就能背电影台词，以送饭为借口进阿尔夫莱多的放映间，以帮阿尔夫莱多作弊为条件换取他的放映技术…… 难以设想，如果没有这个贯穿全片、深深打动观众的萨尔瓦多?卡西奥，《天堂电影院》一片怎么还会吸引着观众走进那段逝去的历史。

阿代尔费奥神父

阿代尔费奥神父在影片中也具有双重角色象征。

一方面，他是与人的欲望相对立的宗教力量的象征。在老天堂电影院中，他掌握着公映影片的审查权。导演在表现他的审片过程时，采用了仰拍的摄影角度，神父黑黑的身影出现在影院银幕的正中间，盖住了银幕的画面，体现了一种控制一切的威力。而一旦黑影片中出现接吻的镜头，神父便可以摇铃让放映员将其删剪掉，体现出对人的情爱欲望的毫不迟疑的打击。但是，等新的天堂电影院建好以后，宗教的力量就没有这么强大了，神父失去了审片权，人们终于看到了影片中的接吻镜头。

另一方面，阿代尔费奥神父作为一个有血有肉的人，他自己身上也体现出了人性对神性的胜利。在老影院里审片时，每当银幕上的人翩翩起舞，神父自己也会跟着哼起音乐。在新影院落成那天，神父捧着圣水罐为影院洒水祈福，结果他在看歌舞片时，竟手捧水罐随着音乐节奏轻轻摇摆起来，圣水罐好似变成了他手中的一件乐器。当新影院的银幕上第一次公映出接吻镜头时，人们欢呼起来，神父无力回天，只得愤愤地说：“我可不看这种电影。”说话的同时，他的眼睛却紧盯着银幕。

艺术是人类情感的产物，真正的、健全的人怎会没有情感和情欲，真正的电影艺术又怎会规避表现人的情感和情欲。在《天堂电影院》一片中，宗教对人的欲望的任意压制，以及人类情感对宗教力量的最后胜利，就巧妙地体现在阿代尔费奥神父这个形象身上。当年轻的萨尔瓦多离开故乡远赴罗马之时，送行的人有母亲、妹妹和阿尔夫莱多，神父却迟到了。当神父远远地赶来时，萨尔瓦多的火车已离开了站台。这个场景别有意味地暗示观众：在萨尔瓦多的行囊中，没有神父那一套压抑人性的东西，有的是种种美好的情感和寄托着厚望的叮嘱。相信在他日后导演的影片里，人性决不会遭到压抑或扭曲，这也许是他事业成功的一个重要原因。

伊莲娜

伊莲娜是萨尔瓦多惟一爱过的女人，她与萨尔瓦多的爱情颇有几分好莱坞电影的风格，一个穷小子爱上了一个上流社会的小姐，两个人的爱情遭到姑娘家人的反对，爱情以失落告终。有人评论说，这是导演托尔纳托雷正视和尊重好莱坞曾有过的辉煌，而有意采用的一种好莱坞技法。

和萨尔瓦多生命中的其他故事相似，伊莲娜的爱情也是与电影密切相关的。萨尔瓦多第一次见到伊莲娜是在他拍纪录片的时候。伊莲娜走进了他的取景框。萨尔瓦多经过苦苦的等待赢得了伊莲娜的爱情，两个人第一次相拥而吻是在电影院的放映间。当伊莲娜从萨尔瓦多的现实生活中永远地消失了，伊莲娜的录影带却成了萨尔瓦多永远的记忆。甚至，电影可能还在萨尔瓦多的爱情经验中承担了启蒙的任务。在表现萨尔瓦多热恋中那段最欢乐的日子时（两个年轻人在田野里吃仙人掌、过生日、吹蜡烛、开着破车兜风），影片使用了一段欢快、清新的音乐来渲染气氛、抒发情感，而这段音乐也是与小托托第一次跟着阿尔夫莱多学放电影时使用的音乐一模一样的。一旦爱情也与电影紧密相联，萨尔瓦多的生命就再也无法与电影分开了。

富有意味的是，萨尔瓦多与伊莲娜的爱情与电影上曾出现的“爱情之吻”的镜头一样，被人横加“删剪”。从此，萨尔瓦多再也没有过真正的恋爱，直到他重返故乡，母亲说：“希望能看到你安顿下来，去爱一个人。” 而那组“爱情之吻”的镜头，也已被阿尔夫莱多重新接在一起了…… 萨尔瓦多的爱情故事大概也将重新开始了。

疯   子

在中外电影史上，常常可以看到一些或疯或傻的人物形象。但是“疯子”绝不是一个轻易、或随意就出现的形象。他们往往要负载一些特殊的意义。比如，英国影片《简?爱》中的疯女人、德国电影《锡鼓》中的疯子、日本电影《乱》中的小丑、英国影片《哈姆雷特》中的奥菲莉娅…… 在《天堂电影院》里，那个常常叫嚷着“广场是我的”的疯子，也具有不同寻常的象征意义。

“广场”本来是一个属于大家的公共场所，疯子却企图独占，把人们都赶走。当大家都在为老影院毁于大火而伤心时，疯子却在人群中又跳又笑，喊着：“哈哈，全烧光了，你们看不成电影了。”疯子，是一个站在人民对立面的狂妄的邪恶的独裁者，但他的“独裁”是没有力量的，最终将被人民扫进历史的垃圾箱。导演对疯子的几次出场是这样处理的：

疯子首次出场，是猛地出现在镜头前，他成为画面的前景，而广场上其他人成了后景，两相对比，疯子的形象是有力量的。但是，他的地位很快就急转直下，在画面上，疯子转过身向后景跑去，他在画面上占的面积迅速地由大变小。他所代表的那种力量，看来也不过是外强中干而已。另一次出场是在人们聚集在广场上看电影时，笑声惊醒了睡在一个平台上的疯子。他爬起来大喊：“广场是我的。” 这时的画面构图是：疯子在画面上方，而人群在画面下方，疯子似乎是高高在上的。可是，紧接着下一个画面是：疯子在后景，人群在前景，疯子陷入人群的缝隙里，疯子的地位再次一跌而下。

在衰败的“新天堂电影院”被炸毁的一场戏中，疯子又出现了（在人类历史上，邪恶的力量大概是永远也不会消失的）， 不过这次他的力量就显得更衰落了：他拖着垃圾袋从人群中穿过，嘴里嘟囔着：“广场是我的，广场是我的。” 没有一个人搭理他。当他向前走时，街道上挤满了汽车，他不得不从汽车中间绕行了。

影片《天堂电影院》的成功，主要在于给人们讲述了一个动人的怀旧的故事。一个人的历史与一种文化的历史紧密纠缠，人与电影朋友似地相伴成长。在物质文明高度发达，人们普遍感到情感失落的今天，回望人与电影、人与人之间这种自然、淳朴的情感，确实会让人们从心底涌出一股亲切的感怀。

故事是好故事，不过也要讲故事的人会讲，故事才能动听。托尔纳托雷的电影语言技巧是纯熟的，除了他在处理时间、空间、人物这三方面用到的巧妙手法以外，我们还可以简单举几个例子。

影片的片头是一个面海的阳台的空镜头，阳台上摆着一个空盒，轻柔的音乐声中，白色的床单随风招展。镜头渐渐从阳台拉开，拉进屋里，屋里的桌子上有一盆柠檬。这是一个很抒情的长镜头，好似在召唤着在外漂泊的游子回归故里（在童年小托托的屋里，桌子上常摆着一盘柠檬。

影片中段落与段落之间的转场方式处理得多种多样，有时利用形象的相似性剪辑（如神父审片时手中摇铃，转为广场上钟楼的大钟在摇摆）； 有时利用声音的相似性剪辑（如小托托想象中看到放映间的狮子型窗口发出兽吼，转为影院银幕上传来声声兽吼）； 有时利用动作的相似性剪辑（如老师按着学生的头一下下撞黑板，转为老放映员一下下在胶片盒上盖戳）……

影片表现阿尔夫莱多让电影穿越墙壁到达广场一段时，音乐、灯光与镜头运动的美妙配合，创造出了童话般的效果。放映镜在阿尔夫莱多的手中放射着蓝色的光芒，银色的活动画面跳上桌子，跳上墙壁，跳上窗台，最后小小的画面突然变得很大很大出现在广场建筑物的墙壁上，音乐在这时也猛地推上高潮。在小托托的眼中，也就是在观众的眼中，这是一个多么奇妙的瞬间。

天堂电影院---永远流淌在心灵上的一股暖流

通常，我选择影片时，主要是通过片名的判断。我总固执的相信好的电影总有一个让我眼睛一亮的名字…一直如此，就像坐在天堂电影院一样，那是最奇妙的感觉…

开始写的时候还很有激情，现在在重温的过程中，慢慢的，似乎越来越习惯在沉默中继续沉醉在自己营造的温暖中，而不愿意再说些什么，写些什么….

我试着去想象：当我看到一部电影以“天堂电影院”命名时，我以为我会看到什么？仅仅是关于电影，而电影之外呢？我在想我会看到一座什么样的电影院，在这里真像在天堂一样？然后我明白了显然这样的电影院不存在，所以我想我应该会看到更多的东西，而不仅仅是电影。我和你一样，宁愿相信：电影是生活，生活却比电影精彩。

很多的画面已经开始模糊了…

年幼的多多把妈妈给的钱全用来看电影，年老的放映工艾菲多，喜欢这个热爱电影的孩子。那座古老的电影院，成了多多的童年。一个偶然的意外，为了让没钱进电影院的人们看上电影，我们善良的老人和孩子把电影投影在街上的墙上，人们在露天，面对巨大的屏幕，一起享受电影的乐趣。就在快乐的背后，胶片着火了，大火夺走了艾菲多的双眼，也在多多的心里埋下了阴影。

伴随新的技术革命，电影也在进步。青年的多多做了新的电影院的放影员。他认识了一个美丽的姑娘艾莲娜，两人在电影院度过了一段快乐的时光。短暂的爱情很快 在艾莲娜父母的干预下破灭了，多多服了兵役，艾莲娜离开小镇上了大学。但多多始终没 有忘记艾莲娜，四处找她，并说服她一起离开这个地方。多多苦苦等待恋人一起出走，而艾菲多带来令他绝望的消息，并劝他离开小镇，去追求自己的理想。

“在一个地方呆久了，你会以为那里是世界中心。”“我瞎了，却看的更清楚了。”也许艾菲多在告诉多多艾莲娜不会来的时候，他已经想到了若干年后多多会明白他。他是痛苦的，但他是伟大的。

三十年过去了，多多成为了一个著名的导演。听到艾弗多去世的消息重新回到故乡，人事已非，曾经的天堂电影院是一片废墟。

这里有一段多多的母亲精彩的对白。平静中不由让人流泪。大意是：这么多年，你经历了很多，但你却还是寂寞的。你身边经常有不同的女人，但我可以听出来她们并不爱你。我可怜的孩子…

多多遇到了一个酷似艾莲娜的少女，他跟随小姑娘回家，见到了已为人妻的艾莲娜。面对昔日的恋人，埋在心里的疑问终于道出：你为什么没来？而艾莲娜的回答让他不知所措。原来恋人并没失约，而是艾弗多骗他。

迷惑和愤怒之后，一切归于平静，对死者，宽容？指责？是该遗憾，还是重新思考？

多多没有得到他的爱情，却实现了理想。是对是错，不管怎样年华已逝，一切美好的痛苦的都成为过去。

一种淡淡的哀伤，就像那在众人欢呼声中倒塌的天堂电影院扬起的灰尘在风中飘。新的美丽将被创造，老人们即将踏上归途。

多多回到他的世界，一个人在黑暗中看艾弗多留给他的遗物。那是一段剪辑在一起的很多个接吻镜头。恋人们疯狂的吻着，各种姿势，在各个地方。多多笑了，他想起了那些美丽时光。这无疑是全片最温馨的一段。

谈论这样一部丰富的电影，我无从把握。而且我刚喝了点酒，头昏的厉害。我想把我的感受写下来，却辞不达意。文字和画面各有所长，而我却找不到其中的奥秘。

最后再来说成长吧，这是个问题，关于生活的问题。从来没人告诉我们我们为什么长大，为什么这样长大，他们只是说，你们长大后就会明白。我想这可能就是生活的烦恼所在。在一个旅程开始的时候，意味着一个旅程的结束。你得甩开一些过去的行李，能继续走下去，同时会得到新的收获。

一个意大利的小镇，一片灰蒙蒙的天空，一个有着古老气息的电影院，一段刻骨的恋情，一段长达半个世纪的特殊友情，两颗热爱电影的心，理想和现实，成长和迷惑，爱情、亲情、友情，写不尽的岁月变迁，说不完的沧海桑田….

好电影《天堂电影院》

作者：军港之夜

一个小男孩托托出生在二战时意大利的一个小镇上，托托的父亲作了二战的炮灰，守寡的母亲一力拉扯着他与他的妹妹，二战的炮火并未骚扰到小镇的安宁，小镇与外界联系的唯一渠道是一所电影院，定期播出从远方运来的电影胶片，即使如此，每部影片在小镇公映前，都要经过镇上神父的严格审核，所有拥抱接吻的镜头都会被视作有伤风化而剪去。

　　小镇是平静而温馨的，人们快乐而质朴地生活着，生命中的苦难并没有摧毁他们乐观的精神，电影拷贝送到时，犹如节日来临。

　　小镇只有一个广场，一个疯子整天在其中奔跑吼叫着，说广场属于他。电影院在广场的东侧，某天一位居民因买彩票中了大奖兴奋得晕倒在广场上，成为新闻，轰动一时。

　　电影院的播放员阿尔弗雷多是一位脾气古怪的中年人，小男孩酷爱看电影，更渴望知道播放间里的秘密，顽皮的他常常往播放间里跑，每次都被凶神恶煞的播放员撵出来。

　　某天，小男孩趁播放员不注意，跑进了播放间，看到了那些被剪下来的胶片，这引发了他极大的好奇心，他向播放员要求拿几张回去，播放员一口回绝：“现在还不行，等你长大吧。”但最后，他还是偷偷拿了几张带回家藏在盒子里。

　　不久，托托家中起了火，所幸发现及时，火被扑灭了，检查起因发现是那盒子里的胶片（那时候的胶片积热是会自燃的。）母亲又气又急，将托托拉到大街上，正准备一顿痛打，正巧被路过的播放员看到。在劝住了愤怒的母亲后，播放员将托托拉到一旁，告诉他可以到播放间去帮忙。原来这位外表凶恶的播放员阿尔弗雷多，内心其实是善良而美好的，托托很快与之成为了好友。

　　托托得到允许进入播放间，不但了解了电影播放的秘密，而且获得了许多电影方面的知识。同时，作为播放员的小助手，他也渐渐可以单独操作机器，播放影片，可是在某一天晚上，播放影片的过程中，胶片起火，播放员躲避不及,被突如其来的大火烧瞎了眼睛。

　　托托接替阿尔弗雷多的工作，在胶片的转动中，他渐渐的长大，播放员也渐渐地衰老，但他们的友谊却依旧青翠。

　　不自燃的安全胶片问世了，电影院的隐患解除了，播放员听到这个消息，嚅嚅地说：“好的事物总是姗姗来迟。”

　　托托进了中学，他最大的爱好就是放学时拿一部手摆摄影机拍摄校园里的人和事，某天，一位漂亮的女生闯入了他的镜头，他心中一惊，无可挽回地陷入了初恋。

　　小男孩每天晚上站在那女孩的窗前，渴望一近芳泽，女孩恍若不知。

　　小男孩感觉到了心中的苦恼，于是向阿尔弗雷多一吐为快。阿尔弗雷多于是给小男孩讲了一个故事：

　　从前有一位王子爱上了一位公主并向她求爱，骄傲的公主地王子说只要他能在自己的城堡下守一百天，她就接受他的爱，于是王子二话不说，提着个小板凳坐在了公主的窗下，从此披星戴月，栉风沐雨，苦苦守候，他等啊等啊，没有一句怨言，到了第九十九天，王子突然站起身子，头也不回地走了，他走了，没再回来。

　　 托托迷惑不解，播放员沧然一笑。

　　小男孩离开了女孩的窗下，因为他终于明白，在表达深情的同时还必须维护自己的自尊，而女孩却在此时接受了男孩的爱情，但这段感情是短暂的，不久，女孩就不得不因父亲的工作调动而被转到别的城市去上学，男孩心中受到打击，在一个下着大雨的夜晚，他独自一个人来到河边，躺在码头上，任雨水冲洗他心中的忧伤，此时，割舍不下的女孩回来了，并找到了他，他们在雨中热吻。

　　中学毕业了，男孩想出外闯荡，母亲有些担心，不愿他离家，男孩找到阿尔弗雷多，问他的意思，阿尔弗雷多态度明朗地表示同意，在送他去车站时，阿尔弗雷多拄着拐杖，睁着无神的眼睛对他说：“出去了，就不要再回来。”

　　一晃数十载，男孩由懵懂的少年变成了一位成熟的中年人，经过多年不懈的努力，他终于实现了自己儿时的梦想，成为了一位知名的导演，但此时，他也陷入了内心的空虚与困惑中，一切梦想的似已得到，但得到的东西，并不是从前期望的样子。这时，远方的家乡传来阿尔弗雷多逝世的噩耗，他立刻收拾行装，启程返回阔别多年的故乡。

　　他到家时，老人已经入土为安，母亲仍然健在，她以她的儿子为荣。镇上的许多老人都还在，神父、电影院老板、广场上的疯子。。。岁月改变了他们的容颜。

　　那个电影院已经破旧不堪，面临拆毁。

　　回家的那天夜里，母亲交给他一盒用报纸包好的东西，说是阿尔弗雷多临死时留给他的，他心情沉重地接过。

　　在一个晴朗的下午，他与镇上的人们一起站在广场上看着破旧的电影院坍塌在隆隆的爆破声中。

　　他飞回了罗马，回到了他所的工作环境并重新投入其中。

　　某天，闲暇时他打开了阿尔弗雷多留下的那盒东西，原来是满满一盒粘接好的电影胶片。

　　托托走进了自己的放映厅，将胶片交给播放员，然后在空荡荡的厅中坐下。

　　灯光熄灭，眼前的银幕亮了，一个个拥抱的接吻的镜头流泻而出。。。。。。影片流动着，他的眼中亮闪闪的，在这一刹那间，他仿佛又回到了那个热情如火的年代，在那苦难的年月里，天真、质朴的人们真实而乐观地生活着。。。。。

人间有天堂

——观看导演吉塞佩&#8226;托那托雷的  自传体影片《天堂电影院》

当人们的信仰随着一场又一场的革命、风波、人世的悲欢离合、人际的冷漠无情，而渐渐冷淡、渐渐忘却时，甚至没有人会去关心这个世界上是否真的有天堂？更或许，在一日千里的现代都市生活中，天堂早已成为一种奢侈品，而观看导演吉塞佩&#8226;托那托雷的自传体影片《天堂电影院》，让我刹那明白，人间真的有天堂，而天堂，就在我们的身边，在熟悉环境的细枝末节，在原始纯真的感动；天堂，就在我们的内心，在美好纯朴的梦想，在义无反顾的坚毅，在……天堂，它无处不在。

那是一个多么熟悉而又遥远的场景，宁静的小镇、封建的神父、永远不必忙忙碌碌的成人、远离考试就业压力天真无邪的孩童，灰灰的天空，还有罗马式的广场，这样一个战后冷清萧条的小镇上，看电影，几乎就是人们唯一的娱乐方式，或者说，是去电影院。

在这个电影院和礼拜堂共用的奇特地方，人们或许并不仅仅为了欣赏电影而聚到一起。孩子，无疑是这个群体中最为活泼的一个群体，然而有一个孩子却有那么些不同，他不仅喜欢着黑白银幕上的跌宕起伏，他还关注着神奇幕布后隐藏着的一切。因此，他与放映师阿尔弗雷多成为了一对忘年交，他们一同嘻笑玩乐，一起为神父删减接吻镜头的做法而嘘唏，一起被多多年轻寡居的母亲咒骂……那时对于多多而言，天堂电影院真的就是一个天堂，而留着意大利小胡子的阿尔弗雷多差不多就是扮演着天使的角色。在这里，多多陷入别人的故事就像是在过自己的人生一般，他几乎忘记了父亲的死带来的苦痛，忘记了战后生活中的种种艰难，与其说是沉迷在虚幻的世界里不能自拔，还不如说这里正是人人向往的天堂。

电影院，放映间，是多多成长的伊甸园，即使在阿尔弗雷多因为意外双目失明，年幼的多多担任起了为小镇居民放映电影的工作后，阿尔弗雷多和多多依然近乎痴迷的沉浸在电影艺术带给人的美好之中，日复一日，年复一年，在一句句耳熟能详的台词和经典人生的悲喜交加中延续生命，在转动的放映机和光影的交替中接受时光的洗礼，他们乐此不彼、他们义无反顾、他们毫不厌倦，这是因为，他们的心中，承载了天堂的美好意象。

岁月在毫不停留地前进着，于是人也不可避免的长大了，唯一不变的，只有那个天堂，以及那个天堂带给人永恒的向往、幸福和美好。多多，从一个顽皮天真的小鬼变成了一个羞涩纯真的大男孩，于是爱情，也毫无意外的降临了——意外的拍摄让他结识了银行家的女儿，伊莲娜。可是他们毕竟太年轻，生活毕竟不如电影那么美好，或许，这段尴尬的恋爱从一开始就是一场错误。命运弄人，两颗年轻的心相爱了，可这段纯朴真挚的恋情却没能走得太远。升学、当兵、前途、事业，一切外在的、让人感到无能为力的因素拆散了他们。可是即使在很多年之后，在多多功成名就，成为人们眼中的大人物、名导演时，他心中念念不忘的，依然是那个不经意间闯入他镜头的清纯女孩。他四处漂泊、他孤身一人，从此拒绝爱情的敲门，只因为这一生的真爱，一生唯一一次不夹杂任何杂质的爱恋，只能留在回忆的天堂中。

远离故土三十余年的多多，在一个夜晚得知阿尔弗雷多的死讯。城市中人际的焦虑、工作的压力，或许会让长大的多多暂时遗忘了关于天堂的一切，可那个刹那，他本以为早以淡忘的记忆又再次鲜活起来。他躺在床上，回忆着小镇生活的点点滴滴，辗转难眠。终于，他回到了故乡，三十年来第一次回家，向一位相交一生的朋友告别，向带给他无数快乐的天堂电影院告别，也向再也回不去的青春年华告别。

电影是人生的缩影吗？阿尔弗雷多说：“人生不是电影，人生比电影苦多了！”是的，但生活也比电影真实，丰富。对于多多，天堂电影院不只是一个普通的电影院，他在这里观看人生的第一部电影，学习放映电影，经历了天堂电影院的毁灭和重生，也因为电影开始了人生中第一次也是唯一一次恋爱，这里是他童年、少年、青年的全部记忆，是他生活中，情感上不可分割的部分。天堂电影院，曾经是那个不谙世事的纯真少年的伊甸园，在这里，他可以忘记自己、忘记母亲、忘记生死未卜的父亲、忘记生活中的种种不如意，在这里，有他的梦想、他的寄托、他的兴趣所在……

三十年后，功成名就、荣归故里的多多只身一人来到废弃已久的电影院，在里面行走，发呆，矗立，电影的黄金时期已经一去不复回了，人们有了更多的娱乐选择，就如同现在社会人们受到了太多物质诱惑，发酵、膨胀的欲望让人们遗忘了心中的天堂，或者说，他们不再追求纯洁、真挚的天堂之美。多多看着和自己一样伤痕累累的天堂电影院，抚摸每一件曾经熟悉物件摆设，思潮起伏。一刹那，纵然身边的事物早已破败，童年记忆中的人物也已渐渐苍老，可一切却又都仿佛那样清晰，所有的事情在眼前鲜活，似乎就发生在昨天，昨天，这里是多多的天堂。

回到罗马，长大的多多独自坐在豪华摩登的放映厅中，观看阿尔弗雷多送给他的一卷电影胶片，那种遇到星火或温度过高就会燃烧的胶片，那是阿尔弗雷多曾答应送给他的，被剪切的电影中的接吻片段。三十多年之后，这份来自天堂的礼物，终于平安抵达多多手中。看着银幕上一对对男女在老旧的黑白胶片里柔情缱绻，多多再也无法控制自己的情绪了，泪光在多多的眼中盘旋。没有人会在此时感到肉麻、色情或不合时宜，一幕幕熟悉的接吻镜头在荧幕上模糊继而清晰、再由清晰转为模糊，是这样的美丽，仿佛、仿佛来自天堂的天使之吻。

几许年少痴狂，几许青葱岁月，几许酸涩回忆，几许人事变迁，这部接吻片段传递的真挚美丽，或许只有多多可以体会，所以他流泪了；或许所有曾经有过梦想、在心中曾构建起天堂的人都会发出相似的感慨，因为最原始、最基础、最纯朴、最真挚的情感，都是那么的相似。从影片开始，到影片结束，同样的胶片，同样的镜头。可惜却早已是物事人非。在那一刹那，回头看来时路，多多终于明白，天堂从来都在，从来没有消失过，只是有时不经意间淡忘了，可一旦想起，那便是生命为之动容的全部。

人间有天堂，天堂就在每个人的心中。

《天堂电影院》 乡愁 千里之外

作者：shaojianjun_1999

还记得几年前，假期在家经常看中央八套《世界影视博览》，里面那个声音醇厚的男解说员总是用缓慢却饱含深情的语调介绍着世界电影史上一部部伟大不朽的佳作，于是，在那样缓缓如水流过的声音里，在那些精心剪接出的光影画面里，我渐渐不再把看电影仅当做一种感官的享受，而是每次看完后都努力试着去理解它要表达的东西。也还清晰的记得，还是那个男解说员在介绍一部《天堂电影院》的电影时候，仅仅是几分钟的独白就已经让我沉醉于其中了。直到今天我终于看了这部意大利导演朱塞佩·托纳多雷的著名作品，才知道影片的感人致深远远不是几分钟的简介能表现的了的。

　　 在遥远的亚平宁半岛上一个叫拿波利的小村庄里，小男孩多多生活在一群朴实善良的小镇居民中间。那时候看电影是小镇上居民最热衷的娱乐形式，而老放映员阿尔弗雷多是镇上唯一懂得使用放映机的人，于是，对电影充满了兴趣的小多多便成了电影院的常客。二战的战火使多多失去了父亲，在长时间的与阿尔弗雷多接触的过程中，他对电影的兴趣和与阿尔弗雷多的感情与日俱增，没有子女的老放映员也把多多当成自己的孩子一样教他放电影，倾囊的传授做人的道理。在一次意外中，阿尔弗雷多被胶片着火的烟熏瞎了眼睛，于是小多多就成了小镇上唯一会放电影的人。时间如镜头闪回般流走，转眼多多已经长成英俊的小伙子，亦师亦友的阿尔弗雷多依然在生活中处处指引着初涉世事的多多。多多爱上了学校的一个美丽女孩第一次有了少年维特样的烦恼，于是在阿尔弗雷多的故事指引下多多用他的执着打动了女孩的心。坠入爱河后多多去服了兵役，回来却不得不面对和心上人失去联系的现实。又是阿尔弗雷多给心灰意冷的多多指引了方向，于是多多离开了家乡坐上开往罗马的列车。故事从中年多多的回忆中跳了出来，阔别故乡已久的多多以著名导演的身份荣归故里，在参加阿尔弗雷多的葬礼和目睹了曾经的天堂电影院变成废墟时，他感慨万千思绪繁复。最后他收到阿尔弗雷多留给他的一卷胶片，是曾经被教会禁止播出的电影中接吻镜头的剪辑，也代表着与电影有关的多多的成长岁月，此时此刻多多泣不成声，眼前出现了阿尔弗雷多慈祥的笑脸....

　　1.关于回忆

　　 《天堂电影院》用自然，流畅的倒叙方式将电影往事与生活往事天衣无缝地融合到一起，以小主人公多多与阿尔弗雷多在《天堂电影院》的故事为主线，把人们对于电影的记忆与一个孩子的成长所经历的思想变化紧密联系起来，不仅是一部近代电影的发展史，也是一个孩子关乎电影情节的成长史。每一代的人都有一些隐埋在记忆深处的情感，或许和电影有关，或许与电影无关，但总有那么一些情感是在岁月流转后依然让我们怦然心动的，如同露天影院对于六十年代生人，射雕，上海滩对于七十年代生人，圣斗士星矢，一休哥对于八十年代生人一般，电影成为一代人回忆的载体，在群体记忆中广泛引起了共鸣。似乎回忆起过去脑海总是会出现一幕幕如老电影般闪烁着斑点的镜头组合，并且某些记忆深刻的镜头会在心中长时间的反复回放，让人永生难忘。就好象阿尔弗雷多给多多留下的最后礼物，一部部电影片段的播放，让做为观众的我们的心思同多多一同飞回了曾经的天堂电影院，那个总是迟到的老人，每每看到一半就鼾声如雷的中年人，愚蠢又善良的售票人，还有以广场为家的疯子等等等等不会遗忘一丝细节。回到阔别已久的故土让多多感慨良多，多年不见的母亲早已华发遍生，曾经的良师益友已经魂归天堂，盛载着儿时情感的天堂电影院也已经荒芜破落，固执的时间长河不会为了某一美好的事物所停止流动，那寄托了一代人情结所在的天堂电影院也只有封存在人们的记忆中。那个中彩票后重新修葺电影院的西西欧看着一片废墟痛哭流涕，这个长的很象罗伯特·德尼罗的老人的眼泪让我也不禁为之动容。

　　 2。关于故乡

　　 当多多提着简易的行李箱在火车上向亲友挥别的时候，我就知道他的一生注定会不再平凡。这是因为阿尔弗雷多在天堂电影院埋葬了多多的初恋，并告诉多多他的人生不属于这里，而是属于罗马。于是多多心无旁骛的去追寻生命着目标，最后成为著名的导演。阿尔弗雷多希望多多成就一番伟业，圆自己一个没有实现的梦想，多多没有辜负他的希望。可是功成名就的多多还是以前的多多吗？周旋于各个女人的之间，缱绻名流上层社会，甚至无暇给妈妈打个电话，直到听闻阿尔弗雷多的死讯多多才开始自我反思，可是故人已矣。或许所有漂泊在外的孩子包括我和最初离开家乡的多多一样，我们挣扎在异乡，我们学习长大，我们永远得适应新环境，我们成为了一个顽强的成人，但是疲惫与麻木也爬上了我们的面孔，那些爱呢？那些在故乡的阳光下玩耍的日子和心情呢？直到背负着亲人的死讯归来，到处是回忆中似是而非的点滴，到处是已经老去的故人。多多在废墟中发现了当初女孩离开他的秘密，就在这废墟当中，他的初恋被深深的埋葬了。如果当初不是这样现在又会是怎样？故乡就象那一封封被扣留的信一样被尘封在多多的爱恨交织中。我们背井离乡，背负着亲人的期望在外闯荡，却那么容易在繁华的街头迷失在声色犬马中；我们选择固守故土，却又如井底之蛙般见识短浅。故乡就象一道逻辑混乱的证明题，永远也求不出一个正确的答案，我们只能在求索故乡的含义中不断跌倒，不断学会；不断遗忘，不断感知；不断迷失自我，不断的感悟生活。

　　3.千里之外

　　 一部充满着浓厚风土人情的优秀电影让我的心随着那悠扬的小提琴声飞到了千里之外的亚平宁，向往以久的意大利。这是一个和中国一样伟大的国家，曾经谱写过那么多光辉的故事，诞生过无数伟大的科学家，斗士，与球星。上帝是怎样如此眷顾这个地中海畔的半岛我求不到答案，或许上帝本就降生在这个神奇的国度里吧。好想有朝一日能踏上这片神奇的土地，象余秋雨那样细品每一处名胜，再在圣西罗球场欣赏一场激情四溢的米兰德比，那人生夫复何求？闭上眼睛沉醉于电影配乐之中，思绪不断的飞远飞远，比萨斜塔上仿佛依稀可见伽利略肃穆凝重的神情；翡冷翠水波荡漾是否还映现着裴多菲不舍的情怀？；岁月的洗礼让罗马竞技场喧嚣不再，马克西莫斯也平息了手中写满仇恨的剑；地中海清凉的海风不曾吹散小男孩对美丽的玛莱娜老师懵懂的爱；当科里奥尼怀揣着一抔乡土远跨重洋寻求生计的时候，是否曾想到四十年后麦克会带着教父的盛名回到西西里寻根溯源；在自己狭促的寓所里达·芬奇会对刚创作的《蒙娜丽莎的微笑》或是《维鲁特人》微笑颔首，其中蕴藏的秘密又在几百年后又让罗伯特·兰登无所适从；某个阳光明媚的午后公主一个人偷偷跑出来会邂逅英俊的落魄记者，两人在真理之口前上演虚惊一场；罗伯特·巴乔用深邃的眼神告诉世人一个会踢足球的英俊男子是完美的不二诠释。太多太多或惊心动魄或感人致深或让人肃然起敬的动人故事让人津津乐道回味无穷，思绪就让它停在那一方圣土上吧，永远别回来！

记忆中的光影斑驳——永远的《天堂电影院》

在我们的心里，也许都有一个像天堂电影院一样的地方，它记载着我们童年的所有美好记忆，总是能够触动我们心中最柔软的部分，也是最脆弱的部分。那里面曾经带给我们的感动无与伦比，曾经留下的遗憾，也是格外清晰而惨痛，让人久久没有勇气面对。最终离开的只是我们的身体，我们的背影却一直被那里照耀着，回身的一刹那，一切还是一样激动人心。

影片一开始的画框里，面对着广阔宁静的大海，摆着一盆刚冒出一颗细小嫩芽的植物，白色的窗帘随风轻轻地飘动，一种舒缓而安逸的氛围，这就是承载着男主人公多多幼年到青年时所有回忆的那个意大利小镇，它在时间里，在三十年没有回去的多多的记忆里都仿佛从来没有改变过，但事实上它早已经变了，正如艾佛特曾经告诉他的那样: “生活在小镇上会以为它就是全世界的中心，事情永远不会有改变，而离开后再回来，会发现每件事都变了，属于你的都已消失。”那些他曾迷恋的东西，电影…放映机…天堂电影院…初恋…女孩…当然还有艾佛特，这一切都被遗弃在时光里了，也只有在经历过的人们的心里，这些东西还是一如往昔，清晰而鲜活。

如果在小时候就有一件很清楚地喜欢的事物，是很幸运的，那时候我们还有大把的时间和精力，把所有的热情都放在上面，我们亲爱的多多，他喜欢的就是电影，他的调皮顽劣并不会让我们把他当作一个坏小孩，因为他对电影纯真的喜爱，看着他带着一双稚嫩而明亮的眼睛，脸上堆满孩童才有的傻笑，躲在帘幕后看电影，为每一个情节而感动快乐，多好的孩子，多好的时光呀，我只能这样感叹。所谓的最初的梦想，就是有这样的力量吧，可以让我们奋不顾身，全情投入。想想我们最初迷恋一件东西的时候，大概都有那样的傻劲。

影片所在时代，是二战后的意大利，多多的父亲去俄国参战未归，做为导演的多多自己说，在那个时代，所有意大利女性都在等待中度过岁月。母亲一个人辛苦地支撑着家里，所以当她知道多多把买牛奶的钱拿去看电影时，她会愤怒成那样，镇上唯一的电影放映员艾佛特帮多多解了围。多多总是想找机会和艾佛特学放映电影，总是跑到放映室去偷一段一两段艾佛特剪下的胶片，那些胶片都是电影里的吻戏镜头，神父总是会先看过一遍电影让艾佛特剪去这些镜头，然后电影才会放映给公众看。多多收集这些胶片，想学放映电影，都只是因为他简单地喜欢着电影，艾佛特却固执地不想让他学，他说放映员是就像是一个孤单的奴隶，同样的影片放一百次没其他事可做，而且很少有休假，这并不是一份有出息的工作。但最终他还是喜欢上了这份工作，只是因为喜欢听到人们看电影时的笑声，他觉得自己仿佛就是制造快乐的人。但多多喜欢的是电影本身，是电影带给他的快乐，是守着电影的快乐，是每天陪伴电影的快乐，他的执着还是感动了艾佛特，加上他帮助艾佛特通过了考试，终于艾佛特开始教他放映。艾佛特总是愿意帮助镇上的人获得快乐，有一次电影院因故不放映，他为了满足大家看电影的欲望，把画面打到广场上，结果却不幸引起了火灾，人们四处奔逃，只有小多多勇敢地跑入火场，用弱小的身躯和不可想象的毅力救出了艾佛特。艾佛特的眼睛瞎了，人们最喜欢的娱乐场所----天堂电影院也付之一炬。

中了足球彩票的奇奇欧重建了天堂电影院，多多替代艾佛特成为新的电影放映员，他和艾佛特也成了最好的忘年之友，他们互相陪伴着，当然还有他们的电影，多多也终于长大了，来到最为美好也最为惨烈的青春岁月，他不可避免地要陷入爱情，被爱情所伤。我能说什么呢，对于艾佛特为多多所做的选择，他帮助多多放弃了爱情，选择了电影，也许他认为这是对的，事实也证明他成全了多多的电影才华，如果不是被爱情伤得这么重，逃离了这个充满悲伤的小镇，多多也许不会有那么多的人生感悟，他的作品也不会有那么高的艺术价值。始终艺术的根本来源还是痛苦，生活中所经历的痛苦，最容易催生出艺术，悲剧性的东西总是能激起人们内心深处的感动，而在痛苦磨砺中感悟出来的生活真谛，更是珍贵，所以我们总是看到那么多经历过童年阴影和伤痛的导演，在电影的世界里找到了慰藉他们的东西，他们的表达也同样地震撼着我们的心灵。如果是生长在一个快乐祥和的氛围里，人们是不会有那么多欲望去表达自己的快乐的，他们都忙着享受快乐呢。而电影，我始终相信那些带给人感动的电影，给人希望的电影，都是暴风雨里面走出来的人，才能制造的雨后的彩虹。

30年，艾佛特在小镇里孤独地守望着多多的成功，他守到了，多多终于成为他所希望的那个人，多多走的时候，艾佛特告诉他，不要回来，永远不要回来，甚至他死前还在念叨，不要告诉多多他的死讯，他不要多多回来，为什么，因为他还是固执地相信，爱情会成为他电影理想的阻滞，那段他亲手毁去的爱情，会妨碍多多成为一个电影大师，他知道多多有那个才华，所以他必须帮助他，为此他宁愿多多背井离乡，甚至不回来看他。我不知道如何去职责他的霸道和一相情愿，毕竟最后证明他的期望是可以达到的，但是如果可以的话，我相信多多还是宁愿选择安逸简单的幸福，而不是在人生的大风大浪里，获取他的那一份所谓成功，事业上的成功始终弥补不了他心里深深的遗憾，他从此再没有办法认真爱另一个女人，他的心里只剩下电影和支离破碎的青春记忆，那些甜蜜都被失恋的阴影深深笼罩，他的人生根本不是完整而幸福的，他只是用电影去填补他的遗憾而已。

多多为艾佛特的死而回来，他看到那个曾经让他如痴如醉的女人，他走进那个已经破废得不成样就要被炸毁的天堂电影院，这一切的一切，还是那么揪心，真的让人心疼，也只有这些东西，这些我们在纯真年代里所拥有过感受过为之努力过的东西，才会让我们的心那么得不平静。有时候听一首歌，一句歌词，我就可以感到混身震颤，我知道那就是心痛。不要问什么时候才能褪去这种伤痕，永远不可能。

他始终阻止不了自己的欲望去找寻他的初恋，有的人说，男人的初恋是他们最认真的一次爱恋，之后，他们的爱永远不会再认真，特别是那些初恋里留下遗憾的男人，他们用风流的外表来掩饰受伤的心，也许有一定道理。我始终喜欢最终的剧场版，可在完整的导演版中，男女主角还是终于重逢。梦醒了，现实是那样的无奈。女人还是一样的美丽，她诉说着往事，而直到这一刻，他们才彼此发现，原来是艾佛特一手造成了他们的分离，他们紧紧相拥，为了他们没有办法一起实现的梦，而那一夜只是对过去的缅怀，没有将来，女人说这是最好的结束，但他们也只能弥补遗憾，不能修补结局。

多多恨艾佛特吗，会吗，我不知道也许有那么一刻，也许他宁愿去怨恨自己没有看到那张纸条，也不愿意恨这个一心成全他的理想的人，这个在童年时曾带给他所有关于电影的快乐的好朋友，这个直到临死最后一瞬都还惦记着他的老人。特别是最后的最后，多多回到了自己正常的轨道，对于电影获奖的消息，他也只是淡淡地听着，在他的心里，他已经找回了三十年前遗失的美好，他的不平衡他的失落，甚至电影已经及不上这一切，可是艾佛特送给他的最后的礼物，终于还是揭示了某些东西。那是艾佛特接的一卷胶片，全部都是他幼年时艾佛特应神甫要求剪去的亲吻镜头，天呐，多好的礼物，多美的回忆，终于在多多这张已经显得苍白世故的脸上，我们又看到了那个纯真的多多，他的笑容，他舒展的眉宇，他放松的神态，是的，他不会再怨恨他了。艾佛特不仅仅是感激着多多的救命之恩，他也是真心地去成全他的理想，这样一个人，他生命中这么重要的人，他不会恨他，当然。而多多也终于发现，自己对电影的爱，是无法替代的，是真实的。他对电影的爱，相信很多电影爱好者都会有共鸣，大家都是相似的孩子。

我想，这是一个光明的结局，逝去的已逝去，遗憾使回忆在苦涩中又透着淡淡馨香，经历过的人们才会懂得记忆里的光影斑驳，即使是残缺的，也是永恒的。

《天堂电影院》：回味无穷的内涵和感动

故事梗概：

故事发生在意大利。著名电影导演萨尔瓦托列·迪·维塔，在罗马寓所中得悉自己的终生挚友、事业的此路人阿尔夫莱去世的消息，葬礼将在第二天举行。

他彻夜难眠。往事像电影那样，一幕幕闪现在眼前……

那是二战期间，在西西里叫姜卡尔多的小镇。萨尔瓦托列的父亲到前线作战，杳无音讯，有人说他已阵亡。母亲带着八岁的他（爱称“托托”）和妹妹共渡艰难的时日。他读小学，同时也为神父阿代尔费奥当祭童。

小镇唯一的娱乐，就是那家名叫“天堂”的电影院。阿代尔费奥神父担负了即将在本镇公映影片的“审查官”。他独自一人，手握铜铃，凡遇不合时尚、“有伤风化”的拥吻镜头，他都毫不迟疑地摇响铃铛，责令放映把它删剪掉。托托经常躲在侧幕后，偷看这庄严的“审查”。不过，他只觉得很可笑。

托托常溜到冬冷夏热的小放映室，拴废旧胶片玩，他从老放映员那里获得了慈父般的爱。他想学放电影，被阿尔夫莱多拒绝了：“不，托托，这里只有你一个人，一部电影要看上百遍，只能和电影里的人物交谈。你一天忙到晚，没有休息的日子。”不过，聪明的托托还是偷偷学会了放映技术。

电影院放映的大多是美国商业片，给观众带来极大的欢悦，但反映贫苦人民生活的意大利新现实主义电影，也常常使人热泪盈眶。在托托幼小的心灵中，电影和阿尔夫莱多同样神圣。为了让更多的人看到电影，善良的老放映员魔术师般地把影像像投射到广场的大墙上。广场节日似地沸腾了，人们像潮水一样涌到大墙上。然而，这欢乐毕竟太短暂了，易燃胶片引发了一场大火，托托奋不顾身从烈焰中拖出了身负重伤的阿尔夫莱多。

电影院化为灰烬，阿尔夫莱多也双目失明了。刚中彩票的的唐·奇巧出资重建了“天堂”电影院，全镇唯一会放映的托托终于当上了小放映员，他为自己能挣钱养家感到骄傲

一天， 阿尔夫莱多往放映室看望托托。托托自豪地说：“我有了工作，不用再去上学了。”“不，”阿尔夫莱多说：“托托，你会后悔的，这不是你真正的工作，现在天堂需你，你也需要天堂，但这只是暂时的，有一天你会去做更重要的事情。”

在他的鼓励下，托托一边工作，一边学习。几年之后他长成英俊的青年萨尔瓦托列。他饱尝了放映员兼跑片员的一切艰辛。值得庆幸的是，安全胶片取代了易燃片，他不会再有生命的威胁了。阿尔夫莱多无限感慨地说：“新事物总是迟来一步。”

萨尔瓦托列终于拿起了电影摄影机，开始实现他的电影梦。他拍下了小镇上人们的生活。一天，电影取景框内出现了金发少艾列娜。那美丽的容颜和高中的气质深深吸引了他。但他没有勇气向这位银行经理女儿坦露心怀。这种爱的焦灼只有阿尔夫莱多能够理解，他向萨尔瓦托列讲了一个古老的传说：“从前有个国王宴请他最钟爱的公主，守卫队中一位军人对公主一见倾心，他鼓足勇气向公主表白了自己的爱。公主说，假如你在我的露台上，等待一百个日日夜夜，我便属于你。军人听了便一日、二日、十日、二十日等下去。公主每晚往外看，无论雨雪风霜，他动也动，九十天过去，他变得完全苍白、枯槁，泪水从脸上流下来，最后，在第九十九天晚上，军人站起来，离去了！”

“结果怎么样？”萨尔瓦托列关切地问。

“这就是结局。不要问我为什么，你想出来，就告诉我……”

萨尔瓦托开始了爱的等待。每晚工作完毕，他都来到艾列娜的窗下，无论风天雨，毫无动摇。他等待心爱的姑娘打开窗户，敞开她的心扉。这纯真的爱的追求，终于感动了百叶窗后的姑娘。除夕之夜，她像天使般降临“天堂”电影院，投入萨尔瓦托列的怀抱。银行家曼多拿极力反对女儿的爱情，但艾列娜还是经常找到借口和心爱的人幽会。十月，艾列娜到巴勒莫上大学，之后，萨尔瓦托列也应征入伍了。他给艾列娜寄出的所有信件，均以“地址不详”而退回。

服役结束，萨尔瓦托列回到故乡，一切全变了。阿尔夫莱多变得沉默寡言。当他知道萨尔瓦托列因失去艾列娜而忧伤时，他面对大海说：“每个人都在寻找自己幸福的星辰。天天混在这块土地上，会以为这是地球的中心，会想念一切永恒不变，会变得比我更盲目你离开了这里，一年，两年……回来时一切变了，线索断了，……你再找回你的同胞……家乡……找回你出生的地方。生活跟电影不同，生活远为艰难，你还年青，世界是你的”。

在小火车站告别的时候，他留下了最后的忠告：“别回来，不要想念我们，不要为乡愁所牵绊。假如你真回来，不要来见我。不论你将来从事什么工作，都要敬业乐业，就像当年还是小鬼头时，一心一意爱护放映室那样。”

听了阿尔夫莱多慈父般的教诲，他义无反顾地离开了故乡，他如愿如偿，成就了自己挚爱的事业。现在他要回归阔别３０年的故乡，参加阿尔夫莱多的葬礼。

从罗马飞往故乡只用一个小时。久别重逢使母亲格外激动，她领着萨尔瓦托列进到新居里为他准备的房间。一切依旧，桌上摆着他心爱的放映机，墙上贴着他心爱的电影海报，其中，儿童时代和阿尔夫莱多的合影更使他百感交集。

葬礼简朴而庄重。人们默默地随着阿尔夫莱多的灵车，朝墓地走去。人们缅怀他，因为他曾给贫困的小镇带来欢乐。由于经济萧条，加上电视、录像的冲击，“天堂”电影院早已关闭，不久将夷为平地，改建停车场。电影已成为往生活的美好回忆了。当萨尔瓦托列缓步走出落满尘埃的空荡荡的影院，当他捡起放映室地上的废胶片时，思绪万千。

随着惊天动地的爆破声，“天堂”电影院不复存在了。萨尔瓦托列和过去的老影迷们木然地向过去告别。

离别前夕，萨尔瓦托列对母亲说：“我在想……我一直不敢回来，现在过去了这么多年，我以为自己变得坚强了，以为会把许多事情忘记，但事实上，我发现自己一点没变……好像我从未离开过……”

他认为自己在３０年间从未回到故乡，是对母亲和故土亲人的背叛。

听了他那诚挚的表白，母亲宽容地说：“我从没有求你解释，你也不必要去解释。我认为你做得对，那又何必自怨？你应该离开，只有离开你才能如愿意以偿。接我电话的常常是不同的女人，但我从没有听过她们的声音中有爱……

带着母亲的爱，萨尔瓦托列坐在电影机前，重新放映阿尔夫莱多逝世前留给他的一盒旧影片。当屏幕上出现艾列娜的活动摄影像和被神父勒令删剪的一系列拥吻镜头时，往事一幕幕在脑海中浮现……他知道这一切已成过去，已一去不复返。但那真挚的友谊和爱情，将伴随他走向明天。

他含着微笑向昨天告别的。

评析：

《天堂电影院》是由意大利和法国联合拍摄的一部令人拍案叫绝的优秀影片，1990年获得奥斯卡最佳外语片奖。这是一部关于电影文化、电影人的电影。影片以导演朱塞佩。托尔纳托雷的个人经历为原型，叙述了美丽的西西里岛一个小镇上的电影放映员阿尔夫莱多与顽童萨尔瓦托之间的感人故事，内涵博大，结构精巧。观众在影片中回顾了电影的发展史，从电影最初的默片时代到好莱坞的“黄金时代”，从黑白电影到彩色电影，观众顺着影片在电影发展的历史长河中游弋。片中还塑造了阿尔夫莱多这么一个智者与人生导师的人物形象，展示了一种人格之美。电影熏陶了这位学历不高的老人，让他对人生，对社会有着深刻的理解和洞察，托托之所以能从顽童变成著名电影导演，少不了阿尔夫莱多在生活与精神上对他的引导和帮助。“生活不像电影那么好，生活比电影苦多了”，“千万不要回来，千万不要怀乡”……阿尔夫莱多失明以后，对生活仍然充满热情与乐观，托托与他相依为命，他们之间有种甚于亲情的感情，电影是他们的感情纽带。阿尔夫莱多更是伟大的，失明的他需要托托的慰籍，可是为了托托的前程，他还是毅然要求托托离开自己，临终前也不愿把自己的死告诉托托，免得他耽搁前程。影片展现出的人格之美永远让我们铭刻在心。片子的结尾更是让人津津乐道的，作为“集锦”这种编辑手法，在这部影片中运用得合情合理，炉火纯青。这段经典片段的“集萃”更把电影推上了高潮。

昨天的影院才是天堂影院

作者：yisabeila

橘黄色的阳光、宁静的小镇、淳朴的居民、静穆矗立的天堂影院、经典爱情影片的经典接吻镜头……曼妙的音乐贯穿其中，浓郁的温情缓缓弥漫，渐渐渗入人心，渗入小镇的每个角落。这部《天堂影院》多年前我曾看过，而当它在一家小影院重映时，我毫不犹豫地买票走进影院，走进了影片那款款的柔情和橘色的暖风中。

细想想，是那影院里放映影片时闪烁的银蓝色光芒首先打动了我。小时侯，父母常带着我和姐姐到离家不远的影院去看电影。那是一家露天影院。用来投影的白色石灰墙厚重宽大，幕墙前一排排石凳整齐有序。影院每周六放一次电影。每逢此时，这里总是人山人海，热闹非凡。五分钱的票价对今天的人们而言简直不值一提，它甚至不够买盒火柴，而在十多年前，我们这个四口之家每周一齐去看场电影，也算是种比较奢侈的享受了。家里虽不富，但父母几乎每周都带我们姐妹俩去看那唯一的一场电影。那是我在小学学习了一周之后的热切企盼。那时，家中没有电视，只有靠看电影来饱眼福。光与影的幻象常常将我带入另一个时空，令我浮想联翩。常在放电影之际盯着那支银蓝色光柱傻看，奇怪那些演员是怎样从放映的小孔跑到银幕上去的；或在电影散场以后，跳上幕墙前的大舞台，去摸摸那堵厚实的石灰墙，惊诧它何以能够“变”出那么多有血有肉的人物和可歌可泣的故事……偶尔，电影不太吸引人，我就会和同龄的小伙伴们嬉戏玩耍，或在石凳的缝隙间追逐打闹，或围坐在影院一角，仰望银河，大声地数星星。玩累了，就回到父母身边打个瞌睡。待一觉醒来，发觉电影已散场，自己躺在父亲怀中，父亲抱着我，以一种摇摇晃晃的节奏，带我回家。

后来，我和姐姐上了中学，电视普及了，影院档次也节节上升，那家露天影院渐渐被废弃了；再后来，我们一步一步远离了家，各奔前程。时而成功，时而受挫，奔走在并不平坦的人生旅途上。大学期间，父母来信说，那家老影院拆了，它不存在了。

我们不能两次涉过同一条河流。那河流再温暖也已流进了岁月的深谷。只有极少的东西是永恒的。比如风可以穿透一切。风轻轻吹拂，一如当年它在影院上空缓缓徘徊，在影院的某个角落制造一个小小的气旋，将我们这群好奇的孩童招引过去，看得个个瞪大了眼，张大了嘴，不时发出咦呀的惊叹。然而时过境迁，今天，小气旋已经无法吸引我们了。我们也已经无法轻易地被吸引了。

一切都与昨天不一样了，昨天的影院才是天堂影院。

[影评]观片手记：《天堂电影院》

作者：绿茶

已经很久没看电影了。毕业后，在工作和生活的双重压力下，看电影已经成为奢侈的行为，家里没有电脑和DVD，偶尔在办公室看几部，也纯粹是为了打发无聊的时间。而电影院里的美国大片根本引起不了我的兴趣。就这样，我爱电影的热情在一天天的降温，曾经逃课躲在图书馆看电影的我，现在都不敢跟人提我还是个电影爱好者。

昨天买了《天堂电影院》，这个90年Oscar最佳外语片奖的影片原先一直想看，但不知什么原因一直拖到现在，还好现在买片子相对几年前容易多了，各音像店不知从那里搞来很多刻录的经典影片。我买的影片大部分是看过的，有些甚至不只一次，所以，今晚，首选了《天堂电影院》来看。这个影片拍摄于1988年，我看的是导演重新编排的三小时版。

1、故事

故事发生在二战期间的意大利南部小镇姜卡尔多，小镇很美，一点都看不到二战的迹象。8岁的小多多就生活在这里，小镇有座教堂，同时也是电影院，是小镇的娱乐中心。小多多喜欢到放映厅看放映师艾弗达操作放映机，搜藏他剪下来的接吻镜头的胶片。好心的艾弗达为了让更多的观众看到电影，搞了一次露天电影，结果胶片着火了，小多多把艾弗达从火海中救了出来，但艾弗达在这次意外中双目失明。

小多多成了小镇唯一会放电影的人，但艾弗达还是天天来指导和协助小多多。多多长大了，成为顶级的放映师，并且开始拍一部记录小镇生活的影片。意外的拍到银行家的女儿艾莲娜，引发了多多的爱情。短暂的爱情很快在艾莲娜父母的干预下破灭了，多多服了兵役，艾莲娜离开小镇上了大学。但多多始终没有忘记艾莲娜，四处找她，最后，在艾弗达的劝告和爱情的失意下，多多离开了小镇。

一晃三十年过去了，多多成为著名的大导演。听到艾弗达去世的消息重新回到阔别的小镇，此时，“天堂电影院”已经是一片废墟，他收到艾弗达留给他的遗物，一盘被剪下来的雷诺阿、维斯康蒂、弗立茨-朗、约翰-福特、卓别林、基顿、哈代等人的电影中接吻镜头组接起来的影片。

2、“我瞎了，但看的更清楚了”

这是电影中的一句台词。艾弗达在意外失明后依然天天来放映厅指导小多多放映，对于他来讲，放映和他的本身，他的愿望、期待存在着一种联系，他说：我感觉自己是制造快乐的人。表面上，艾弗达是一个普普通通，有些倔强有些幽默的放映师，对自己的命运和事业莫不关心，而实际上他有远大的梦想，这点从他参加考试，要拿文凭可以看出来。然而，失明夺去了他所有的梦想，他只有把希望寄托在小多多头上。

他说：“我瞎了，但看的更清楚了”。不仅表现在对放映机的熟悉程度上，更重要的是他对多多一生寄予的厚望。影片最后我们可以看到，艾弗达在多多的爱情上也做了一些手脚，他不希望多多被爱情束缚在这个小镇。他在劝多多离开小镇时说“不要在这里呆着，时间久了你会认为这里就是世界的中心”。

瞎子是电影导演惯常使用的一个角色，他们都有一个特点，对世界的认识特别清晰，对他想塑造的人产生很大的影响。这样题材的影片很多，像我们熟悉的《闻香识女人》等。

3、“生活和电影不一样

生活要难的多”。但是全片并没有刻画生活的苦难成分，也没有对二战的硝烟、贫困、落后做更多的交代。但为什么又要这么说呢？其实他想呈现的是一种特殊的生活，与电影密不可分的生活。场景是电影院，小镇的生活全部在电影院里做了交代，似乎他们的生命主题就是电影。

然而这句话让我深思，生活和电影不一样。在我们现实的生活中，电影只是很小的一个部分。美好的也好、悲伤的也好、恐怖的也好、搞笑的也好，那都是电影服务与生活的理由，导演试图通过电影把我们的生活表现出来，而不管哪种题材，对于个人的我们，都只是生活中的调剂。但假设我们拿摄象机把自己的生活完完全全的拍摄下来，自己再去看，我想每个人都会毫不犹豫的说：“生和电影不一样，生活要难的多”。

4、有点拖了

影片对多多的童年和青年表象的特别好，无论是人物和场景都刻画的特别好，简朴而有深意。唯一的败笔就是多多回乡，寻找昔日的艾莲娜那一段，个人的感情因素太多。其实在多多回乡，参加了艾弗达的葬礼，然后收到艾弗达留给他的遗物，就可以打住了。我想这也许是导演考虑到观众的“爱情”需求，用电影的手法表现爱情和现实生活中的爱情不一样，它更能在缠绵中透出另人动魄的一面。这也告诉我们，爱情永远是电影主要的素材。本片最精彩的地方应该是多多观看艾弗达留给他的遗物，电影中的接吻镜头被组接在一起，让观众产生一种怀想、沉思和感慨，显露了本片强大的魅力。

无法忘却：《天堂电影院》

来源：新浪读书   作者：caferd

　　这是一部年代久远的影片，导演是吉塞佩.托那托雷(Giuseppe Tornatore)，这部电影一举拿下了“戛纳影展评审团特别奖”、“金球奖最佳外语片”、“奥斯卡金像奖最佳外语片”等多项大奖。影片中扯动的毛线、发黄的广场街道，人们观看电影的种种情状，以及战后意大利一种萧条的气氛，营造了浓浓的怀旧和伤感的情境。

　　故事的线条相对简单，一个叫托托的小男孩天生就对电影痴迷，和一般孩子不同的是，他不仅喜欢着银幕上的五光十色，他还关注着幕后的一切。他与放映师阿尔弗雷多因此成为了一对忘年交，他们一同嘻笑玩乐，一起痛惜被神父删减的接吻镜头，一起被多多的母亲咒骂。在天堂电影院里，多多享受着别人的人生就像是在过自己的一样，他忘记了父亲的死带来的苦痛，忘记了生活中的种种艰难，多多沉迷在虚幻的世界里不能自拔。但是这样的日子没过多久，阿尔弗雷多就因为一次意外导致双目失明，于是为小镇居民放映电影变成了小托托的工作，天堂电影院的管理者也由保守的牧师变成了中了彩票的奇奇欧。

　　几年之后，多多也从一个天真的孩子变成了一个青涩的大男孩，一次他在拍摄一些镜头时无意间拍到了清丽绝俗的伊莲娜，不可救药地爱上了她！阿尔弗雷多鼓励多多去勇敢争取，多多站在女孩的窗下，任由雨打风吹，只是盼望这女孩能打开窗户，敞开心扉。伊莲娜终于被多多的痴情感动，两个人度过了一段美好的时光，但是随着多多去服兵役，多多从此再没有伊莲娜的消息，这段感情也就这样不明不白的终结了。最后多多离开了他从小生活的小镇，去实现他的梦想。阿尔弗雷多命令托托：“不准回来，不准想我们，不准回头，不准写信，不准妥协。忘了我们。如果你办不到回来了，我是不会让你进我屋子的，明白吗？”

　　三十年后，多多已经成为了著名的导演萨尔瓦迪维塔，他声音渐渐苍老，头发也已变得花白。他经常更换女人，却终究也没有结婚。在一个夜晚他接到阿尔弗雷多的死讯，刹那间他本以为早以淡忘的记忆又鲜活起来。他躺在床上，回忆着以往生活的点点滴滴，辗转难眠。第二天一早他回到了故乡，三十年后的第一次，向一位相交一生的朋友告别，向带给他无数快乐的天堂电影院告别，也向一去不回的青春年华告别。

　　电影是人生的缩影吗？阿尔弗雷多说：“人生不是电影，人生比电影苦多了！”，是的，生活比电影真实，丰富。对于多多，电影院不只是一个普通的电影院，他在这里观看第一部电影，学习放映电影，经历过电影院的毁灭和重生，在这里开始人生中第一次恋爱(对于多多来说可能也是唯一的一次)，这里是他童年、少年、青年的全部记忆，是他生活中，情感上不可分割的部分。三十年后，多多的回归是影片的一个高潮，他独自来到废弃已久的电影院，在里面行走，发呆，矗立，抚摸熟悉的物件摆设，任由思潮起伏。

　　多多回到了罗马，他独自坐在放映厅中，观看阿尔弗雷多送给他的一卷电影胶片，那是阿尔弗雷多曾答应送给他的被剪的接吻片段，三十多年之后，它们终于来到多多手中，看着银幕上一对对男女在老旧的黑白胶片里柔情缱绻，多多再也无法控制自己的情绪了，泪光在多多的眼中盘旋。是啊！多少的少年痴狂，多少的青春岁月，多少的青涩回忆，多少的人事变迁，在多多的一生中，这部接吻片段不就是全部了吗？从影片开始，到影片结束，同样的胶片，同样的镜头。可惜却早已是物事人非。

　　我看着《天堂电影院》，我的魂灵却早已神游物外，看着多多的成长，我依稀看到了过去的自己，有些记忆依旧清晰，有些却早已模糊。《天堂电影院》让我的记忆复苏，让我找到了青春的感觉，就好比我小时侯吃过的青青的苹果，那种酸酸的味道至今难忘。多多没有找到伊莲娜(听说另一个版本中是找到了)，我个人认为还是找不到的好，写到这里突然想起了《倚天屠龙记》中一句话，“真实的事，真实的人，有时侯反不如心中所想的那样好”，那个顾盼流精，巧笑嫣然的伊莲娜，那个令多多在窗下站立了100天的伊莲娜，那个在滂沱大雨中热吻多多的伊莲娜永远地消失了，但是在多多的心里她仍然一如往昔。

　　相反的如果多多找到了伊莲娜，他会不相信这就是伊莲娜，就是他日夜思念的女神。岁月对人的影响太大了，连多多自己都变了那么多，怎么能希望伊莲娜始终美丽，依旧情纯？这种打击会非常巨大，多多梦中的伊莲娜也将不复存在。这可能也是伊莲娜始终没有去找多多的主要原因，既然走不到一起，倒不如在对方心中留下一个最美的回忆。多多常常看当年为伊莲娜拍摄的影片，他的心中所想，眼中所见皆是那个美丽的姑娘。这种感情，岁月无法使之褪色，因为对于男人的一生来说，这就是完美，它来自于我们的记忆深处！

时空三部曲之《天堂电影院》

作者：Roy

可看性：****

影像品质：****

收藏价值：****

精彩瞬间：

托托在黑暗的看片室里独自观看艾弗达留给他的胶片片段，笑泪交错，百感交集。

一位著名电影导演突然接到来自家乡的电话：老艾弗达去世了。他回到分别30年的家乡小镇参加老艾弗达的葬礼，被记忆封尘的往事又渐渐浮现。

在意大利南部小镇姜卡尔多，童年的小托托不仅喜欢看电影，还喜欢看放映师艾弗达“剪”电影：在40年代的意大利小镇上，电影在放映之前都要经由牧师检查，把认为观众不宜的镜头（比如接吻戏）严格地剪掉之后，才可以放映。所以，观众每当发现接吻镜头又被删去了的时候，就会全场起哄、甚至吐口水；而放到煽情的段落，观众们又会集体嚎啕大哭，总之电影院里总是热闹非凡。

小托托把那些在转动中带来神奇影像的胶片视若珍宝，他的理想就是成为像艾弗达那样的电影放映师。不过艾弗达看到了小托托的聪慧伶俐，他认为小托托将来一定会有更远大的前程，他劝小托托离开小镇：“不要在这里呆着，时间久了你会认为这里就是世界的中心。” 而小托托还很难理解艾弗达的话，他每天来放映室跟艾弗达学习电影放映。好心的艾弗达为了让更多的观众看到电影，搞了一次露天电影，结果胶片着火了，小多多把艾弗达从火海中救了出来，但艾弗达双目失明。小多多成了小镇唯一会放电影的人，他接替艾弗达成了小镇的电影放映师。

托托渐渐长大，他爱上了银行家的女儿艾莲娜。初恋的纯洁情愫美如天堂，但是一对小情侣的海誓山盟被艾莲娜父亲的阻挠给隔断了，托托去服兵役，而艾莲娜去念大学。伤心的托托从此离开小镇，追寻自己生命中的梦想……

　    已经人过中年的托托回到家乡，又见到了当年的恋人艾莲娜，才发现当初艾弗达的苦心：当年艾莲娜的消息被艾弗达偷偷隐藏起来，他把自己难以实现的人生梦想，寄托在眼前这个英俊明媚如阳光照耀的少年身上，为了托托的前程不被爱情耽搁，他隐瞒了艾莲娜来找过托托的事。托托在影院的废墟中找到了当年艾莲娜留给自己的纸条，往事历历，人生的机缘巧合已经成为过去，更没有办法计较种种离合之间的得失。

故乡的小镇，电影已经被电视取代，昔日的电影院也已经满目破落即要被炸毁来修建停车场。小镇的人都想观看影院炸毁，新鲜好奇的年轻人和感慨惆怅的老人们聚集而来。曾经容纳小镇人们的嬉笑怒骂的天堂电影院，轰然倒塌。

托托回到城市，他打开老艾弗达留给他的礼物：一盘电影胶片，当初被删去的接吻镜头都被接在一起。当初小托托曾经那样百般企求而不得的胶片，现在老艾弗达一并送给了他，连同一些令人缅怀的记忆、一些流逝的岁月与梦想、以及那个已经过去的曾经带给人们天堂般幸福感受的电影的时代。

这是一部个人生命历程的史诗，也是一部关于电影的兴衰的史诗。托尔纳托雷自己这样说：“天堂电影院并不仅仅是间放映厅。对我来讲，这是一个奇特的、文化与社会启蒙的地方。一代意大利人曾在这里受到熏陶。我倾向于认为，电影院对一个人来讲或许可以说是一种生活目的，在影片和他本身，和他的愿望、期待之间，也许就存在一种联系。”

《天堂电影院》的长之长处与短之短处

作者：DoioD

　　几部比较经典的电影，如《美国往事》、《杀手莱昂》等都有几个长度不等的版本，《天堂电影院》也是如此， 但是对前几个的多版本的争议一般不大，而且在发行DVD时，也是只采用大家基本都赞同的那个版本，而《天堂电影院》却有些例外，这部经典之作的两个版本：

　　长版-173分钟，导演剪辑版、完整版、加长版；

　　短版-123分钟，（重剪）剧场版、国际重剪版、获奖版。

　　这两个版本都被正式发行了DVD， 原因是对两个版本的支持是各有其众，下面说说两个版本的区别和我的看法，从短版删减的部分来看，短版大约删减了50分钟。

①影片开始，成年多多驾驶着大奔在罗马街头等信号灯，旁边一辆车中的一个意大利古惑仔，对多多的没有理由的挑衅。

评述：这个场景很短，大约也就20多秒， 但却简洁明快的揭示了罗马-这个大都市的一个层面，以一种人文地理的介绍形式，使观众对主人公生活的环境有了一种快速的了解和认同，是一种很微妙的渗透和融合，也就是说导演在熟练的交代作为一个故事的几大要素中的时间、地点，也是一种常见的电影创作手法。

结论：不应该剪这是长版的可圈之笔。

②多多在电影院里铺满电影海报的地上和妓女作爱。

③串片员在串片途中的野地里与妓女作爱。

评述：这两段少儿不宜的片段拍摄的很写意，画面并非不堪入目，更多的是在表现鲁莽的青春期行为，是在丰满对角色的刻画，使人物的形象更立体感，使本片的爱情内容更真实、可信，是服务于主题的。

结论：不应该剪，这是长版的铺垫之笔。

④成年多多返家与母亲簇膝而谈，母亲说起因为等多多回家而养成了夜里长年不锁门的习惯。

评述：这是很煽情的一场精彩戏，感人肺腑的刻画了母亲对多多的慈爱，丰富了全片的故事线索和主题线索。

结论：不应该剪，这是长版的神来之笔。

⑤有关老年艾莲娜及其女儿的情节-若干段。

评述：这也是在短版中被舍弃的最长的一部分， 导演吉赛贝.托纳多雷在15周年纪念版DVD花絮中承认，最开始的剧场首映长版是有问题的， 以至于刚放映一周的时间就被迫停映，他没有确指那问题是什么，可从后来的重新剪辑的国际版的内容和获多项评奖效果来看，那个问题就出在这老年艾莲娜及其女儿的部分。中国的绘画艺术讲究留白，而自传体的艺术作品又很容易陷入漫无边际的想象的泥潭，而吉赛贝.托纳多雷关于老年艾莲娜及其女儿的部分，正是没有这种中国绘画的意境，而是画蛇添足般的累赘了。

对少年爱情经历的留恋，很多人都有，只是具体的内容有差别而已，影片中多多在回到阔别的家中，独自一人放映自己拍摄的老电影，看着昔日佳人模糊的靓影，这样的场景已经很完美了，已经是许许多多有着同样泪眼姗姗回忆的观众，所可望而不可及的，煽情已经做到了极至，这就像做画的画笔已经画到了画纸的边缘，而后来的老年艾莲娜及其女儿的情节则涂满了本该空白的地方。

结论：应该剪，这是长版的失败之笔。需要注意的是这个部分整体虽然失败，可其中亦不乏精彩的镜头，如返乡的多多找到艾莲娜的家时，在房子外面给昔日情人打电话一场的镜头处理就很耐人寻味，这样说并不是因为该镜头也得到了电影大师费里尼的赞赏。

⑥一些过场性质的镜头，如多多和小学同学走上学校台阶的镜头。

评述：这些就是被称为节奏缓慢的对象之一，从画面看不是服务于剧情和主题的，从节奏看确实是拖拉了许多，可是如果换个角度看，也许这些唠唠叨叨的痕迹才符合导演追求的叙事的、自传的效果，才有诗歌般的回忆的意境。

结论：剪与不剪不太好定论，这是长版的机动之笔，就看从哪个欣赏角度取舍了，我个人选择不剪。

结语：

　　《天堂电影院》的长版应该剪掉老年艾莲娜及其女儿的部分⑤，而短版则应该加上①②③④或者是⑥，也就是说，两个版本各有所长，也各具其短，就看你怎么欣赏了，有一点值得指出的是，导演吉赛贝.托纳多雷本人并没有明确表态喜欢那个版本， 不过根据分析各种资料，我个人的猜测是，他更倾向于173分的长版。其实，剪与不剪的理由有可能不全是从艺术的角度出发，有商业的立场，也有个人片面的观点，一个场景，有人认同，有人唏嘘；一种节奏，有的喜欢，有的厌烦，这都好象是正常的，对于《天堂电影院》的长、短版来说可能也是这样。这也许就是本片的魅力所在，很难对其简单的下结论，有着不同生活经历的观众会有不同的看法，甚至同一个人在不同的时间观看，也会有很不相同的观感，然而有一点可以确定的是：这是一部伟大的作品，是一部可以跨越语言和国界的电影经典。

《天堂电影院》8月9日重温

　　如果你心中充满哀伤或者怨恨，去看《天堂电影院》吧，如果你早已看过这部片子，那就重新再看一遍吧。

　　这是一部关于爱的影片，将近三个小时的电影会让你知道，在好莱坞之外的欧洲，真正的优秀电影是什么样子。

　　这是关于快乐的故事，这是关于成长的故事，这是关于爱情的故事，不过我更喜欢这样的评价：这是一部告诉你什么是爱的故事。

　　导演的内心是充满着爱的，你会随着故事的展开慢慢感受到他洋溢的爱意。

　　那么多的篇幅描写主人公多多的童年，其实是在展现那个在今天看来糟糕透了的时代里人们仍然可以在内心拥有的情感，这种情感只有在天堂里才会出现。不是吗，只要你心在天堂，人就在天堂。

　　难的一见的细腻，导演沉醉其中，几乎想把他内心的每一份感动都展现出来，你可以回味任何一个细节。这里面没有配角，因为生活里没有配角，每个人的一生都会精彩地展现：那个随时喊出“广场是我的”的疯子，那个让多多第一次初尝禁果的粗俗的老妓女，那个在路边享受性爱而忘记了任务的送片员，就连多多两三岁的妹妹，导演也让她在一次胶片失火的情节里令人惊讶地展现着，这里面没有一个多余的人物，虽然人物是如此繁多。

　　爱，实际上是一种心存感激。对生活，对爱情，对亲人，对帮助过你的人，对每一个带给你哪怕片刻快乐的人，甚至是伤害过你的人。

　　一切都会过去，时间会改变一切，但是记忆不会丢失，梦想不会破灭，爱从未消亡。

　　有爱，生活就是天堂。

　　所以，爱情只不过是生活里的一个梦，你在里面神魂颠倒醉生梦死，恍若世界从此改变，其实大梦醒来，一切都是原来的模佯。

　　天堂电影院在故事的最后轰然倒塌了，人们躲在漂亮舒适的房间里忧郁而孤独地享受着电视带来的垃圾文明，天堂被人们所抛弃，许多美好的东西也不再保留。

　　我们已经丢弃或遗失了太多的东西，别再把爱也丢掉。

　　记住，不开心的时侯，伤感的时侯，或者失恋的时候，一定记者去买一盘《天堂电影院》。

　　这是上帝的礼物。

天堂电影院：电影爱好者不容错过的好片

作者：姓甚名谁

　几年前，从电视上看到《天堂电影院》，当时已经放到一半了，匆匆把后面看完，没有仔细体味，但我已经知道这是个好片，并列入收藏计划。几年过去了，我又和它不期而遇。应该说，碟商有眼光，盗版商也有眼光，能把这个1989年的老片拿出来重新包装又拿来卖。

我买到的就是flyerzeng推荐的金球D9版，我有一个信念，其实说信念是夸张了点，也不过是自己买碟的准则：以音效、画面著称的大片一定要买带DTS的D9DVD，像《珍珠港》、《侏罗纪公园》等就是，有带翻译的花絮就更好了；以情节取胜的片子D5就可以满足要求了，像《美丽人生》、《辛德勒名单》就是。当然，如果你有钱，全部都买D9的都没问题。这次的《天堂电影院》我本来想买D5的，后来看到碟报通缉说D5有一个版本不好，而且我这里也没有D5的该片卖，所以最后就买了这个版本的碟。我对这张碟唯一的不满就是——没有花絮。

这张碟有个很大的特点，那就是最大限度的还原看电影的感觉。也许有人注意到了这部片子在放映时故意留出了边，但还有一个很重要的地方，影片看起来像在电影院观看的那样，有胶片的擦痕，这是其它DVD片所看不到的（枪碟除外）。当然，这些痕迹很细小，如果不注意观察看不到。由此可见制作者的苦心。

影片中有人生的经历、生活的变故、爱情的夭折、电影院中的百态，这些要么别人评论过，要么我不想多说。我只捡几个我感兴趣的说说。

在听完艾弗雷多对托托说的那个《仰慕公主的士兵》的故事，你是怎么想的呢？我当时认为，是因为士兵发现了比拥有公主更值得追求的东西，这当然不是片中的答案。后来托托告诉艾弗雷多他认为的答案，是因为士兵从来就没有想过拥有公主，而是想在她心目中永远留下自己的身影。这是不是就预示着他们爱情的夭折呢？

这部片子因为时间跨度大，而且出场人物众多，所以很多人在这部三个钟头的片中就一两个镜头就算交待过了。我想导演一定减去了很多配角的镜头，可惜没有花絮看，只好多看几遍，但总会有惊喜出现。现举几例。那不勒斯人奇奇欧是新天堂电影院的老板（天堂电影院的第一任老板不知道是谁，有可能是镇政府的，也可能是神父的），他第一次出现是在广场上，他当时在卖尼龙袜；第二次出现是他中了足球彩票，高兴得晕了过去（竟然没有人浑水摸鱼，民风真是淳朴啊）；第三次出现他已经是富人了，在天堂电影院烧毁后的废墟前。后面他的镜头颇多，就不说了。还有总在电影院睡觉的大叔，他被人作弄后总是说同样的话，后来在新电影院不睡觉了，但对看了几遍的感人电影背台词，连FINE都背出来，真的很好笑。还有总坐在二楼前排朝下吐口水（小朋友不要学）的大叔，管理电影院的大叔，……他们的镜头都很耐人寻味。片中的人生百态，有没有引起你的共鸣和回忆呢？看到课堂上考九九表，考场上丢小纸条，有没有让你想起轻狂的少年时代？

想想自己也看了几部意大利片了，感觉他们的男孩性欲特强。《玛莲娜》里主角竟然因为欲火焚身而生病，你能想象自己身边有那个同龄人为此而生病上不了学？最后还是在父亲带领下到妓院解决了第一次。而本片的男主角第一炮也没有给心爱的女友（那时候还不认识），而是给了在电影院出没的妓女。看来意大利的妓女任重而道远啊，教导意大利男人的第一次就靠你们了，这关系到他们以后的性生活是否幸福，第一次真的很重要。男主角因为不能忘记女主角而三十年不结婚（还不能说独身），但正常的性生活不断，他们把性、爱分离得还真彻底啊。

托托的少年、青年、老年分别由三个演员来拍，虽然面貌不是很像，但神态却有点像。少年托托好可爱啊，特别是他的尖嘴。当然，老年托托的扮演者与前两者的差别是最大的了，但导演先让他在黑暗中出场，由他来主导，过渡就显得自然多了。但我觉得他和福山雅治倒是很像。

最后，天堂电影院被定点爆破了，一些人围着看。里面有很多熟悉的面孔。其中，老一辈的人是缅怀在其中度过的快乐时光，而年轻一辈的只不过是来看热闹的。天堂电影院像电影的黄金时代一样成为了过去，但美好的回忆并没有被带走，它将陪伴我们度过一生。

在看电影的过程中，我两次盈眶：一次是托托再次回到故乡，母亲带他到回忆的小屋，当主旋律响起，看着那些充满回忆的物品，我就忍不住了；还有就是在最后的接吻集锦那里，看到那些黑白的，磨损程度不同的接吻镜头，充满荧幕的是艾弗雷多对托托的爱。

喜欢意大利片，因为它拍得很艺术，很生活，很幽默，很耐看，也很值得收藏看了意大利影片，你会觉得，这就是西西里文化，这就是意大利人。

追忆美丽：托纳托雷作品三部

　　朱塞佩。托纳托雷（Giuseppe Tornatore）被誉为意大利写实主义新锐导演，于1956年5月27日出生于意大利的西西里岛。托纳托雷生平最为大家熟知的作品有三部，分别为：《天堂电影园》、《海上钢琴师》和《马莲娜》。

　　《天堂电影园》

　　（《Nuovo Cinema Paradiso》，1988年，也译作“新天堂乐园”、“星光伴我心”）

　　那是发生在托纳托雷的故乡西西里岛的故事。天堂电影院是就像是小小的西西里岛上的文化中心，电影成了大部分居民们的精神食粮。

　　托纳托雷对电影的热爱在《天堂电影院》中一览无余，他用自己的思想自然而然地在影片中堆积起了一个小男孩——多多的形象。

　　是电影伴随着多多渐渐长大，成了多多生活中不可缺的一部分，聪明调皮的他还和岛上唯一的放映师艾费多成了忘年交。

　　完成这部电影的时候是1988年，托纳托雷32岁。他就像是在拍自己的生活，把自己对电影的一腔热情在《天堂电影院》中淋漓尽致地表现了出来，同时表现得又是那么自然、朴素，如同宁静的西西里岛，平淡中直白地透露出真实的美丽。

　　电影画面虽然跟华丽沾不上边，但体现出了一种自然清新的美，并不平凡。大海、海鸥、临海宽阔的街道；深蓝的夜、透明的雨、夜雨中守望情人的男孩，处处让人感觉清风拂面般舒畅的感觉。

　　多多长大成青年的时候，影片中穿插了一小段忧伤的爱情故事。这是在《天堂电影院》中我很喜欢的一段情节，是多多短暂的初恋。一种青春岁月的纯真令我瞬间被吸引，然后在感动之余，还略微带一丝心虚。这段恋情没有结局，至于为什么，片中也没有表示出明确的原因，但是过程的醉人的。几十年后，年老的多多心中最为牵挂的不正是这段忧伤但是美丽的过程吗？爱情在人生中的所占的分量很重，一旦拥有了就无法再承载更多，除非抛却手中的拥有。多多的心中从来没有抛下过这份爱情，以至于他后来的生活中没有一个女人能够长久地待在他身边。

　　导演寥寥几笔就把这段情节刻画地童话般美丽，在佩服他拍电影的高水平同时也让我更深层次地了解了导演在拍电影时的所付出的感情。

　　世上有一种人，他能把生命中曾经失去的美丽转化为一卷无影无形的胶片珍藏在心中，如酒一般越存越醇，回忆起来也更加清晰。托纳托雷便是这样的人，不然他拍不出《天堂电影院》这样干净的电影。影片的最后，多多一个人坐在空旷的放映厅里看着旧日被减掉的电影胶片——那些在多多小时侯艾费多曾经答应过送给多多并替他保存的胶片，当银幕上掠过那断断续续的黑白画面，我仿佛也随着多多开始回忆，微笑、哭泣……

　　人的一生所得有限，时刻准备将回忆填满美丽是聪明之举。天堂电影院被拆了，你心中的天堂会被拆吗？

　　可以说《天堂电影院》在各方面都是成功的，意大利配乐大师颜尼欧。莫里克奈（Ennio Morricone）为本片所作的音乐也与影片整体风格配合地很默契。唯一令我觉得不够好的是演员的选择，我主要是想说青年多多的扮演者，那张脸我不喜欢，这是我这样一个完美主义者所不能将就着接受的。不过每个人的审美观不一样，也许，你会喜欢那张脸也不一定。

　　《海上钢琴师》

　　（《The Legend Of 1900》，1998年，也译作“声光伴我飞”）

　　很难把这部作品和《天堂电影院》联系到一起。

　　《海上钢琴师》讲述了一个天才钢琴师从出生到死亡始终没有踏上过陆地的传奇故事。

　　在这部影片里，托纳托雷开始营造一种不同于《天堂电影院》的美，试图用鲜艳浓重的色彩先给观众带来快意的视觉冲击，然后吸引观众走进色彩的深处的故事。

　　主人公1900是个被遗弃在来往于欧美大陆之间的维吉尼亚号巨轮上的男婴。他被船上的黑人劳工意外发现并抚养长大。

　　他没有生活在复杂的社会，因此他与生俱来的音乐灵感源源不断。

　　艺术的天才与现实生活格格不入，只有在自己有限的世界中无限的徜徉，旁人难以理解。

　　在1900面临死亡之前的神情中我看到他并不惧怕死亡，甚至认为死亡带给他一份特别的归属感而感到安心，但是我还从他海一般蓝色的眼睛里看到一丝期盼，仅有的一丝，期盼有人的理解。

　　可惜没有……

　　以至于最后连那一丝期盼化为落寞，便索性将所有的感情融入忘我的音乐里。我想这也是每个执着于艺术的人所拥有的感受，忧郁与孤独。

　　相比情节来说，影片处处力求精致的视听效果做得过于浮华了些，这让很多原本很喜欢《天堂电影院》朴素风格的人有些失望。

　　有些人能够在一部在视听表现力都很平凡甚至差劲的电影中看出影片的内涵，我觉得这些人很有本事；其实更有本事的是那些能够透过缤纷华丽的色彩看到影片内涵的人。不光是看电影。

　　不过《海上钢琴师》的情节确实显得有些薄弱，尤其是在华丽的声光包围之下。而且我认为这部影片完全是凭托纳托雷多年拍电影的经验所创造的成果，内容却纯属虚构，因此感情处理地不够自然，影片从头到尾都明显感觉是刻意安排好的，不够感人。

　　主人公1900的扮演者是蒂姆。罗斯（Tim Roth），总觉得演一个27岁的青年，蒂姆。罗斯显得有些老了。演技不错，但演技盖过了感情，我们只看到他出色的演技，看不出他要表达的感情。

　　托纳托雷就应该是拍《天堂电影院》这样的电影，就好象吕克贝松就应该拍《碧海蓝天》这样的电影一样。吕克贝松后来拍的诸如《第五元素》、《圣女贞德》等都是杰作，但是风格大变，好象见了一位久未谋面的老朋友结果他的改变却令你大跌眼镜。我们会选择新朋友，但我们心中是想念老朋友的，不希望老朋友也变成新朋友。

　　《玛莲娜》

　　（《Malena》，2000年，也译作“西西里的美丽传说”、“真爱伴我行”）

　　不管托纳托雷的前一作《海上钢琴师》在外界口碑如何，我相信托纳托雷自己对那部作品不会很满意，因为《玛莲娜》又回到了《天堂电影院》的风格，故事发生的地点也回到了西西里岛。我们似乎又能感受到地中海沿岸的阵阵海风了。

　　音乐也和《天堂电影院》如出一辙，这两部作品太多地方相像了，以至于我现在回想起一些细节时分不清到底是出自哪部影片中的了。

　　自从玛莲娜来到西西里岛，她就成了岛上男人们心中最美丽的风景。

　　影片再一次以一个小孩子的视觉展开。正处于青春期的13岁男孩维利图和镇上几乎所有的男人一样，自从看了玛莲娜第一眼就被她深深地吸引了。从最初单单生理上的冲动到后来心理渐渐成熟，最终知道自己想要什么，什么是可以长久的，什么是转瞬之间便会失去的。托纳托雷又将我们青春的回忆潮水一般带出。

　　但是这部影片除了追忆还着重讲述了美丽的玛莲娜在西西里岛的遭遇。男人们迷恋的只是她惹火的身材，女人们对她除了嫉妒什么都没有，结果孤立的玛莲娜被迫沦为妓女。男人们当然希望这样，女人们也更可以因此有理由唾弃她。两种不同的丑恶嘴脸让人心里无法平静，感触颇多。

　　影片的最后，玛莲娜受尽折磨但依然活了下来，但是再也没有当初那般美丽了。托纳托雷很现实地告诉我们世事残酷的一面，比如美丽的短暂。

　　《玛莲娜》是托纳托雷最为成熟的一部作品。视觉效果相当出色，不像《海上钢琴师》那般过于华丽，而是恰倒好处地把美给体现了出来。玛莲娜独自一人在房间里伴着音乐跳舞那一段让人回味无穷。音乐方面依然是由托纳托雷的老搭档颜尼欧。莫里克奈负责，秉承了《天堂电影院》悠远绵长的感觉。　　　　　　　　　　　

　　后话：三部作品最终都是以“回归”的形式结束，我就自做主张把它们称为回归系列三部曲。虽然《玛莲娜》在很多地方和《天堂电影院》风格很像，托纳托雷拍电影的经验也越来越娴熟，但是我还是认为《天堂电影院》表现得最为自然，不是因为拍摄手法高明，可以说成是里面蕴涵着一种灵感的火花，不是单纯的技术所能够超越的。而《海上钢琴师》更像是一部尝试拓宽自己电影风格的作品。

　　总体来讲，我依次喜欢的是《玛莲娜》、《天堂电影院》、《海上钢琴师》。　　

失去的和占有的

作者：ixiaopu

　　《天堂电影院》是一部广受好评的电影。很多电影从业者和业余爱好者都称赞这部电影引起了他们的共鸣。所谓的“共鸣”指的是人人心中的占有欲和无法占有时产生的失落感。《天堂电影院》赚来的眼泪的背后，是朱塞佩．托尔纳托雷沾沾自喜的胜利者姿态和自卑的观众对胜利者的认同。

　　《天堂电影院》是一个情感大拼盘，人对电影的情感，人与人之间的情感。两种情感都有着相同的表现方式：失落和感动。在这部电影里，失落意味着失去，感动意味着失去之后的重新占有。

　　人的本性注定人产生了情感，就会产生强烈的占有欲。《天堂电影院》向我们展示的第一种情感，是托托对电影的迷恋。但是电影是一种无法彻底被人占有的东西。何种程度的占有可以称为完全占有了电影？即使把一部电影的胶片压在枕头下，也不能说占有了这部电影。欣赏电影的过程才是占有电影，但这种占有无法持续。造成了每一个迷恋电影人的失落。托托对电影的感情正是这样的。

　　影片开始，成年的托托带给我们的感觉是失落。这是一个已经功成名就的导演的失落。可以说，他已经在最大程度上占有了电影，他满意了吗？没有。他看上去还不如童年时代买票看电影的自己快乐。童年时代的他向往占有电影，成年的他不仅没有完全占有电影，还失去了对占有电影的向往。所以他会失落。托托的成长历程是他不断的靠近“占有电影”这个目标的过程。影片一开始展现给我们的，是已经失去了目标的托托?/p>

　　人情方面，托托失去的更多。回到豪华却冷冰冰的家（事业）里，一个半睡半醒、正脸都没露的女人（爱情）告诉他，母亲（亲情）从他已经三十年没有回去的故乡（乡情）打来电话说，一个故人（友情）死了。一瞬间，我们明白，托托已经失去了一切。于是他开始了从失去到重新占有的旅程。

　　托托每成功的重新占有一样东西，观众的眼泪就会掉一次。直到影片结尾，托托重新占有了每一样东西，且占有的超过了预先的期望，观众的眼泪更是痛痛快快毫不犹豫地流了下来。此时的“共鸣”已经超出了真实的范围，而成了一种圆梦的幻觉.?/p>

　　托托重新占有的第一样东西，是母爱。回忆的部分里，托托的父亲死于战争，母亲态度粗暴。成年托托回到故乡后，母亲告诉了他一段他以前从不知道的历史。托托这才突然发现，原来母亲一直都在关心着他。在这一点上，托托打了个出人意料的胜仗。

　　接下来，托托重新占有了第二样东西，对故乡的感情。这个被认为没有出路，能勾起他痛苦回忆，令他三十年都不愿回来的地方，在成年托托看来已经没那么面目可憎。最能代表故乡的建筑——天堂电影院勾起了托托很多童年时代的美好回忆。当它被拆毁时，托托的记忆也被埋在了废墟下。尽管天堂电影院不复存在，但托托却找回了对故乡的眷恋?

　　爱情是影片中比较复杂的一个问题。目前发行的导演版DVD，比影院公映的版本多了三十分钟。这三十分钟的内容就是托托重新占有了爱情。托托失去爱情是整部电影的重头戏之一，当托托与艾列娜失散时，电影院里放映的是安东尼奥尼的《喊叫》。《喊叫》是一部什么样的电影？是一部主人公失去了一切的电影。这三十分钟里，托托得知，事实是艾列娜当时并没有背叛他，并且现在仍在爱着他?

　　最后是全片的高潮，也是最被人们津津乐道的场面，成年托托独自坐在大银幕前，看着阿尔夫雷多留下的，本以为早已为被丢弃的接吻镜头。而且这些经典老片中的镜头被接在一起，成了一部阿尔夫雷多留给托托的电影。这是影片中最激动人心的一幕，也是最令人作呕的一幕。接吻电影本身是动人的，但托托却借着这部完美无暇的纯洁的电影完成了他成为胜利者的使命。这个场景的意义是双重的。首先，托托进一步确认自己占有了阿尔夫雷多的友情。更重要的是，托托重新占有了对电影的感情。两个互相包容的占有叠加在一起，产生了奇迹般的力量。

　　电影交给了观众一份满意的答卷，托托取得了全面的胜利。这时我们再来回顾整部电影，电影的视点是成年托托的视点。成年托托在影片结束前尽管没有成为一个全面的胜利者，但一直是以失意的胜利者姿态出现的。所有的情感都是从一个人（托托）的角度，以极其个人化的方式表现的。尽管其他人的情感也与托托联系在一起，但对于这部电影来说都无关紧要。一切情感最终都落实在托托个人的占有上。

　　《天堂电影院》充满了失去和占有。失去是突出占有的手段。整部《天堂电影院》的核心就是——占有。

　　如果说《天堂电影院》还在某种程度上真实再现了现实中的情感，所以还有一定价值的话，托尔纳托雷的另外几部作品则完全可以说是利用失去和占有的游戏玩弄观众的感情。

　　我看过的托尔纳托雷的作品共有四部，都以煽情为卖点。除了《天堂电影院》，还有《星探》、《1900传奇》（又译《海上钢琴师》）、《玛莱娜》（又译《西西里岛的美丽传说》）。不难发现，每部影片都有一个人物明确的占据着作品第一人称的位置。这个人物不仅起到了叙述者的作用，同时也是观众情感的承载体。观众被迫与这个人物共喜共悲，很难再进入其他任何一个人物的情感世界。

《星探》在情节和人物设置上都与费里尼的《道路》极其相似，我们姑且不谈。

　　《1900传奇》讲述了一个终生生活在大海上，从未登上陆地的钢琴天才的故事。本来这个名叫1900的钢琴师完全有能力成为独立支撑整部影片的人物，托尔纳托雷却非常人为的加入了一个自称为“我”的叙述者。为什么？说白了，1900是个失败者，他不能承载观众的情感。尽管他有着无与伦比的钢琴天赋，但当他面对庸俗的人类社会，面对没有疆界的空间时，他成了彻底的无能者。无能到了宁可选择死亡的地步。于是在这个时候，“我”以救世主的姿态出现了。“我”是谁？“我”就是观众。当“我”去拯救一个陷入困境的天才时，每个在潜意识中已经默认了“自己是平庸的”这个事实的观众都体会到了无限的快感。当拯救失败时，观众体会到的是“我”的惋惜和悲伤，却体会不到1900此时面对死亡的绝望。1900的存在，对观众意味着占有友情（而且是来自于天才的友情）；1900的死，对观众意味着失去友情（所以才会伤感）。

　　《玛莱娜》，重复了暗恋的主题，同样在谈论失去的和占有的。这部影片中，占有表现得并不明确，但仍掩饰不住托尔纳托雷作品中一贯的优越感。每一次历史变故，都给玛莱娜带来了深重的灾难，却对“我”几乎没有任何影响。“我”与玛莱娜的关系，仍是一种拯救与被拯救的关系。只不过“我”因为年龄的缘故，不具备拯救玛莱娜的能力。影片每每即将进入玛莱娜的内心世界时，总被“我”的画外音和面部表情特写无情打断。于是观众积累的情感马上转移了地点。影片结尾的独白是全片最煽情的地方，也是托尔纳托雷终于按捺不住，赤裸裸的说出了自己心里话的地方。这个沉默了大半个电影的叙述者终于露面了，一个因为年龄原因无法拯救玛莱娜的小孩，摇身一变成了饱经沧桑的成熟男人。有意味的是，故事的观察者的形态是个孩子，叙述者的形态却是个成年男子。这暗示了什么？这分明是在说，“我”完全有能力占有玛莱娜。分析这一段独白，可以发现，“我”失去了玛莱娜，但她无非是“我”占有的众多女人的一个比较特别的同类?

　　托尔纳托雷的以上两部电影都是站在优越者的立场上，以旁观者的角度审视其他弱者，对他们付诸无关痛痒的同情和惋惜。

　　我个人对这四部作品的态度是，感性上喜爱，理性上排斥。我喜欢它们，但我是在用我人性中阴暗和懦弱的一面来喜欢它们。这就是托尔纳托雷带给我们的“享受”。他的镜头语言无可挑剔，但掩饰不了内容的虚伪和做作?

　　托尔纳托雷可能在未来的几十年里仍会是一个活跃世界影坛的电影工作者，但他注定无法成为电影大师。

《天堂电影院》：全世界一起怀旧

作者：飞狼

　　《天堂电影院》是意大利新写实主义导演朱塞佩·托纳托雷（Giuseppe Tornatore）的回家三部曲之一，另两部为《海上钢琴师》（The Legend of 1900，1998）和《玛莲娜》（Malena，2000），这部电影使托纳托雷名扬天下。《天堂电影院》为托纳托雷的自传体电影，我们可以从影片中体会到他浓浓的怀旧情绪，而这份情绪中饱含了他对日渐远去的纯真与和谐的眷恋，以及对意大利人文文化、西西里风土人情和电影艺术的热爱。更难得的是，托纳托雷用电影技术将这份怀旧与世界共享，让全世界一起怀旧。

一、缓缓流动的音乐

影片其实是从音乐开始的，我们尚不知道银幕上那个面向大海的阳台属于何方时，轻柔舒缓的音乐已然响起，这就是影片的主题音乐，它非常简单，有点象广播里散文诗的配乐，也好像乡间的潺潺流水叮咚作响，即使你五音不全，也能知道音乐里藏着什么，那就是怀旧，它一开始便抓着你去想昨天的事。

如果把这部电影比喻成一条记忆的河流，那么它的主题音乐就好像流水的声音。这部电影的音乐是非常成功的，成了影片的标志，就好像《教父》的音乐，你听过一遍后，决不会以为是《音乐之声》，当你隔了若干年后再听到这旋律，你会眼前一亮——哦，来自天堂的音乐。

本片音乐的另一部分来自戏中戏的音乐，那些老片的配乐穿插在主旋律中，将怀旧的情绪推向更远更深的地方。音乐有一处变奏，就是主人公多多服兵役的桥段，原本舒缓的旋律变成了进行曲，和着多多躁动不安的心绪。

在音乐中怀旧，记忆流动不止。

二、朴实自然的结构

母亲打电话给三十年不曾回家的多多，为的是告诉她，小镇上的放映员艾佛特去世了，明天要举办葬礼。已是著名导演的多多躺在床上，久久不能成眠，往事好像老电影一般一幕一幕浮现在眼前……

　    从童年的多多开始回忆，然后是青年的多多，直到多多离开小镇，回忆结束，闪回到现实，多多坐飞机回到了小镇。这就是影片叙事结构的骨干，需要说明的是，回忆部分一直如流水般发展，没有一次闪回到现实。影片选择简单自然的叙事结构目的昭然，回忆往事时，人们往往选择一个安静之处，不希望被打扰，记忆最深处的碎片很轻，也很乱，需要慢慢梳理。为了将影片的各个环节处理得自然流畅，影片制作者用了蒙太奇的技术，比如中年多多躺在床上回忆时，海风吹到屋内，屋内的风铃叮当作响，这时镜头一转，闪回到童年多多，他在教堂里睡觉，手里拿着祭司用的摇铃，比如艾佛特的手抚在童年多多的脸上，再展开时，多多已经长大。

在叙事的主干上还生了几个生动的枝条，与主干相映成趣。比如艾佛特仿佛象征着电影的发展历程，他从默片时代就开始在电影院放片子，当他和多多相处最快乐的时候，恰恰也是人们最热爱电影的时光，当他在大火中失明，多多替代了他，继续为人们制造快乐，穿插期间的电影也在向我们展示着电影在技术、形势和内容方面的的发展（比如胶片的发展，比如吻戏被删到色情片，比如从黑白片到彩色片等等），当多多陷入情网，电视诞生了，开始对电影院悄然发起进攻，艾佛特离世后，天堂电影院被炸毁，那似乎象征着一个时代的结束，电影不再是人们生活的重要部分。比如母亲和多多的情感历程，父亲和电影是母子情感发展的影响因素，母子由互相不理解发展到心灵相通，那个镜头还记得吧，老迈的母亲正在屋里打毛衣，门铃响了，母亲自言自语道：是多多，我知道一定是多多。镜头切换，母子在门口相拥。再比如，战争对人们的影响，影片是通过播放的电影和一些小事件来述说的，不露痕迹，播放正片前插播的政治新闻和死亡军人公告、多多的一个同学离开小镇去德国、母子去办理军人家属抚恤金手续等等，艾佛特说“小时生长在战争中，现在长大了仍是活在战争中”，新天堂电影院老板奇奇欧说“怎么搞的，又没有死人！日子要快乐地过下去啊”。

朴实自然的叙事结构便于怀旧，朴实自然却不乏生动。

三、生动有趣的细节

这是本片最吸引人的地方，也是最令人怀旧的地方。在回忆的部分，影片仿佛是一盏中国古代的宫灯，在舒缓的音乐中慢慢转动着，我们看着宫灯里面的图片，看着看灯的人群，思绪慢慢飞到了昨天。有很多地方，因为年龄和经验问题，我们不能真正和影片制作者心有灵犀拈花一笑，但我们同样会笑，我们会从中找到我们会心之处。

比如影台词。童年多多在家里把玩积攒的电影胶片，看一张念句电影台词，“软弱不忠的狗不中用”，“肮脏者，不准碰金子”，“黑心猪，别来烦我，否则我打爆你的头”，艾佛特也总是用电影台词跟多多对话，以至于多多有时搞不清哪句是台词哪句是艾佛特自己的话，最有趣的是影片中的一个大胡子在看一部煽情片时，总在主角之前准确无误地念出台词，而且声泪俱下，练片尾的FINE也不放过，这些细节让我想起小时候跟哥哥姐姐比试电影台词的情景，也让我想起幼时跟伙伴玩战斗游戏时常说的台词，“为了新中国，向我开炮！”，“让革命骑上大马，前进！”，“同志，这是我的党费……”。台词不同，感觉是相同的。

比如天堂里的芸芸众生相。这是最有趣的地方了。那个疯子总在最恰当的时候喊出“广场是我的！”这句经典台词。一个大胡子去电影院就是为了睡觉，被调皮的孩子一起拍掌、往嘴里塞虫子惊醒后，一字不差地要喊这句——“谁干的？我要把你们剁成肉酱，你们等着瞧！”（他让我想起我老爸，看电影时也爱睡觉，一旦被惊醒总是打个惊天动地的喷嚏，姐姐常说，即使坐在最后一排她也能凭着这个如雷贯耳的喷嚏准确判断出老爸在电影院的方位。）。还有个歪嘴家伙特逗，看到吻戏被删非常气愤，“二十年看电影没有一次吻戏，何时才有啊？”，当人们在焦急等待一部电影的下集时，他又站在高处要给大家介绍下集剧情，结果被狂扁（呵呵，想起大学时某位同学也试图这么干，结果被我们用刚刚摸了臭球袜的手给硬生生堵住。）。有个眼镜总是面无表情地坐在二楼，每当人们看得入迷时，这厮就向楼下吐痰，好像他看电影就是为了干这个似的，若干年后他的恶行遭到了报应，被一包烂泥糊了满脸（小时候我们不这么下作，一般是从楼上往下扔块石头，然后跑掉，没眼镜这么沉着）。有个家伙被人举报，一部电影他竟然看了十遍！（想起高中时看《霹雳舞》，第一场是学校包场，看完后和同学一起藏在厕所里又蹭了两场，看不够啊。）还有那个神父，他大喊道：“我不看色情片！”，其实每部电影被删的爱情戏他从来都没错过，他是提前审查，后来换了老板他就没这权利了。（裸戏被删让我想起看那部《望乡》，呵呵，虽然没删，却打了很多“绷带”，一部苏联电影有个细节，女大夫为了避免男战士们染病，勒令他们脱光，白花花一片屁股，我笑得前仰后合，哥哥一脸严肃喝令姐姐闭眼，呵呵。）在天堂里，连死亡都成了幽默，当银幕上的战士冲着镜头开枪扫射时，前排一个瘦老头真的应声倒下，镜头一转，他的座位上摆放了一束鲜花，在电影中死去，在天堂里死去，他死得如此快乐。当人们等一部电影的下集等得不耐烦时，一个手拿拐棍的白发老头站在二楼教父一般威胁老板奇奇欧：“我丢下老婆一人卧病在床，而我什么也没看到，十分钟内不放映，把钱还来大家散场，否则，我把这儿拆了！”整个一个黑社会老大的派头，呵呵。（等待电影的事我小时经常遇到，有时是停电，几百号人在黑暗里等待，有时也是等另一个影院的下集拷贝，那份焦急就是百爪挠心的感觉。）

说到人物，我觉得配角都很出色，主角我喜欢童年和青年多多，尤其是童年多多的扮演者，笑起来有时很像方超。艾佛特的扮演者很象老了的《老枪》男主角，呵呵，表演自然到位。

四、如幻如真的场景

其实本片的场景比较简单，大部分都是在天堂电影院和放映间里，偶尔穿插了广场、学校和家庭场景。所以说它如幻如真，并不是说电影的场景多么考究豪华，而是那些场景使人触景生情，恍然回到了昨天。

天堂电影院一楼后面的墙壁上，嵌了一个狮子，狮子的大口就是放映间向外投幕的窗口。这个场景让我想起小时候那个工人文化宫，基本上差不多的结构，每当买的票靠后，就会接近那个放映口。那个小窗口总是让我想起电影《董存瑞》里的那个机枪口，于是总会跟伙伴溜到那里往里窥探，有时也表演一下黄继光堵枪眼。

片中经常有孩子们或是跑来跑去或是坐在第一排聚精会神看电影的场景，那是电影院里一道独特的风景线啊，相信很多人看了都会想起自己的童年以及童年看电影的故事。我想起上小学时跟伙伴逃课看电影的一件事，那个片子叫《勇敢的米哈伊》，银幕很宽，我们坐在第一排，看电影时不得不尽力向后仰着，还要左右摇摆，不然就只能看到局部，看完以后脖子生疼，真是痛并快乐着啊。

影片有一处场景非常感人。银幕上一会儿放着恐怖片，一会儿放着卓别林的喜剧片，天堂里的观众也是一会儿两眼发直，一会儿前仰后合，镜头有时是移动的，从一张张生动的脸上扫过去，于是会给个中长镜头。这场景是多么熟悉啊，小时候看电影就好像过节似的，男女老幼拖家带口聚集在文化宫里看一部片子，同喜同悲。我还记得小时看过一个立体电影，大家都带着眼镜看，看到一半时，我不经意间回头，看到一大片人在黑暗中带着白眼镜，哇，太壮观了，也吓得我差点惊叫起来。那时候看电影象是一种集会，非常热闹，那样的情景再也不会回来了。

这部片子里穿插了十几部老电影，我只认得卓别林的片子，但这并不妨碍什么，我能想到熟悉这些片子的观众在重温旧片时心中那份感动和快乐，那种感觉就好像我们在重温自己看过的老电影一样，你会看着那些镜头，不时会心一笑。

影片还安排了两处生动感人的露天电影的场景。艾佛特为了给大家制造快乐，把电影投到大楼的墙上，人们站在广场上，快乐地看着爱情电影。正看着，一个人推开了阳台的门走了出来，他扭头看了看墙，才发现自己走到了电影里，这是多么温馨浪漫的场景啊，虽然他最后在口哨中灰溜溜回到屋里。还有一处是多多去郊外放露天电影，人们或是坐在简陋的座椅上，或是站在小船里，呼吸着夜晚的空气，看着银幕上播放的电影，当播放喜剧片时，人们笑得前仰后合，结果有七八个人从一排椅子上仰了过去，一个傻笑子从船上宰到了水里，突然间下起暴雨，人们开始狼奔豕突。小时候跟父母生活在黑龙江的兵团，我还清楚记得我家住在二师十五团工业四连，其实就是一个小村子，那时没有文化宫，只能露天看电影。二十四连靠近林场，家家门口都堆放着上好的木头，请团里来放电影就用木头。离工业四连最近的是六连，那个村子比较富裕，经常放电影，于是，我们四连的孩子经常吃了晚饭结队去那里看电影。露天电影一般在夏天放，等看完回来，已是星月当空。和伙伴一路打闹着，谈论着电影，耳畔是是流水蛙鸣，眼前有一片片飞来飞去的萤火虫，这情景当时并不觉得怎样，现在回想起来，那是多么温馨美好的一幕啊。那些美丽的时光，美丽的往事，流水一般过去了，不经意间就会慢慢从记忆中消失，是这部《天堂电影院》让我重新找回了这些记忆的碎片，在怀旧中享受着那些时光，那些往事。

《天堂电影院》是一部好电影，它令你怀旧，虽然会有些许感伤，但快乐更多。什么电影能让全世界一起怀旧？就是它，《天堂电影院》。只是，它属于有旧可怀的人，那些在电视陪伴下出生的孩子们，不会因它而怀旧的，因为，电影的天堂早就陷落了。

◎片　　名　The Elephant Man
◎中文　名　象人
◎年　　代　1980
◎国　　家　美国/英国
◎类　　别　剧情
◎语　　言　英语
◎字　　幕　中文
◎IMDB评分　8.3/10 (25,374 votes)   top 250: #91 最新排名
◎IMDB链接　http://us.imdb.com/title/tt0080678/
◎文件格式　RMVB
◎视频尺寸　704 x 288
◎文件大小　2CD
◎片　　长　123m 26s
◎导　　演　大卫·林奇 David Lynch
◎主　　演　安东尼·霍普金斯 Anthony Hopkins
　　　　　　约翰·赫特 John Hurt
　　　　　　安妮·班克罗夫特 Anne Bancroft
　　　　　　约翰·吉尔古德 John Gielgud
　　　　　　温迪·希勒 Wendy Hiller
　　　　　　弗雷迪·琼斯 Freddie Jones
　　　　　　Michael Elphick

　　　　　　
◎简　　介　
　　维多利亚时代，一名英国医生在马戏团发现了一个头部畸型的象人，受尽不人道的待遇，于是将其带回医院作研究。不料马戏班主带人又将象人抢去，到欧洲各地巡回展出，幸得团中其它畸型人暗中他救回英国，终于使他体验到人间的温暖。
　　此片取材于真实的医疗档案，所以特别着重时代气氛的重现。摄影美术与化妆也均有一流水准，故事的发展流畅，演出动人，而且籍医生与群众的行为检讨了人类对 “道德”和 “正义”的标准。

一句话评论：
I am not an animal! I am a human being! I...am...a man!

幕后制作：
本片特别着重时代气氛的重现，摄影美工与化妆均有一流水准，故事发展流畅，表演感人，生动地探讨了人类对道德和正义的标准。这是林奇的第一部主流影片。

精彩瞬间：

    影片结尾，象人已经不再是影片开始时候鲁钝痴呆的样子了，虽然形象依旧，但内心世界已经具有甚至比普通人更强烈的情感。无法象普通人一样活着，那他宁可象普通人一样死去，死亡是他和普通人一样具有的权利和尊严。

    特维拉医生在展览会上，发现了一个严重畸形的人，马戏班的老板拜斯用他长得象大象的特点来招揽生意。特维拉找到拜斯，给了他些钱，借用象人来作为医学研究。

    在医学界的研讨会上，特维拉把象人展示给了同行的医生们观看。然后，又把象人送还给了拜斯。一天，跟象人一起的一个小孩跑来找特维拉，请求他救助象人。原来，拜斯经常虐待象人，并凶残的打他。

    特维拉强行把生病的象人，从拜斯那里带到好友卡尔的医院里的隔离病房。为了让卡尔能留下象人，特维拉教象人过正常人的生活，并教他背诵《圣经》里的句子给卡尔听。卡尔听了象人鹦鹉学舌般的诗句后，走到门外，告诉特维拉他不能留下象人。这时，房间里传出来象人虔诚而熟练的背诵《圣经》里的语句的声音，卡尔听了大受感动，答应特维拉他去说服董事会，让象人留下来。

    特维拉带象人回家做客，妻子安妮没有被象人畸形的外表吓着，热情的接待了他，象人第一次感觉到了做人的尊严，他泪流满面的观看了特维拉一家的照片，并拿出了他漂亮母亲的照片给安妮看。

    回到医院里，象人请求特维拉医治好他那硕大的脑袋，他想象常人一样平躺着睡觉。一位著名的舞台演员肯德夫人，被象人的事情感动，到象人的房间里看望了他，还送给象人她自己的照片，并亲吻了象人。自肯德夫人以后，很多名流都赶时髦一样来看望象人，送给他礼物，象人也陶醉其中。

    在医院的董事会上，几个董事坚决不同意把象人留下来，局面僵持不下时，威尔士公主及时到来，她带来了女王感谢医院帮助象人的信件，大家最后全体举手通过了让象人留下来提议。

    象人兴奋的在房间里玩弄女王送给他的化装盒时，医院里烧锅炉的人带着一伙人到象人的房间里观看他，并拿出镜子让象人看自己的长相。象人看了镜子中自己的相貌后，恐惧的尖叫起来。这伙人离开不久，拜斯到医院里带走了象人。

    不久，象人在另一个地方出现在马戏班里，拜斯更加凶残的虐待象人。马戏班里的其他人，乘晚上拜斯睡觉时，悄悄的放走了关在铁笼里快要死去的象人。象人把全身蒙在一块大布下，只露出一只没有变形的眼睛，经过艰辛的旅途后，到达了特维拉所在的城市。象人下了火车不久，就被几个小孩发现并追打他。象人被人们围在角落里扯下面具后，悲愤的喊出了“我也是人”。

    在警察的帮助下，象人回到特维拉那里。一天晚上，威尔士公主陪同象人到剧院看戏，在肯德夫人的带领下，人们纷纷站起向象人致敬。

    当晚，象人回到医院做完窗外大教堂的模型后，拿下床上用来靠着睡觉的大枕头，平静的象正常人一样平躺着永远的睡去了。

    影片向我们讲述了一个严重畸形的人，遭受到正常人不公正的对待的故事。影片中出现了各种各样的正常人，他们有名们显贵、有达官贵人、也有生活在地层的劳动阶级，这些来自不同阶层的人都有个共同的特点，他们都从畸形的象人身上获得对自己有利的东西。对象人帮助最大的特维拉医生，开始也是用象人来做医学研究。后来，被象人在苦难中也依然热爱生活的精神感动，才真心的帮助他。围绕在象人周围的人，他们虽有健全的外表，但却隐藏了一个畸形的心灵。在影片的最后，在马戏班几个帮助象人的畸形人身上，才表现了一些人性善良的一面。影片结尾，象人用付出生命的代价，换取了象常人一样睡觉的方法，表达了他想过正常人生活的最后愿望。

    70年代末期，正值电影界质疑彩色胶片的长久保存问题，很多著名导演提出黑白胶片保存年限远胜于彩色胶片的看法，电影界掀起一阵黑白电影热，马丁·斯科塞斯拍摄了黑白电影《狂牛》（愤怒的公牛），而林奇则拍摄了这部《象人》。影片上映后轰动一时，虽然在奥斯卡竞争中八项提名空手而归，但法国凯撒奖最佳外语片奖和英国演艺学院最佳影片、最佳男主角的荣誉也应该让林奇满足了。

象人 影评—噩梦终要醒来

卡夫卡说：“我们所需要的书，必须能使我们读到时如同经历一场极大的不幸：使我们感到比自己死了最心爱的人还痛苦；使我们如身临自杀边缘，感到因迷失在远离人烟的森林中而彷徨。一本书应该是劈开我们内心冰封大海的利斧。”把其中的“书”换成“电影”，便是我对此片所能做的最好概括。提到卡夫卡的另一原因是，导演大卫·林奇在一次采访中说到：“在所有的作家中。最能使我有相同感受的，便是卡夫卡。”这也许是对林奇影像风格的另一种解释——那些永远游弋在梦境与迷幻之间的奇幻画面，就宛若凄冷荒野上那座诡谲死寂的《城堡》0

一面镜子

《象人》看过不止一遍，它曾是我幼时一段梦魇般的观影回忆，多年后再看此片．那种恐惧阴郁的感觉似乎仍然清晰可触。虚幻的音乐中，一个女人的面孔缓缓浮现在画面上，美若天使，却又无比哀伤。噩梦似的场景，两头大象的沉重步伐．女人痛苦地呻吟挣扎．然后所有影像忽然云雾般散去，传来婴儿的一声啼哭——一个典型林奇式令人不安的开场。为了再现维多利亚时期的历史，加上好莱坞当时复古影调的风潮，影片被特别处理成完全的黑白效果，可即使放弃了林奇电影中符号一般的色彩元素，这组镜头仍让人感觉寒意彻骨。当科迪医生走入那个炼狱般的剧团时，这种阴冷的感觉，更如同伦敦暮霭中萦绕的雾气一样深浓。

马瑞是个极其丑陋的怪胎：头骨极度扩张，右上肢完全失去作用，脊柱严重弯曲．皮肤损毁．身体90％脓肿，严重支气管炎，只有左臂完全正常，这是种让人无法直面的残缺。而损毁的灵魂再一次充当了泯灭人性中的受害者：“他只是个怪胎．除了用来赚钱没有任何其它用途。怪胎就是怪胎。”说话的巴斯是马瑞的“主人”．这个恶棍总是醉醺醺的大声谩骂和殴打他，把他的不幸当作一件供人消遣的展品。而人们毫无怜悯的讪笑目光，让我想到之前一个特写．浸泡在冰冷玻璃容器里的畸形死婴，旁边赫然标注着：原罪的果实!真正的原罪显然并非这些被侮辱损害的弱者，如果不是科迪医生极度震惊的面容，和那滴缓缓滑落的眼泪，我几乎丧失了再看下去的勇气。

这是个关于救赎的故事，象人的丑陋畸形更像是一面镜子．让所有站在他面前的人都无处遁形。他清晰映射出对待弱势群体时，人类的两种极端行为，而在这一次至善与至恶的狭路相逢中，马瑞只是个无辜的牺牲品。医生把他带回医院的初衷也许并不高尚，可后来的故事，还是让人隐约感受到了一些温暖的东西。卡尔冈院长，舞台剧明星加杜太太这些角色，为这部悲凉影片增加了很多亮色，在他们的帮助下，马瑞渐渐找回了遗失的尊严与希望，他开始尝试过正常的生活，甚至接受邀请去科迪医生家喝茶。面对那些精致的茶具。美丽的壁画．还有科迪太太温暖的问候，第一次置身于正常人世界的马瑞失声痛哭．仅仅是这样简单的平等概念，就能给这个孤独的生命带来如此大的慰藉。可人们却总是这样吝惜自己的温情。马瑞用颤抖的声音称呼帮助他的人们——“我的朋友!”——他扭曲面容上那种诚挚的喜悦让人动容。用纸板搭建自己心目中的那座教堂的同时，马瑞也为自己缔造了一个不曾奢望过的，充满希望的家园。

可林奇的极端早已深入骨髓，他当然不会让故事就这样继续下去。果然．无情的现实再次把梦想击得粉碎，前来取乐的人们把那面雪亮的镜子残忍地放到马瑞面前时，导演对人性阴暗面的毫不避讳又一次得到展现。他那一声沉钝的哀号，就像一记响亮的耳光，打碎你所有苍白的怜悯。偷偷潜入医院的巴斯带走了马瑞，已患重病的他又回到众人的视线之中，展示一身的创痛。当他终于不支倒地，残存的一点尊严也在鄙薄的目光中轰然坍塌。“即使要穿越遍布死亡阴影的深谷，我也不会感到恐惧，因为上帝永远与我同在。”马瑞喃喃念着这段《圣经》的时候。也许不会想到。上帝或许真的是存在的，可他凝视马瑞的眼神，却是如此缺少慈爱。

这个有些魔幻色彩的故事，一开始被我认为是虚构的，但根据事实改编的真相让人震惊。我似乎只能希望，那个曾承载了如此苦痛的灵魂，真的能像他不堪折磨最终离开的时刻，所说的那样：“我的生命已得到满足，我知道了被人爱的感觉．我已经得回我自己。”在生命的最后一刻，马瑞终于如他一直渴望的那样，像一个正常人一样躺在了床上。可是这一次，他再也不会醒来。关于结尾

影片的最后．璀璨诡异的星空之中又浮现了那张女人的脸孔：“事物是永恒不灭的。河流川流不息，风不停吹送，云不停漂泊，心脏不停跳动，永恒不灭。”长的是磨难，短的是人生．真正永恒不灭的只有真实的痛苦与挣扎。这部电影虽然比起林奇的其它作品来，显出了几分温情，可情绪却更加彷徨。林奇电影中的概念，其实是一种梦境的概念．如果用心理学的理论进行客观分析，只会破坏那种奇异的美感，因为他要传达的，只是一种噩梦般的感觉。一直觉得那种前卫奇特的镜头下，掩藏的其实是一种逃避的态度。一种解脱的方法——噩梦终有醒来的时刻，而真正无可逃脱的是更加凄冷的现实。

海明威说：这世界是个美好的地方，值得为它战斗。在林奇的影像世界中，我只能同意后半句。

象人不像人，象人是人(《象人》影评）

作者：朝生暮死

初看影片《象人》的时候，一是自己惯来对黑白影片的偏爱，二是冲着导演大卫·林奇（David Lynch）的名字。以前就接触过他的作品，他的风格是典型的美国范式，只是他比较的聪明，手法高明，懂得如何去晦涩的表达，并且拿捏分寸，所以堪称大师级人物。《蓝丝绒》里面遗落在花园中的耳朵、《我心狂野》中的公路和癫狂的密谋、《穆赫蓝大道》里重叠的弗洛伊得梦境和精神分析，他的影片华丽而阴郁，总是隐含一种密而不宣，却牵动你衰弱的病态神经，让你紧张。最初我只是权当抱着对精神领域的猎奇去观看他的影片，但是，这次的《象人》，大卫·林奇1980年的处女作，让我哭了。

象人不是象，象人不是动物，象人是人。这是影片的主题，也是主人公Merrick被逼进绝望的夹角时最后的呼喊，却寻求不到解救。就像影片缓慢拉开的序幕：一个相框中的美丽女人，一个接下来绝望的可人儿的母亲，一群喧嚣的大象。伴随着背景聒噪的喇叭声，一个女人的身体被象群踩过，践踏。这个女人，一位母亲，这热带雨林中荒诞的经历，故事的起源就用这样的蒙太奇给抽象带过。然后是冗长的两个小时。黑白画面。伴随让人产生自然的生理嫌恶的哮喘声，变形的身体，丑陋的皮肤，硕大的头部，唯一能分辨出的清澈的左眼和一只还是本来面目的左手，丑陋面貌下的美丽圣洁的心灵，夜夜祷告神经的羔羊，被屠杀的羔羊。那就是象人。

影片可以分为五个层次，层层递进：

第一个是在马戏团里被人观看玩弄的象人。他是附属的，是没有人格和尊严的。那个时候他是怪胎，是异种，是低等动物。他不是人。

第二个是被医生发现并做为学术研究道具的象人。这个时候象人被关心的不是他的精神，不是他的思想，他丑陋变形的肢体被夸大并且完全赤裸的呈现在众人面前，只是做为一个医学界的现象，一个学术研究的道具。他不是人。

第三个是被引见到众贵族面前，甚至是英国女皇都出面来表示慰问的对象：拥有丑陋面貌却温柔敏感富于艺术天赋的对象，一个众人用来达到自己目的的渠道。伦敦皇家医院用象人得到了美誉，贵族用象人赢得了自己的良心，人们蜂拥至象人面前，逼迫自己同他一起喝茶，忍受同他握手。象人得到了赢得了表面的浮华，他却感动了，落了泪，文质彬彬的喝茶，将镶女明星的金边相框摆在自己的房间。象人成了一个人物，一个并不具体的、文学层面上的罗密欧。

第四个是找到了被马斯洛称为“归属感”需求的象人。他被前主人（此主人待他如动物，强迫他在马戏团进行廉价的怪物秀表演）视为极其嫌恶并且仇视的对象，并被关进铁笼子，笼子里还关着马戏团演出用的猴子等低等动物。但是一群同样是属于社会边缘的畸形人救了他，并将他送往返回伦敦的火车。这个时候的象人是一个被承认的人，但依旧是被社会所排斥的边缘人。

第五个是死去的象人。在安息中他也满足了作为普通人的渴望，一个平凡的理想----像一个常人那样睡去。他最后望了望挂在房间里的铅笔画，画上是一个孩子甜甜的睡着，盖着厚厚的被子，这幅画他已经默默的注视了无数次。然后他抽掉堆积在床上用来靠背的枕头，慢慢的将它们放在桌子上，他准备躺上去，然后他突然发现差了点什么，又小心谨慎的盖上了被子，闭上了眼。第二天清晨，人们发现象人死了，气管承受不住畸形头部的重量而破裂，象人窒息而死。他安静的平躺在床上，安详的像是睡去了般，就像一个常人理所应该的那样，只是睡去。床边的桌子上还摆放着他亲手制作的想象中的歌特式教堂，那教堂的顶尖直接冲向天空，朝着天主的方向。苦闷和解脱的象征。象人是人。

象人是无辜的，他像个孩子一样胆战心惊，他害怕人们对他的鞭打，对他嘲笑，他害怕窗户外突然出现的那些不怀好意的人的脸，他害怕哪怕只是一个突然的关门声，他害怕的不敢说话。他随身带着他母亲的照片，一位有着天使般面容的女人，然后他又伤心的说：如果我的母亲还在，她一定不会想见我，她……会以我为耻，我，我让她蒙羞了……哪怕那些人只是作态般的接近他，他却受宠若惊，开心的像个孩子，他会说：那是真的吗，真的是这样的吗？他不敢相信，他以为他一生会真的像一个动物般的在阴暗潮湿的低层度过，伴随着衰弱的身体，和沉重的哮喘声。他对窗外教堂的希望，来自于他只想做一个普通人的渴望，可是那教堂就是窗外不远的地方，那么近，他看不见，他只能在心里画出它的轮廓，运用自己的想象来打造他的理想，一个对于普通人而言不值一提的理想。

我以为这只是大卫·林奇编造出来的借畸形人来嘲讽这个世界的黑色幽默，一部《巴黎圣母院》的延续和再造，用残酷的躯体面容来歌颂内心的圣洁。当我开始搜寻更多关于象人的资料的时候，我搜寻到了Joseph Merrick的故事。《象人》就是根据Joseph Merrick的真实经历改变而成。这是让人震惊并且让人伤心的一个事实。一百多年前，象人曾经真实存在过。事实上，现实远比影片所表现的要残酷，Merrick在死后，其身体一直被伦敦皇家医院保留，用做实验，他罕见的病理成为困扰医学界100多年的难题。而影片中用畸形小矮人的救助和医生最后的良心发现来表明美好的一面，只是依旧无法挽救象人的死亡。Joseph Merrick曾亲手用纸板做了一座教堂，华美易碎。

Joseph Merrick说：“如果不是这样，或许我能更好的取悦你，取悦这个世界…….如果我能……如果你能用一个人的灵魂来衡量他的价值……影片最后是重回开头的抽象和虚幻，因为在现实社会中我们并不能得到解答。一个声音说，那是象人死去的母亲，她说：nothing will die。

国内关于象人的文献资料较少，

以下是我翻译的一篇文章，以供参考．

英文原文见：http://rarediseases.about.com/cs/proteussyndrome/a/031301.htm

象人之谜

　—医学界长达一百年的难题

Joseph Merrick ，象人的故事

象人不是象，象人是人，他名叫Joseph Merrick，生于1862年8月5日。Joseph Merrick两岁时，他的皮肤开始出现奇怪的变化：变黑，变暗，并且脱皮，然后皮肤表面变得粗糙，凸凹不平。接下来煤快状的物质开始在他身体上生长并蔓延开来，侵及脖子、胸前、背部、头部。其他的孩子们开始嘲笑他日渐丑陋的外貌，而这只是人生阴影的开始。这些奇怪的现象伴随着Merrick的成长而愈演愈劣。他的整个右肢体包括右脑、手臂、右手开始畸形生长，直到12岁那年，Merrick的外型已经严重变形。次年，Merrick离开了家，尝试去一间工厂工作，但因外形的怪异而受到人们的排挤、唾弃，甚至是虐待。Merrick无法找到一个正常人可以做的工作，直致最后轮落辗转于类似马戏团的地方，上演畸形人秀，以此谋生。那个时候Merrick的面部肌肉和脑部已经生长出巨大的类似肿瘤的肉包，鼻部的的肌肉向下变形，瘫塌，像一块无骨的死肉。“象人”这一称号也由此而来。

错误的诊断

人们对象人有更深的了解是通过那部1980年的叫做《象人》的电影。影片再叙了那段历史：最开始象人只是引起一位医生的注意，然后甚至是皇室都来关注这位富有艺术天赋并且敏感的畸形人。人们被电影所展现的这段不同寻常的苦难历程所感动，但是为人鲜知的是，医学界用了整整一百年的时间才揭开了这降临在Joseph Merrick身上罕见怪病的真正原因。

在十九世纪，医学界权威认为Joseph Merrick所患的是“象皮病”（elephantiasis），这种病因是淋巴系统的混乱所造成患者身体某些部位的肿大。1976年，一位医学界人士认为Joseph Merrick是因为生理肌体的紊乱而导致神经系统滋长恶性肿瘤，这种叫做纤维神经瘤（neurofibromatosis）的病例更为罕见。但是根据Merrick的照片来看，皮肤表面并没有显示出肿瘤病人特有的褐斑，相反的，他的畸形是因为骨头和皮肤的过分生长。只是，就算是今天，仍然有人错误的认为“象人病”就是纤维神经瘤。

直到1996年，医学史上的迷雾才被揭开。国际健康协会组织一位名叫Amita Sharma的放射线学者，通过用x光和ct扫描透射Merrick的骨架（Merrick的遗体一直被伦敦皇家医院给保留），发现Merrick所患的是一种叫做Proteus syndrome的比纤维神经瘤更为罕见的病例，这种病史只在1979年出现过一次。（即Joseph Merrick的这绝无仅有的一次）。

Proteus syndrome

Proteus syndrome中的Proteus是古希腊神化中能够自由变化自己身体的海神的名字。这种罕见的病理特点在于身体系统的不断破坏和紊乱造成淋巴系统成倍的增长，最终导致身体的一边过分生长，脑部肿大，皮肤上布满黑色斑点和痔，类似某种程度上的巨人症。Merrick 的外貌，特别是骨骼，就是畸形演变的的一种极端。他头部的周长达至